El Informante

Rumbo al Oscar 2012: Moneyball

2012-01-26T16:32:00.000-08:00

Siguiendo los "review" de las cintas nominadas al Oscar a mejor película este 2012, hoy nos toca revisar Moneyball, película que puede ser catalogada como una "Sports Movie", centrándose en los entretelones del Baseball, deporte americano por excelencia. Afortunadamente, para los que no sabemos nada de dicho deporte, la historia nos lleva más allá.

Moneyball se basa en un libro homónimo de principios de siglo que cuenta la verdadera historia de Billy Beane (Brad Pitt), el General Manager de los Oakland Athletics, un equipo de "media tabla" de la liga mayor de Baseball que revoluciona los fundamentos de este deportes aplicando una estrategia de selección de jugadores basándose en estadísticas y cálculos matenáticos hechos por computadora, dejando de lado la vieja tradición de los "scouts" o reclutadores que viajan por todo el país seleccionando muchachos tomando en cuenta solo su intuición o apreciación personal. Este sostificado sistema es presentado por Peter Brand (Jonah Hill), el cual conformará un tandem junto con Beane que irá contra la corriente para demostrar que su teoría efectivamente funcionará. Para los amantes de las historias que cuentan con personajes que van contra la corriente en pos del triunfo y de paso madurar, esta es su película. Sí, como en The Help, otra "Feel Good Movie".

Afortunadamente, Moneyball deja de lado algunos tecnicismo del Baseball y nos introduce de lleno en la lucha de Beane y Brand por mantener sus novedoso sistema y bancarlo hasta que el equipo logre su cometido: dejar de perder y conseguir una racha que remonte su mal inicio de temporada para poder ganar el toneo. Esa es la obsesión de Beane. Y Pitt tiene una actuación de esas que llenan la pantalla y conquista al espectador. Es cierto, para una etsrella como Brad Pitt no debe ser muy difícil atrapar al cinemero por 2 horas de metraje, e incluso no deja de impregnarle al personaje ese lado cool tan propia del actor; pero a su vez sabe agregarle esa carga y tensión que tiene un hombre que va contra todo el mundo por mantener un experimento que se cae a pedazos y a la vez transmitir la confianza, ya sea a su hija o al entrenador del equipo, que su planteamiento le traerá réditos a los "Athletics". Si bien es una caracterización llena de manierismos de esa que les encanta a los miembros de la Academia (y que por ello terminan nominándolo a Mejor Actor), es importante que una estrella como Brad Pitt se "ensucie" los zapatos y busque proyectos que resalten más sus dotes como actor que como ícono (a diferencia de, digamos, Tom Cruise), pero que a su vez sean proyectos pequeños o arriesgados en los cuales se vea el intento de un actor de efectivamente actuar y no buscar desesperadamente un premio (a diferencia de, digamos, Leonardo DiCaprio). Por ello es que sin ser un excelente actor, Brad Pitt se gana a pulso el respeto de los cinemeros.

La sorpresa de este film resulta Jonah Hill, el cual se había desempeñado generalmente en comedias, pero que aquí juega el rol del introvertido asistente Peter Brand de manera contenida y sutil. Nos parece importante que un actor amplíe su registro de caracterizaciones, y aquí Hill lo hace con creces. Sería cuestión de revisar las otras performances importantes del año en la categoría de Mejor Actor Secundario para comporbar si la nominación al Oscar de Hill es un justo premio o demasiado premio.

Aunque puede pecar de ser un poco larga, la película no se hace nunca aburrida por el oficio de Bennet Miller en la silla de director y por el buen guión de dos consagrados como Steve Zaillian y Aaron Sorkin. Porque si bien la historia del "underdog" que lucha por sus sueños se ha contado millones de veces en el cine, siempre es distinto dependiendo de la vitalidad y frescura que le añada el guión. A pesar de ello, una pequeña crítica que le podemos hacer a la película es de no desarrollar demasiado, o explicarnos a los cinemeros no muy conocedores de este episodio real del baseball, cómo es que la técnica implementada por Brand hace que reviertan tan "mágicamente" los resultados de los "Athletics". Esta "vuelta de tuerca" es explicada mediante escenas en las que se ve a los personajes de Pitt y Hill alentando a los jugadores y enseñándoles de cerca las estrategias, aunque de manera muy escueta para que todos los espectadores nos creamos la imprevista y sorprendente mejora del equipo. En fin, cuestiones de guión.

Moneyball nos parece una película correcta y entretenida que no pierde ritmo y que a grandes rasgos es una historia moldeada para caer simpática e impactar en el público y en la crítica. Pero allí nomás. Por ello es que su nominación es justa, pero a la vez es un premio suficiente para tal equipo. A veces, como nos enseña esta película, no necesariamente se debe alcanzar el éxito para sentirse ganador.

Cafificación: 17/20

Rumbo al Oscar 2012: The Help

2012-01-25T21:16:00.000-08:00

Con la gracia de los cines nacionales, los dvds y el intenet (hasta que el FBI lo permita) nos hemos dispuesto a comentar las películas nominadas a los Premios de la Academia 2012. Es una carrera maratónica tomando en cuenta que en menos de un mes se conocerán a los ganadores. En esta ocasión hablaremos de "The Help", o "Criadas y Señoras" titulada en español.

"The Help" puede ser catalogada como una "feel good movie", calificativo que recibe una cinta por contar una historia de superación y de lucha que deja una moraleja a todos los espectadores, saliendo cada uno de los cinéfilos con una sonrisa por la victoria de los protagonistas. Y "The Help" tiene todas las características para ser una de esas películas: cuenta la historia de una joven escritora de Misissippi (Emma Stone) en lo años sesentas que, a diferencia de sus frívolas y racistas amigas, decide dejar los modales de niña fina y ama de casa ejemplar para acercarse a las mujeres negras de la comunidad que trabajan como servidumbre, teniendo como principal labor la crianza de las hijas de las mencionadas "señoras blancas". A partir de este acercamiento, se anotarán y publicarán las vivencias de las criadas en las casas de sus jefas blancas, lo que causará un revuelo social en todo el país. Todo esto teniendo como marco el inicio de la lucha social por los derehcos de la población afrodescendiente, la cual tuvo a Misissippi como uno de sus focos de mayor lucha.

Como toda película que toca el tema del racismo, "The Help" presenta personajes arquetipos, los buenos recontra sufridos y los malos recontra perversos; en esta ocasión, las criadas negras son presentadas como estoicas heroínas que sufren los maltratos de las mujeres blancas, modelitos al estilo "Barbie" que solo sirven para contarse chismes entre ellas, modelar para el marido y tratar duramente a todos aquellos que trabajan para ellas. El trato a los personajes en este tipo de películas cae generalmente en muchos clichés, y esta película no es la excepción. Pero la diferencia está muchas veces en el carácter que le impregna cada actor a su personaje, por más arquetipo que sea, para dotarlo de una humanidad que el guión parece no querer darle. Y este es el caso de esta película, la cual cuenta con uno de los mejores elencos femeninos de los últimos años.

No en vano "The Help" tiene 3 nominaciones al Oscar en categoría de actuación. Octavia Spencer (favorita para obtener el Oscar a mejor actriz de reparto) construye el personaje de la criada Minnie Jackson con garra y fuerza, una mujer que no se amilana ante nada y que es el corazón de la película; Jessica Chastain (actriz revelación del 2011 por estar en otras cintas comentadas como "Tree of Life" o "Take Shelter") tiene una actuación muy buena, aunque su nominación al Oscar creo que debió corresponderle a una Bryce Dallas Howard que se va quitando la etiqueta de "hijita de papá" (es la hija de Ron Howard) para construir en esta ocasión a una deliciosa malvada que le hace la vida imposible a las criadas; incluso consagradas actrices como Sissy Spacek y Allison Janney están notables en sus cortas participaciones como madres de la villana Howard y la escritora Stone respectivamente.

Párrafo aparte merecen las protagonistas de la historia. Emma Stone se va consolidando como la "nueva Julia Roberts", aunque a diferencia de esta, la dulce Emma sí sabe actuar. Quedando más que descontado su talento para la comedia, en esta ocasión Stone demuestra dar la talla en su primer protagónico en un drama y sabe construir el personaje de mujer disconforme que se siente ajena a su círculo familiar y que poco a poco se va adentrando al opuesto mundo de la servidumbre negra. La reina de la función es Viola Davis, que construye con un temple enorme a la criada que se llena de valor para empezar a contar sus experiencias laborales y personales a pesar del miedo infundido y las leyes del Misissippi de los 60s. A Davis le bastó una escena para comerse a la mismísima Meryl Streep hace unos años en "Doubt" y ahora demuestra que a la hora de llorar, no hay nadie que lo haga con mayor coraje que ella. Esa mezcla de mirada y voz que despliega Davis en sus escenas más dramáticas nos enseña a que en ocasiones se llora solo si uno es valiente. Sin duda será una "triple amenaza" entre Davis, la "Dama de Hierro" Streep y "Marylin" Michelle Williams por el Oscar a Mejor Actriz.

Son las actrices las que terminan convirtiendo una película normalita en buena. La dirección es stándard, el guión es simple y si bien empieza muy bien, en su último tramo nos llena de momentos comunes y clichés que, como sabemos todos, teminan siendo normales en una "feel good movies". Parecía que no, pero la moralina termina desbordando a "The Help". A pesar de ello, bien vale ver esta cinta por las geniales actuaciones femeninas con las que cuenta, y porque nunca está demás apreciar un film que cuenta una historia que pasó hace casi 50 años pero que sigue manteniendo vigencia. Estas películas, generalmente, no tendrían chance de ser nominadas al Oscar (lo seguidores de la magnífica Drive reclamamos su puesto en las 9 nominadas), pero se agradece siempre que el séptimo arte sea el encargado de hacerle recordar al ser humano que no puede perder su cualidad más importante: su humanidad.

Calificación: 15/20

¿Qué podría ver?: entre "The Wire", "Breaking Bad", "The Shield" y "24"

2011-12-04T08:45:00.000-08:00

Alguien muy especial en mi vida está por concluir LOST, la serie sobre un grupo de sobrevinientes que tratan de recomponer sus vidas en una isla misteriosa y que (con màs prisa que desarrollo) introdujo viajes en el tiempo, mercenarios y 2 hombres que no son ni Dios ni el diablo. En fin, ahora me ha preguntado qué ver, debido a que, si algo bueno tiene LOST en su conunto, es esa maravillosa habilidad de dejarte un buen sabor de boca y querer ver más y más. La adicción de LOST es difícil de superar. Por ello, ante tal encrucijada, he decidido en este post (por el cual espero retomar la senda de este blog) recomendar y dar los pro y cons de mis 4 series favoritas: The Wire, Breaking Bad, The Shield y 24 (sí, en ese orden).

The Wire

¿De qué va?

Estrenada en el año 2002 por la cadena HBO, The Wire toma como "excusa" una investigación policial a una banda de traficantes de drogas para realizar un examen profundo de la ciudad de Baltimore, en Maryland. Baltimore es una ciudad sumida en la más profunda crisis económica, de instituciones y de valores: no hay presupuesto para las escuelas, los niños admiran a los traficantes, el municipio está lleno de arribistas y corruptos y los jefes de la policía modifican las estadísticas a su anotjo para decirle a la muchas veces oportunista prensa que los asesinatos han bajado en la ciudad. Todos, absolutamente todos en The Wire son "grises"; nadie es ni bueno ni malo. En esta serie vemos como policías, traficantes, políticos, periodistas, profesores y drogadictos comparten un lema en común: para sobrevivir en uan ciudad desgraciada, hay que ser un desgraciado. Como dice Jimmy Mcnulty, el "protagonista" de uan serie cuyo real protagonista es la ciudad de Baltimore: "Si juegas en la suciedad, te ensucias" (Temporada 4, capítulo 11).

¿Por qué verla?
Porque "The Wire" es más que una serie. No sólo contiene un relato policial apasionante, sino que "decora" dicha historia clásica entre buenos y malos y le da otra vuelta de tuerca. Para ser más preciso, revitaliza la vieja tradición del cine negro y la trae al Baltimore de los 2000s. No hay mayor descripción de la pobreza de alma humana que en esta serie. Esta es una de esas series que te cogen el corazón y te lo exprimen, sin piedad. No hay finales de "cliffhanger" o de sorpresa, peor sí hay de esos descorazonados, sin esperanza, con la dureza y frialdad de una calle sucia y abandonada. Cuando ves "The Wire" es como si te colocarán al centro de un círculo, protegido por un cristal (la distancia de la TV) y alrededor tuyo pasaran imágenes de la miseria humana. Y esa sensación de desagarro nadie te la quita. No hay serie más real que "The Wire", y no hya relato más apasionante que este. Cada temporada va sobre una temática esencial y en decadencia de la sociedad (sus 5 temporadas desarrollan los temas de las drogas, los sindicatos del puerto, la burocracia municipal, la educación y la prensa respectivamente), aunque no se queda en ello, sino que da un desarrollo transversal a cada arista, para cerrar el círculo perfecto al final de la serie. Un adicional importante de "The Wire" es que debe ser la serie de la cual brotan los personajes más maravillosos de los últimos tiempos. Tan amenazadores como entrañables pueden ser un drogadicto en decadencia, un policía borracho, un político que se cree mejor que los demás o unos estudiantes que intentan crecer y madurar sin necesariamente prestar atención a las clases. Y justamente esa temporada sobre la educación pública, personalmente, es la mejor temporada que cualquier serie haya emitido hasta la fecha.

¿Por qué no verla?
Alguien dijo una vez que "The Wire" era más una novela que una serie. Y por ello la densidad de las historias que cuenta. Uno tiene que estar muy atento a lo que cuenta la serie, ya que como dice el detective Leaster Freamon "Todas las piezas importan". Incluso, The Wire es una serie rara ya que no pone toda la carne en el asador como otras que hacen pilotos extraordinarios para luego desinflarse poco a poco. Los primeros capítulos de "The Wire" tienen un ritmo lentísimo, y poco a poco va aumentando en intensidad. "The Wire" no tiene climax (salvo que sea su penúltimo capítulo") ya que el último capítulo de cada temporada pone las cosas en su lugar y nos prepara para la siguiente. Esta serie es, no vemos a mentir, difícil de ver. Pero podemos decir que el viaje vale la pena.

Breaking Bad

¿De qué va?

Walter White es un cincuentón profesor de química, de clase media y con un ritmo de vida aburridísimo, de rutina, con una espoa embarazada y un hijo adolescente con problemas psico-motrices. Walter White no sabe hacer nada en la vida, salvo todo lo relacionado con la química. Y cuando le diagnostican cáncer de pulmón terminal, él decide tomar al toro por las astas por priemra vez en su vida y darle un vuelvo radical a su vida: utilizar sus conocimientos de química para "cocinar" drogas y dejarle una buena fortuna a su familia. Pero Walter no muere, vive, y con él crece la ambición y el deseo motividado por eso tan peligroso como atractivo: el poder. Walter White nunca volvería a ser el mismo.

¿Por qué verla?
"Breaking Bad" (BB) es la única de las recomendadas que sigue viva (el próximo año se estrena su quinta y última temporada) y debe ser de lo mejor en la parrilla americana actual. BB es una serie dura, atrevida, seca y cruda. BB combina de una manera exquisita el drama con la comedia. No por nada sus personajes (drogadictos inmaduros, abogados parlanchines, sicarios frsutrados) pueden ser protagonistas en cualquier otra comedia. la serie cuenta las desventuras de Walter y su ex-alumno y adicto Jesee Pinkman por tratar de isnertarse en el negocio y sobrevivir. Y además nos presenta un hombre por tratar de ocultar su doble vida, siguiendo el índica de "doble moral" que tienen los personajes actuales de la televisión gringa. Si "The Wire" relataba cómo las drogas destrozaban instituciones públicas, corrompían a los policías o recortaban los presupuestos del Estado, pues BB tiene la osadía de darnos la estocada final: la destrucción de la familia (¿la institución más importante de todas?) de la mano de la droga. Como lo remarca el título de "break bad", la ambición de poder nos lleva a romper los límites insopechados hasta tocar fondo. Finalmente decir que en "Breaking Bad" encontramos a los dos mejores actores y el mejor dúo dramático de la tele actual: Bryan Cranston (Walter) y Aaron Paul (Jesee) son los dos mejores actores hoy po hoy y punto. Sus actuaciones, y sus personajes, son brillantes, enormes, y se agotan los adjetivos para describirlos. Sus mejores temporadas, empate creo yo, son la tercera y la cuarta.

¿Por qué no verla?
Al igual que "The Wire", BB es una serie lenta. Además no tiene, o mejor dicho sí lo tiene pero en cantidades menores, ese hilo conductor tan atractivo de "policías persiguen a los ladrones". En BB hay polis y traficantes, pero la atención se la lleva Walter White y su doble vida, la cual es tan o más atractiva que ver la cacería de buenos contra malos. Peor va in crescendo y sí presenta cliffhangers de rato en rato. Eso sí, advertidos están de que puede ser una serie por la cualsí sientas repulsión por su protagonista: el viaje de "break bad" es del protagonista y de todos nosotros, que terminamos odiando a Walter. Eso de odiar al prota puede ser problema para algunos; para mí no, porque esa es la más grande virtud de los escritores de BB: cómo hacer para convertir a tu pusilánime protagonista en un villanazo e igual hacer que la gente te vea semana a semana.

The Shield

¿De qué va?

Un policía corrupto, malvado, despiadado y, vamos a decirlo, total hijo de su madre, comanda un equipo especializado de polis para combatir a los naroctraficantes y dealers de los bajos fondos de la ciudad de Los Ángeles. Y para ello, no duda en utilizar las tácticas y ténicas más polémicas, discutibles, amorales e incluso ilegales. Estamos hablando de un poli que roba dorga y la vende para tener fondos y que mata a compañeros sin dudarlo. Es un real hijo de su madre.

¿Por qué verla?

Porque si hablamos en términos netamente televisivos, The Shield me parece la serie más completa. Tiene parte del realismo crudo de "The Wire", pero también tiene el cinismo de BB y el ritmo de los mejores policiales. "The Shield" se vende y es un policial duro y puro. Toca temas como políticas o pobreza urbana de manera transversal, pero no deja de ser eso: un policial. Y es que esta serie tiene la genialidad de mezclar en dosis iguales la ficción del policial con la dureza del documental realista (no por ello, "The Shield" está grabada en una cámara tipo documental). Y es ese equilibrio que la lleva a encumbrarse como una serie de culto. Para aquellos que dicen que "The Wire" es ya mucha realidad, y que los policiales gringos es mucha ficción, "The Shield" debe ser la serie perfecta. Y lo es. Además, es esta la serie en la que encuentro mi personaje de ficción favorito´: Vic Mackey. Sí, ese poli hijo de su madre descrito líneas arribas es el ser más complejo y fascinante del mundo de las series. Si suena a que lo odiarás, es verdad, lo destestarás. Peor también entenderás sus motivos y raoznes. Y eso, la simpatía por el personaje, es lo más preciado que una serie puede lograr.Como dato adicional, considero que "The Shield" da una clase maestra de cómo cerrar una serie (agarra esa flor, "LOST") ya que su capítulo final, sus minutos finales lo dejan a uno con el corazón en la mano. Su mejor temporada es, por toda la rabia que contiene, la quinta.

¿Por qué no verla?

Es una serie durísima y, tal vez, la serie más para "machos" (aunque tenga el concepto que no existen series para hombres o para mujeres). El hecho que sus protagonistas sean un grupo de 4 polis que paran todo el día juntos, haciendo y hablando cosas de hombres puede sonar chocante, pero no lo es. Es la naturaleza humana y el ojo clínico de los guionistas para demostrarnos como un grupo de amigos puede devenir en lo más sangrientos vengadores...el uno contra el otro. Tal vez a algunos les parezca algo "procedimental" la serie (hay un caso por capítulo generalmente"), pero esperen a que tome cuerpo (desde el final de la segunda temporada) y verán como esta serie es como un carrusel: si te lleva con velocidad hasta la cima, espera el vértigo de la cuesta abajo. Se prometen vómitos, sangre y mucho, mucho dolor.

¿De qué va?

Es una serie "en tiempo real". Con 24 capítulos por temporada, cada capítulo significa una hora en la vida del agente Jack Bauer de la Central Contra Terrorismo de Los Ángeles. Es una serie "hija" del 9/11 y cuenta las peripecias de un agente del gobierno por impedir que la amenaza terrorista se expanda por los Estados Unidos, al mismo tiempo que trata de lidiar con sus fantasmas personales.

¿Por qué verla?

Porque 24 es una serie adictiva, llena de cliffhangers que te hacen ver toda una temporada en menos de 24 horas (valga el chiste). Porque es una serie clásica del bueno contra el malo...y contra todos aquellos buenos que no eran así y terminan siendo villanazos. Uno se compromete con el personaje, con un Jack Bauer genialmente interpretado como ese "Personal Jesus" que para mí es Kiefer Suitherland. Y si bien solo lo conocer por 8 días (8 temporadas duró 24), lo conoces, lo entiendes y luchas junto a él y su soledad. Cada aventura es más trepidante que la otra y para ello los guionistas saben utilizar el apremiante concepto del tiempo real. Porque a las 5 Bauer está entrando a un edificio lleno de latas de gases venenosos, a las 6 está persiguiendo al "topo" de su unidad, a las 7 es capturado por los terroristas, a las 8 es atrapado bajo el fuego cruzado de los militares y así sucesivamente hasta que, sind arte cuenta, un día más en la vida de Jack Bauer terminaba. Como dato adicional, 24 es además una serie importante para analizar la idiosincracia america y su cambio luego del 9/11. Su temporada más exquisita es, por razones que no develaré por spoilers, la quinta temporada.

¿Por qué no verla?
Porque la fórmula del "tiempo real" puede ser cansina para muchos y hasta ficticia para otros. Porque es una ficción a la cual hay que compormeterse (ey, el prota no duerme ni va al baño en todo el día). Porque además puede ser un tanto esquemática si creemos que los villanazos siempre son los árabes, los rusos, los yugoslavos (cuando existía ese país) o los mejicanos, aunque hay por ahí un giro interesante (el mejor de todos diría yo) con el malo malazo de la quinta (por algo es la mejor de todas las temporadas). Incluso está la perenne crítica que 24 es una de las series más intermitentes que hay y su calidad bajaba. Pero vamos ¿qué serie no ha tenido temporada mala? Y si te comprometes con el viaje de Jack bauer, te darás cuenta que es de ahí que parte el prototipo de héroe en la ficción moderna: tipo duro, áspero, cortante que solo puede cotnra el mundo. Porque Jack Bauer fue y es el héroe de todos nosotros (se me salió el fanboy). A pesar de ello, es un personaje difícil despierta mucha polémica, siendo además una representación de la política norteamericana de la "guerra cotnra el terror" de la tristemente célebre administración Bush. Siempre creeremos que Jack Bauer no era republicano.

O podemos dejar de ver dramas y ver comedias. Para la próxima entrada, "¿Porqué no ver algo que me haga reir?" Arrested Development, How I Met Your Mother, The Office (US) y Parks and Recreation analizadas.

PD: Sí, ya sé que los hinchas de "Los Sopranos", "Six Feet Under" e incluso "Mad Men" me están matando en sus mentes. Prometo este verano hacer las paces con ellos, retomarlas y terminarlas.

True Grit: de acero inoxidable

2011-02-13T18:40:00.000-08:00

True Grit (Temple de Acero o Valor de Ley) es el "remake" de la película de los sesentas que le significó al mítico John Wayne su único Oscar. Es una de vaqueros. La película cuenta la lucha estratosférica de Mattie Ross, muchacha de 14 años, que buscará vengar el asesinato de su padre de manos del forajido Cheney. Para ello contará con la ayuda de dos personajes un tanto estrambóticos: un alcoholizado Marshall Reuben "el Gallo" Cogburn y el Ranger (casi un boy scout) LaBeouf. Juntos iniciarán la cacería contra el asesino.

Y como todo western, detrás de una historia con motivaciones básicas (en este caso, la venganza) se esconde todo un desarrollo del código de moral estadounidense (por algo, los vaqueros fueron el género característico del país gringo), con personajes implacables, algunos cobardes, otros honorables, pero todos con ese impulso férreo por cometer sus objetivos. Con los arquetipos claros (el vaquero arruinado pero que se redime, el malo que no se arrepiente o el jefe mafioso con algo de honor), la película destaca porque el peso de la misma, siendo su razón y corazón, descansa en una niña de 14 años, interpretada por una mujer de 14 años: Haileen Steinfield, como Mattie Ross, es la columna de este film.

Podrá estar nominada en los Oscars como Mejor Actriz de Reparto, pero Steinfield se carga la película, como personaje y como actriz. Muy bien escrita, pero mejor interpretada, da la dosis perfecta de fuerza, entereza y desenfado que tiene esta chiquita que decide venga a us padre y nos llega a convencer que la venganza, a veces, guarda una gran dosis de honor. Ella es la verdadera portadora del "Temple de acero", del "True Grit". Ella emprende la búsqueda y ella lo consigue. Y Steinfield marca una interpretación inolvidable.

Los demás actores cumplen (Brolin como malo malvado y Damon como buenazo correcto como siempre lo hacen, respectivamente) y nota aparte para Barry Pepper (cuya interpretación de 5 minutos como Ned Pepper impresiona) y, sobre todo, para Jeff Bridges. Ahora bien, reconociendo que es un pecado no haber visto "El Gran Lebowsky", se indica que el Cogburn de Bridges va más por el camino del "Dude" del mencionado film de los Coen, desapegándose de cualquier comparación con Wayne. Pero sin importar ello, damos gracias de que todavía hayan actores naturales, relajados y que lleven con tanta soltura el desarrollo de un personaje en sus películas (agarra esa flor, Sean Penn). Puede ser un vaquero acabado, un mendigo, un cantante de country o el mismo Presidente de los Estados Unidos, pero Bridges siempre da la nota para dar una interpretación notable sin, aparentemente, tomarse en serio las cosas. Y vale decir que ver a Bridges enfrentarse a 4 jinetes a la vez es una secuencia impresionante y que lo eleva a los altares cinematográficos.

Pero True Grit tiene otras escenas inolvidables, como la negociación de Mattie con el viejo comerciante, el juicio a Cogburn, la aparición del hombre colgado, la emboscada de noche en la vieja cabaña (de un suspenso increíble) o, en el post clima del film, la desesperada carrera de Cogburn por salvar a Mattie del veneno mortal. Tanta belleza y desesperación nunca es fácil de mezclar. Esto es mérito de unos tipos que pueden despertar debates (personalmente, "Fargo" y "El hombre que no estuvo ahí" me parecen superiores a su oscarizada "Sin lugar par los débiles"), pero que destilan cinematografía en cada plano. Nolan, Aronosky y Paul Thomas Anderson pueden ascender como las nuevas estrellas del ámbito de la dirección, pero si se trata de oficio y de saber cómo contar una historia y darnos esas dosis precisas de humor, suspenso y drama, ahí están esos hermanos tan hermosamente meticulosos como maléficos como lo son los Coen. Y a ellos les debemos que todavía se respire cine en las salas.

Puntaje: 18/20

Breaking Bad: la serie que la rompe

2010-09-14T06:13:00.000-07:00

Se conocerá a la priemra década del siglo XXI como "Los 10 años de las series". Pues ha habido de todo, pero el consenso es que la "caja chica" ha superado con creces a la "pantalla grande". Un periodo de tiempo que empezó con Los Sopranos como Rey, pasando por The Wire, The Shield, Six Feet Under y un largo etc. para al parecer terminar, cual cereza en el helado, con esa a priori maravilla producida por Scorsese, a estrenarse este fin de semana, llamada Boardwalk Empire. Pero si queremos elegir al Rey de esta última parte, tendríamos un par de problemas, pues la suprema y precisa Mad Men tiene un claro contendor: Breaking Bad.

De Mad Man no he hablado aún (a pesar que ya la inicié hace un par de meses, lo que requiere un post urgente), pero este post es para discutir sobre esta otra serie tan rara y original, que rompe esquemas a pesar de que sigue la "tradición" de las series modernas: un tipo que va adquiriendo matices cada vez más grises hasta llegar a ser casi tan oscuro como la sociedad que lo rodea. Breaking Bad trata sobre la vida de Walter White (Bryan Cranston), un profesor de química común y corriente, apacible y sedentario, que un buen día recibe la noticia más temida por todos: tiene cáncer, y ya muy avanzado. A Walter le cuesta asimilar este shock, pero cuando finalmente lo hace empieza a derrumbarse. "Breaking Bad" es un dicho americano que hace referencia a la (auto) destrucción personal de una persona (algo así como un "breakdown") y este es el proceso que inicia Walter. Pero no solo por la terrible noticia de tener cáncer, sino que su enfermedad el motor de la serie y la que desencadena la sucesión de hechos que azotan la vida de nuestro protagonista. Simplemente, Walter decide (por fin) adquirir algo de "valor" y poner en práctica o que sabe para así, como el químico perfecto que es, fabricar elementos de alta calidad que puedan ser vendidos fácilmente y a un alto precio. Y como el gran tema de las series en esta década, su negocio y la historia girará, a partir de ese momento, sobre su incursión en el mundo de la venta de drogas, más precisamente, de la Metanfetamina Azul (Blue Meth). Pero claro, al ser un burgués común, Walter necesitará de ayuda. Y es aquí donde entra la otra gran parte de la historia, que podría no parecer un personaje que apunta a mucho, pero eso solo es un prejuicio equivocado: el gran "junkie" o "punk" Jesee Pinkman (Aaron Paul).

Rodeando a estos 2 encontramos una gama de perosnajes, algunos geniales (el gran cinismo de Hank o la siempre oportuna labia de Saul Goodman, e incluso la idiotez de Badger) y otros relegados a un segundo plano (Marie o Walter Jr.) Skyler, la esposa de Walter, es otro tema. Breaking bad, como todo buen show, descansa en sus personajes y la historia que nos rpesenta su evolución. Como dijimos, el personaje de Walter representa el modelo de protagonista actual que se sigue en la televisión de los 2000's: un anti-héroe que cambia su vida para luchar por lo que él considera justo. Sus métodos son tan oscuros como los de un Jack Bauer o un Vic Mackey, pero su objetivo sigue siendo tan justo y enternecedor que terminamos haciéndolo barra con tal que lo logre. Y es que Walt, que siempre ha sido un perdedor, toma una decisión sabiendo que le quedan pocos meses de vida y decide aplicar sus conocimientos para dejarle algo de dinero a su familia, con un hijo con una enfermedad mental a cuesta y una esposa embarazada. El debate moral está sobre la mesa: ¿hasta qué punto estaríamos dispuestos a llegar para asegurar el futuro de los que amamos? Pero este debate, como afirmamos, no hace más que despegar el drama y el suspenso alrededor de estos personajes, situándolos en el submundo de la droga, pero a diferencia de otras series con temática parecida, estos 2 que tenemos acá no son grandes "drug lords" o asesinos perfectos; simplemente son dos perdedores que tratan de improvisar en el camino y lograr tener éxito en esta misión algo precipitada. Y así como ellos van aprendiendo, nosotros nos vamos sumergiendo más y más en esta estupenda serie.

Como muchos de los dramas actuales, más que una serie parece una novela dividida en temporadas como volúmenes. La narrativa de la serie es particular, con un ritmo muchas veces lentos que va construyendo una atmósfera, y que a la vez se va degradando como lo hacen los personajes. Hay un cambio radical del Walter timorato que conocimos en el piloto al Walter de mitad de segunda temporada (que es, hasta el momento, lo que el cable me ha permitido avanzar con la serie) ya convertido en su alter-ego Heisenberg; y a su vez en el complicado proceso que sufre Jesee, de ser un vago cualquiera a interiorizar su proceso de maduración, al cual trata de imponerse a pesar de todas las desgracias que le sucede. Jesee debe ser el personaje televisivo al que más se ha vilipendiado, pero siempre ha sabido sobreponerse a todas las adversidades. Jesee es un desgraciado de fuerza mayor, un derrotado que siempre trata de ponerse de pie. Y las actuaciones siempre maximizan los fabulosos guiones de la serie. Bryan Cranston y Aaron Paul deben conformar, hoy por hoy, el mejor tandem de personajes de una serie dramática en la actualidad. A partir de su estratosférico cambio con su papel en "Malcom in the middle", Cranston ofrece el retrato perfecto de un hombre desolado, que sabe que morirá pronto y que está desesperado por cada intento suyo de asegurar un futuro para su familia. La oscuridad con la que evoluciona hacia Heisenberg va de la mano con la impotencia que le genera su cada vez más destrozada relación familiar. Esto es lo que le ha valido a Cranston 3 Emmys consecutivos, ni más ni menos. Pero debe también hacerse una mención al reciente ganador del Emmy en la categoría de mejor actor de reparto, Aaron Paul. Lo de él es increíble, otrogándonos un retrato de un joven semi-adicto que tiene todas las de perder pero busca la superación cada día. Pero lo que logra Jesse es poco a poco la redención, el poder encontrar la luz entre tanta sombra, destacar y ser amado. Por ello es que se hace énfasis en la relación de Jesee con su alejada familia, sus problemas con la autoridad, su propia imagen como organizador de "su negocio" y hasta esa extraña pero apasionante relación con Walter, una "figura paterna" algo singular. Jesee, a mi gusto, es el mejor personaje de Breaking Bad, dándonos innumerables matices. Pero bueno, esa discusión será para otro post junto con los defensores de Walter-Heisenberg. Que los dos son inmensos, eso claro está.

Por ello Breaking Bad es la serie que es. No solo por ofrecernos lo que los aburridos burgueses pueden llegar a hacer en situaciones límites, y tampoco por reflejar de manera fiel el mundo bajo de las drogas, sino porque es una serie que se compra su cuento y sin miedo alguno expresa hoenstamente lo que sus personajes, personas comunes y corrientes, harían en determinadas situaciones. Y claro, tal vez ninguno de nosotros reciba la noticia de un cáncer terminal y decida convertirse en un capo de la droga, y no todos nostros seremos adictos que buscaremos la forma de salir de ese mundo, pero sí nos toparemos en nuestras vidas con situaciones extremas, de diversa índole. Y en ese momento recordaremos dos cosas que esta serie destaca: que todos somos humanos y que está latente la posibilidad de cometer errores. Y lo otro es que una vez que elijamos de manera errónea, ya no hay marcha atrás. Ya estaremos condenados. Aunque claro, siempre hay una luz, como las que aún parecen tener Walter y Jesee, aunque lo dudo mucho. Al menos la serie aún no acaba y afortunadamente al parecer le quedan un par de temporadas. Pero lo más probable es que todo siga mal...o de mal en peor.

Inception: soñando en grande

2010-07-29T07:31:00.001-07:00

Christopher Nolan lo ha hecho de nuevo. Ha cogido una idea que deriva de lo más profundo del ser humano y le ha dado capas enigmáticas, atrapantes y perfectas de acción y suspenso, para así darnos otro torbellino cinematográfico que nos succiona y nos devuelve a la vida con otro pensamiento. Nos ha dado otro sueño perfecto. Se trata de "Inception" (El Origen en español), película que no podríamos resumir debido a lo compleja que es. En síntesis, se trata de un grupo de "ladrones de la mente", lideradas por Cobb (Leonardo DiCaprio), un hombre conflictuado que ve en un trabajo complicadísimo su vía para reencontrarse con sus hijos y así terminar de enterrar sus demonios. Este trabajo es lo que se conoce como "implantación", "originización" o "Inception".

De partida decir que por muchos avances tecnológicos que se presenten (ya sea durante el desarrollo de la película o en la elaboración del film mismo), Inception es una película típica del género Heist. Desde clásicos como Rififi o The Italian Job hasta versiones modernas como Heat o el Ocean's Eleven de Clooney y su pandilla, las películas Heist se caracterizan por contarnos el desarrollo de un grupo de ladrones (expertos o principiantes) y como evolucionan desde el momento de formar el grupo hasta el momento del atraco o robo, e incluso en las postrimerías del mismo. Así, la priemra parte del film cuenta como Cobb (the extractor) reúne a todo su equipo: the point man (Joseph Gordon Lewitt), the forger (Tom Hardy), the architect (Ellen Page), the chemist (Dileep Rao) y the tourist (Ken Watanabe), siendo este último el magnate japonés que los contrató para realizar la Inception. Este trabajo consiste, entonces, en insertar una idea en la mente del heredero Robert Fischer (Cillian Murphy) a través de los sueños. Y la performance de esta avezada misión es lo que toma la segunda parte del film, llegando a niveles de acción y emoción superlativos.

El suspenso juega mucho en la nueva cinta de Nolan. El hecho de tener que despertarse, de morir para "nacer" de nuevo, o de encontrar una "patada" para salir del sueño son situaciones que ponen a los personajes (y al espectador mismo) al límite, ya que se juega no sólo contra elr eloj, sino contra proyecciones de las mentes, que no son otras cosas que mecanismos de defensa del subconsicnete. Así, Nolan explica cómo els er humano lucha constantemente contra sus temores, odios y fantasmas personales. Esto es lo que le pasa, por ejemplo, al personaje de DiCaprio, quien libra una batalla para terminar de desprenderse del desgraciado recuerdo de su esposa Mal (Marion Cotillard). Las escanas de acción están muy bien realizadas, aunque tal vez Nolan no llega aún al Olimpo de Michael Mann (que ES el dios de las escenas de acción), pero no hay nadie como el buen Christopher para poner el encuadre ideal y darnos esa clae cinematográfica de cómo hacer que el espectador no se aburra en un film de casi 2 horas y media. Recursos técnicos como la fotografía y la dirección de arte están geniales. La música de Zimmer, una vez más, fascinante.

Los logros técnicos merecen un párrafo aparte. Sólo le toma a un visionario como Nolan lograr cosas que atrapen el ojo del espectador, con unmotivo justificado, y sean tan maravillosos como necesarios. Nolan toma esto de Kubrick, para quienes ya los comparan, y da todo de sí para la película, sin escatimar en gastos, desplegando una serie de recursos técnicos que llevan magia pura a la pantalla. Ya sea con el uso del CGI, como en el caso de el "desdoblamiento" de París; o mediante la implementación de recursos como un escenario giratorio para la mítica pelea por los pasillos del hotel que tiene al point man como protagonista, surcando los aires cual araña en una lucha de ensueño. Nolan debe tener maravillas en la mente para plantear un guión tan notable como el de Inception, pero más aun, para tener la genilaidad de llevarlo a la pantalla con tan parametrada precisión. Kubrick es Kubrick y, robando a Nietszche, está más allá del bien y el mal. Bueno, Nolan va rumbo a ese camino.

En el parámetro de las actuaciones, Nolan es lo suficientemente perfeccionista para no dejar estos detalles al azar. Y la virtud de Inception es que al final la película no temrina cayendo en su totalidad sobre los hombros del perosnaje de Leonardo DiCaprio. Leo cumple y en general es un buen actor, pero más que todo una estrella de cine, que con recursos limitados sabe bien aguantar a la cámara y un film entero. Tiene actuaciones notables como en The Aviator, o en Revolutionary Road (que creo que además de ser su mejor actuación, debió considerársele para los premios). Pero en esta cinta no pasa de actuar alla DiCaprio, con su cara de preocupado y traumado que deriva de su actuación como Howard Hughes, y que no disgusta pero a veces puede resultar cansina. La virtud de Nolan y el casting fue reunir a un grupod e carismáticos y buenos actores para hacer de la "gang" de DiCaprio y dalre dinamismo a la cinta. Ellen Page es tan encantadora como buena actriz; Tom Hardy resulta una sorpresa y ya le advertimos mayores roles en su futuro; Ken Watanabe es un actorazo (ver Cartas desde Iwo Jima) y compone un turista enigmático y simpático; Cillian Murphy tiene todo para ser el villanazo de esta parte de siglo en Hollywood; y sobre todo Joseph Gorodn Lewitt, quien reafirma su status de "pedazo de actor", y además compone las escenas de lucha por los pasillos del hotel, repito una vez más, lo más espectacular que podamos encontrar hoy por hoy en pantallas.

En resumen, Inception es una película notable, tanto en el apartado técnico como en el corazón del film (guión, actuaciones y dirección). Tal vez contiene un error, o un faiclismo a mi gusto, a la hora de explicar la "salida del limbo" (mejor no introducir estos temas en productos de ficción o tendrán un debate LOSTiano), pero en sí Inception es un film como no encontramos en la cartelera actual o de los últimos años. Estamos frente a la cinta más inteligente, atrapante, mágica y multisignificativa de los últimos años. Una cinta alla Kubirck. Nolan, sigue así, para mantener vivo tu sueño de llegar a ser como el viejo Stanley. Sabemos que quieres, yo sé que tú puedes.

Nota 19/20

Leaving LOST? No, MOVING ON¡¡¡

2010-06-02T08:55:00.000-07:00

Se fue, pero no para siempre. Hace exactamente una semana teníamos el impacto inicial, la tristeza matutina de saber que LOST había acabado. Para bien o para mal, aquella serie que ha marcado un hito en la cultura mundial, se marchó. Con un final controversial y un "cierre" de historias más que discutibles, LOST nos deja tras 6 años de magia, fidelidad, extrañeza y adicción. Se fue la isla misteriosa junto con esos, sus personajes, que hacían de nuestras vidas un lugar más interesante.

Ya en un post anterior (de los primeros de este intermitente blog) hablé de mi adicción por esta serie, por lo que estaría demás decir qué fue lo que me mantuvo pegado capítulo tras capítulo viendo la historia de un grupo de sobrevivientes en una isla mística. Creo que ahora, luego de 6 temporadas y muchas idas y venidas, LOST se ha despedido de una manera que personalemnte creo que fue la indicada, pues nos ofrece un final semi feliz. Todos en una especie de "limbo", reuniéndose y conectándose para ir, supuestamente, al cielo. LOST no podía tener un final feliz, ya que a lo largo de su curso (sobre todo en las últimas temporadas) nos dieron el mensaje de que todos los personajes era simples peones de una gran guerra: primero entre Ben Linus y Charles Widmore, y posteriormente, como se reveló, entre el bien y el mal, personificados en Jacob y su némesis, el Hombre de Negro. Pero tampoco LOST se merecía un final duro y desgarrador, como el d eThe Shield, cuyo lapidario final fue preciso con el tono de la serie y su decadencia. Pues LOST tenía de tragedia, y mucho, pero nunca alcanzó tal oscuridad como para acabar con todos muertos y sin ninguna esperanza. LOST acabó, incluso diría yo, de manera consecuente.

La serie acaba de manera consecuente porque eso es lo que nos prometió desde el primer día: Fe. Aquella fe que tuvo John Locke hasta su asesinato, aquella Fe que ganó Jack Shepard en las últimas temporadas, aquella Fe que Ben perdió pero finalmente Hurley se la devolvió al nombrarlo "consiglieri isleño", aquella Fe que, en el fondo, sabemos que tuvo Sawyer quien salió de la Isla luego de innumerables intentos fallidos; y finalmente aquella Fe que tuvimos nostros para mantenernos 6 años pegados a una serie que iba por caminos desconocidos, cambiaba de atmósfera cada temporada (de drama de aventuras, pasando por ciencia ficción, hasta la más pura fe) y que se enredaba tanto que parecía nunca tendría respuesta. Y la verdad es que no la tuvo. Pero eso debe ser la Fe: confiar en algo así no tenga explicación. Y así acabó, todos en el prgatorio esperando a las "personas que lo marcaron" para marchar juntos al paraíso. Idílica manera de morir, bonita, y que represneta la recompensa para cada uno de los sacrificados "losties". La recompensa para Jack, el cual (demostrado en genial montaje) camina hacia su muerte meintras observamos como logra su felicidad y (sobre todo) su tranquilidad en el más allá, con su (hasta ese entonces) alejado padre y su amada, la fiel Kate.

LOST nos dio tanto en 6 años, que sería imposible disponer de todo lo que nos deja en su recorrido por nuesrtras pantallas. Pero a la cabeza se nos viene lo más destacable. Creo que LOST nos deja una historia humana, de convivencia, y de supervivencia posteriomente. Nos deja la eterna lucha de "nosotros" contra "ellos", o en otras palabras, la inminente amenaza de "los otros". Siempre en nuestras vidas hay "otros", unos buenos, otros malos, otros ambiguos, pero todos temidos en un primer momento. LOST nos deja personajes mágicos, inolvidables. Jack Shepard y su contante terquedad, su ánimo por hacer bien las cosas, que al final deviene en fracaso. Pero un fracaso necesario para hundirse y empezar desde abajo, convertido en un "hombre de fe". Hugo "Hurley" Reyes, que en su simpleza nos demostró que es posible escribir un personaje maravilloso basándose en los verdaderos fieles: los espectadores. Y es que Hurley eramos todos nostros, con sus pregutnas, comentarios, precisiones, alegría, humanidad e impotencia. Sin miedo a demostrarnos, Hurley le daba ese aire mundano que necesitaba una serie mágica como LOST. Benjamin Linus, posiblemente el malo más entrañable de la televisión, redimido al final, pero en su historial con una lista de cosas perversas (desde parricido hasta secuestro de bebés). Aunque no por ello hemos de juzgarlo (de eso se encargó Smokey). james "Sawyer" Ford, aquel hijo de su madre del primer capítulo que solo se dedicaba a fumar, pelear y fastidiar, hasta velro convertido en el jefe de seguridad DHARMA, protegiendo a los suyos, siendo líder, amigo y, sobre todo, amante y enamorado de su Juliet, para luego de muerta esta, caer nuevamente al hoyo y tener la fortaleza de salir del mismo. Sawyer no volvió (y seguro nunca volverá) a ser el mismo luego de la partida de su "Blondie", pero nunca dejó esa marca que lo caracterizaba: era un sobreviviente, y al final, estafó a la vida misma para salir. Desmond Hume, o el "brotha", el personaje más reservado y querido de la serie. Tan místico al ser un tipo en una escotilla salvando al mundo cada 108 minutos y que ve el futuro, pero tan terrenal, tratando de salir de ese pedazo de tierra aislado para reencontrarse con su gran amor: Penny o la ansiada Penélope, si queremos hablar en términos giregos. Y está John Locke.

Locke es EL personaje de LOST y debe ser uno de los 5 personajes más grandes de esta primera década televisiva. Locke representa la esencia de LOST: Fe, esperanza, misticismo, impotencia, odio, rencor, reivindicación, curiosidad, valor, inteligencia, tristeza. Todo aquello caracterizó a Locke y a la serie (y seguro que a nostros también) en algún punto de sus recorridos. Locke movió los misterios más grandes de LOST por 4 temporadas, hasta ser asesinado en medio de la quinta. Requiere de "bolas" por parte de los escritores para matar al mejor personaje de tu serie a uan temporada y media de que se acabe. Claro, que no contábamos con que Locke se transformaría en el Hombre de Negro y lo seguiríamos steniendo en pantalla (para alegría de nostros) aunque con otra actitud, un Locke seguro de sí mismo y siendo tal vez el único malo-malo de toda la historia (ey, al menos Widmore quería a su hija). Que genial ver como un actor de la talla de Terry O'Quinn puede interpretar tres personajes en toda la historia: John Locke, Antijacob y el Locke Sideways.

Esto nos da pie a hablar de la última gran cosa que nos dio LOST: su técnica narrativa. LOST ha impulsado el uso adecuado de estos artilugios narrativos que vienen de siglos atrás, pero que nunca habían sido explotados de manera tan precisa por un medio audiovisual de esta época. Los Flashbacks en las primeras temporadas eran gloriosos porque se conectaban de manera especial con los acontecimientos "actuales" de la isla. Basta recordar a Locke y su impotencia golpeando la escotilla mientras recordábamos cómo su padre le robaba un riñón; o a Sayid, pasando de torturador en su pasado iraquí a torturado en la isla por Rosseau; o a Hurley, siendo marcado por los números malditos en ambos escenarios. Claro, todo hasta esa escena gloriosa que fue el final de la tercera temporada y EL cliffhanger de LOST: Jack y Kate no estaban en el pasado, sino que era el primer flashforward, con nuestros "losties" de vuelta a casa pero uno más destrozado que el otro. Los flashforward fueron una arriesgada técnica introducida a la mitad de la serie, pero ayudó poruqe permitió oxigenar más la historia isleña que desterraba una trama importantísima por 3 temporadas: los otros. Finalmente, se introducen los flashsideways en la última temporada, que no resultaron ser "vidas paralelas" o "alternativas", sino eran las vidas en el limbo, esperando a ser "conectados" para así recordar todo lo vivido y, en palabras de Cristian Shepard, "pasar al siguiente nivel" ("Not leaving, no...moving on").

LOST fue y seguirá siendo eso: un misterio. Muchas cosas fueorn dejadas al azar, otras sin responder, y otras cuyas respuestas requieren algo más que fe (una luz mágica, por ejemplo). Pero ese es el legado de esta serie, el ser distante y mística, pero a la vez tan terrenal, con personajes llenos de virtudes y muchos pecados que todos nostros podemos tener. Con la esperanza de que algún día nuestro avión se caiga y temrinemos en una isla desierta con muchso desconocidos llenos de problemas, con ese sueño, nos deja LOST. Puede ser muy criticada, así como ha sido ensalzada por muchos fan boys...pero eso tiene LOST, de ser una serie por la cual me enorgullece decir que soy un fan boy. LOST me ha dejado mucho, me ha permitido crecer y eso nos obliga a reflexionar por siempre de esta serie. "No, no era una serie", responderemos en el futuro, "es parte de mi vida", responderemos. Nostros nunca podremos abandonar aquella isla.

The Hurt Locker: entrando sin miedo

2010-03-14T21:10:00.000-07:00

The Hurt Locker fue la gran ganadora de la pasada edición de los premios Oscars. Oscar a Mejor Película, pero además a Mejor Director, o directora en este caso para Katherine Bigelow. Derrotando a la favorita Avatar, The Hurt Locker (o Zona de Miedo como se la conoce por estos lares) cuenta la historia de un escuadrón antibombas de 3 hombres que desafían a diario a la muerte para cumplir con las distintas misiones que les encomiendan y que van desde hombres-bombas hasta emboscadas en pleno desierto. Bueno, todo es un gran desierto, árido y desesperanzador para nuestros 3 protagonistas. El líder de este equipo es el Sargento William James (Jeremy Renner) quien luchará no sólo con los contratiempos generados por enemigos y amigos, sino que deberá analizar nuevamente su posición ante la guerra, vista a priori como desinteresada y hasta masoquista, pero muy compleja cuando se le analiza en el fondo. Sin duda el personaje de Renner es uno de los puntuales de la cinta.

El film de Bigelow está narrado mediante secuencias, una tras otra, pero no por ello se vuelve aburrido o artificial el relato que vemos en pantalla, sino que la tensión va en aumento al igual que observamos como nuestro trío protagonista estableciendo los lazos que los unen ahora al ser parte de un mismo equipo de la muerte. Cada episodio trae algo nuevo, lo que le quita esa impresión superficial de ser "la escena del suicida" o "la escena del colegio", sino que al final tomamos estos capítulos y lo podemos poner en un "todo" que tiene sentido y está absolutamente justificable. Al final de la cinta vemos a personajes que tal vez se mantienen en el lugar que comenzaron, mas no porque haya sido estático su tratamiento, sino porque el camino que siguen es tortuoso y no les deja otra salida que la resignación de por vida. Si algo extraemos de la cinta de Bigelow es que la veteranía de guerra es, al igual que una bomba, una amenaza latente y que en cualquier momento puede estallar. Y que como los explosivos, no deja el lugar donde se cultiva como lo encontró.

La desintegración de los soldados hace que The Hurt Locker sea una de esas películas que van más allá de lo que nos muestran. Y es que hay escenas de acción buenísimas (Michael Mann le puede dar tranquilo cualquier proyecto a Bigelow), pero a su vez la cinta se da espacio para narrarnos la pesadilla humana por la que pasan los soldados, como en las magníficas escenas en la que nuestro escuadrón se emborracha y terminan pegándose como jugando, o aquella en la que el Sargento James se enfrenta al supuesto cadáver-bomba de un niño que conoció en el campamento de guerra. Esas escenas tocan hondo y son gracias al nervio que es impartido por la directora, con igual proporción a las escenas de acción puras. El Oscar a Bigelow fue, sin dudas, merecidísimo. La valentía de esta mujer es equiparable con su talento para transmitirnos honestidad y nervio puro en pantalla. Si hya películas que tienen eso que llamamos garra, esta es una de esas cintas que dejan todo en la cancha.

Y ahora toca hablar de Jeremy Renner y su espléndida interpretación como el Sargento William James, este que es uno de los mejores personajes cinematográficos de esta temporada. Es descuidado, parece que su vida no le importa nada, es en el fondo un atrevido que no da ni dos centavos por los convencionalismos o las buenas posturas, así sean para proteger su propia vida. Pero esto no lo hace un sádico, sino que lo vuelve un hombre que conoce el riesgo, ha vivido con ello por mucho tiempo, y que está dispuesto a seguir allí, en el hueco, ayudando. Y no porque sea un altruista, sino porque no puede hacer otra cosa; o mejor dicho, no se haciendo otra cosa. Por ello es que la escenas del Sargento James en casa son desgarradoras, al comprobar que este individuo no es un soldado, sino es la pura representación de la guerra. James vuelve porque la guerra lo necesita, y él necesita de la guerra. El viaje de este personaje está tan bien delineado por los guionistas y la directora que nos comprometemos con él a pesar de aparentar ser solo un suicida rebeldón que abundan por ahí. Pero este soldado transpira integridad, coraje y mucho desenfado, siendo todo este coctel de emociones producto del fenomenal trabajo de esta sorpresa que es Jeremy Renner. Casi sin ningún título de importancia a cuestas, Renner se metió de lleno a la piel del protagonista y nos brinda un personaje desengañado con el sistema pero también consigo mismo, que ha perdido la fe y no puede recuperarla, por más que lo intente. Renner nos brinda una actuación de gestos, de rostro duro, pero también de complejidad psicológica sin caer en la exageración, con un naturalismo que nos hace cogernos el corazón ante la dureza de su experiencia y la desgarradora conclusión a la que arriva mientras carga a su bebé.

The Hurt Locker nos otorga buenas dosis de acción, una técnica exquisita tanto en la dirección como en otros apartados artísticos y sólidas actuaciones (Renner está sensacional, pero Anthony Mackie no se queda atrás) que hacen esta película muy apetecible al ojo comercial, pero que en el fondo de su armazón esconde y deslumbra con un análisis seco de la humanidad en su faceta más desgraciada: el entumecimiento emocional en épocas de guerra. Como el personaje de Renner, hay veces en las que uno sólo actúa, sin importar ya pensar o vivir. Ese drama es lo que tan bien nos transmite este film. Un justo ganador.

Nota: 18/20

El Secreto de sus ojos: mil pasados, ningún presente.

2010-02-02T20:02:00.000-08:00

Hoy recibí una de las mejores noticias de mi vida. "La Teta asustada", película que se ha vuelto un emblema de la cinematografía nacional, ha sido nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera. El sueño de todo cinemero (admitámoslo, todos, absolutamente todos queremos hacer algo tan grande que traspase fronteras y recibir reconocimiento por ello) se hace realidad a través de esta cinta. Pues bien, luego de tocar este orgullo nacional, vamos a nuestra película, que guarda estrecha relación. Porque si los peruanos estamos felices por esta nominación, los argentinos deben también alegrarse (aunque es algo más común en ellos) por "El Secreto de Sus Ojos", también nominada a Mejor Film extranjero. Y la competencia no puede ser más dura (y eso que ni siquiera hemos visto la de Haneke).

Esta película argentina es, a priori, una cinta de suspenso, pero que sabe mezclar drama, comedia y romance. Cuenta la búsqueda de la verdad por parte de un asistente judicial (Ricardo Darín) en un caso de violación-asesinato de una joven mujer en los años cuarenta, con una Argentina sumada en aquel negro agujero de la corrupción y la matonería. Pues el hecho de ambientar la historia en el mundo del sistema judicial público no hace otra cosa que darle amargura a las escenas y trasmitir la impotencia que muchas veces experimenta el personaje. Y el ambiente es uno de los puntos altos de la película. Una recreación fantástica de la época, apartados artísticos insuperables (dirección de arte, vestuario, fotografía) y un desarrollo que no omite tocar, como ya es costumbre, el desalentado y muchas veces cínico pensamiento argentino sobre su devenir.

La historia es clásica, vista muchas veces en el cine de Hollywood (justiciero impotente que va contra todos para sacar a la luz la verdad). Y es que Juan José Campanella, su director, es un amante de la línea narrativa clásica americana, y fiel aprendiz del film-making gringo (incluso ha dirigido álgunos capítulos de series americanas como House o 30 Rock). Pero no por ello la película deja de atraparnos, en gran parte por la ambientación ya mencionada, las actuaciones, y sobre todo, el hilo conductor del film: la contenida búsqueda del protagonista. Acá el peso recae en Ricardo Darín, quien nos da (una vez más) una clase maestra de actuación. Este señor es genial en lo que hace, basándo su método de actuación no en escenas grandilocuentes o explosiones continuadas, sino en una transformación hacia el personaje, para convertirse eventualmente en Espósito, el frustrado y terco asistente judicial. El rostro y los ojos (¿cuál será su secreto?) de Darín nos transmiten mucho y terminan por darle bases a un personaje que sostiene un film que por momentos puede tornarse predecible. Y como dijimos es una historia ya contada, con algunos lugares comunes, pero que finalmente es sostenido por el ambiente que genera Campanella y la calidad de los actores. Guillermo Franchella, ese eterno cómico de Revista argentina, está sencillamente genial y crea un personaje entrañable, preciso y que da la talla en las escenas con Darín.

A pesar de algunas partes predecibles y un final algo forzado (muy light tal vez), El Secreto de Sus Ojos es una destacable película, que roza la perfección técnica y grita nuevamente al mundo que Argentina tiene 2 monstruos en el ambiente cinematográfico (Campanella es un genial director clásico, y Darín, bueno, ya está de más decir algo). Pues que se siga haciendo ese tipo de cine en esta parte del mundo. La necesitamos.

Nota: 17/20

Avatar: mensaje con canchita

2010-01-05T20:34:00.000-08:00

Avatar es una película por la cual debemos estar agradecidos. En tiempos donde la calidad audiovisual está en la tele y las películas cada día se hacen más y más planas, siendo simples envases para el lucimiento de despampanantes efectos o fugaces estrellas con caras bonitas, la nueva película de James Cameron nos dice que todas estas cosas pueden tener un agregado. Y ese plus es lo que hace a Avatar destacable y, de alguna manera, despierta ilusión en el aficionado cinematográfico.

Y no sólo por los efectos, los cuales (hay que decirlo) están geniales. Tanta sensibilidad no podía despertar el close up de un personaje digital, y Cameron lo ha logrado. Pues hablamos del mismo tipo que hizo Terminator o Titanic, con lo que la espectacularidad y eficiencia de los efectos especiales está garantizada. Lo que en realidad hace magnífica a Avatar es su capacidad de transmitir un mensaje tan manoseado y gastado y darlo al público de las masas de una manera simple, pero a su vez efectiva. Porque Avatar termina siendo una película pop corn, con grandes efectos, espectaculares batallas en otros mundos, buenos muy buenos y malos malísimos. Pero dentro de todo este empaque de blockbuster (ey, la película costó una millonada, es obligación de Cameron recuperar algo de ese dinero) hay un mensaje, o varios de ellos, representados de manera sencilla para que sea digerido por los espectadores.

No, no es que el cinemero sea un idiota al cual hay que darle todo en la boca ya masticado, pero las películas encuentran su belleza y corazón cuando son capaces de transmitir de manera simple cosas que uno cree que están sobre entendidas, pero que en realidad escapan de la conciencia humana. Y es que todos sabemos que está mal depredar los bosques, que no es una buena actitud ser intolerantes con otras culturas, o que simplemente hay mejores formas de solucionar conflictos que disparar misiles a diestra y siniestra. Mas todas esas habladurías, todas esas conferencias de los poderosos, todas esas cumbres hipócritas y estùpidas que se dan a cada rato se ven minimizadas y ridiculizadas por el grandioso poder del cine y su capacidad para hacernos reflexioanr en cierto tema. Es cierto, a veces la película peca de plana y de inclinarse hacia lo polar de manera extrema. Pues esa bifurcación de esquina a esquina es lo que la hace más compatible al mensaje que se quiere transmitir. Porque Jack Sully o Grace son buenos buenazos, mientras que el maldito coronel Quaritch es un malo maloso, mas esta diferenciación sirve para graficar los propósitos del film: contar una historia con mensaje, pero nunca desapegándose de la forma del blockbuster. Porque, que no quede lugar a dudas, el principal propósito de este film es entretener y vender.

Claro, la grandeza del cine está en contarnos historias de dilemas y conflcitos a través de personajes grises, con matices en el alma. Pues esas son obras maestras, ese es "El Padrino" o "Buenos Muchachos" o "Casablanca". Esta es Avatar, y no le podemos exigir demasiado en tratamiento de personajes. Pero como historia cumple, entretiene y transmite pasión. No se trata de un gran guión ni de un muy elaborado esquema narrativo (tomemos como contraejemplo también el muy buen guión de la reciente Sector 9) en realidad, se trata de una historia bastante simple: chico con dudas tiene nueva oportunidad, conoce a chica y tribu, se encariña y se convierte en "uno de ellos". Historia clásica de Hollywood, pero que Cameron toma y la adpata a sus propósitos, tanto narrativos como morales como tecnológicos, y crea un buen prodcuto que, afortunadamente, no sólo se queda en la innovación de efectos.

Este debe ser el último gran aporte de Avatar, demostrarnos que los efectos en demasía (80% de la película son efectos puros) no quieren decir que el espectaodr se tendrá que tragar 2 horas de gráficos por computadoras. Nos demuestra Cameron que estos efectos pueden resultar exactos siempre y cuando se encuentren respaldados por una historia atrapante y que justifique el uso de las computadoras. Al final, el cine es eso, y se aprovecha de los avances que la ciencia permite. El cine, por sobre todo, debe contar una buena historia. Avatar lo es, y por eso uno se traga las 2 horas y media de gráficos sobre lo fantástico y desconocido. Y es que esos seres turquesas terminan teniendo corazón. Esa pasión que nos transmiten es lo que nos mantiene con vida, a ellos como personajes, y a nosotros como espectadores.

Nota: 17/20

Inglourious Basterds: Tarantino en la gloria

2009-10-17T14:10:00.000-07:00

Inglourious Basterds es una entrega más de la apasionada y frenética relación de ese loco llamado Quentin Tarantino con el cine y, eventualmente, con nosotros los espectadores que somos los que nos desvivimos por cada una de sus aventuras y cada uno de sus extraños personajes. En este film, Tarantino se atreve a tocar el tema de la guerra, metiéndose en las mentes de aquellos extraños y hasta locos hombres y mujeres que le dieron cuerda. El universo de Tarantino es ese: extremo, violento, desequilibrado, irreverente y apasionado. Porque si muchas cosas le podemos criticar a este loco, una le tenemos que reconocer: se banca lo que hace, y lo hace con un amor inconmesurable. Y el tipo sabe hacer cine, y de qué manera.

Cada loco con su tema. Las películas de Tarantino tienen su sello, por el cual las identificamos y las clasificamos como un engendro bendito que nos regala ese hombre con la cabeza más friki del mundo. Los perdedores y los antihéroes que buscan algo, y que en el camino se pierden, se distraen, se enfrentan a otros locos, para al final encontrarse con un destino no hermoso, pero merecido. La muerte muchas veces, la amarga venganza en otras, la vida mundana que sigue su curso para los descorazonados. Tarantino debe ser la mejor licuadora de la cocina cinematográfica que se nos presenta en la actualidad. Y es que el hombre coge de acá y de allá, del spaghetti western, del blaxplotation, del cine negro, del cine de gangsters, del romance y de la comedia absurda que hemos visto desde que amamos el cine. Y porque el buen Quentin es un amante empedernido del cine. Y de la cultura. Porque tiene eso que tienen las gallinas para salirse del cuadro y poner escenas de comic en sus películas, y diablos que esas escenas le agregan dramatismo a la narración. Porque los tiene también para agarrar a actores en decadencia (alguien dijo Travolta o Pam Grier) y devolverlos a la palestra con actuaciones de antología. Porque sabe crear tensión y juntarla con música hipnotizante sin miedo alguno, rozando los límites de personalismo que idiotece a algunos directores pero que a él lo hacen grande. Porque tiene la desfachatez y el desenfado de conmovernos con villanos tan malos como idiotas, tan normales como para comerse una hamburguesa con queso como torpes para sobrevivir entre ellos. Todos los innumerables rasgos de aquellas películas se repiten, no sólo en su cine, sino en toda la larga historia del cine mundial. Pero no aburre. Los pone precisos, les da nuevas dimensiones y, de su mente centellante, salen a la pantalla para encandilarnos con sus historias. No es que sería nulo el cine de Tarantino sin esos personajes, pero que duda cabe que son la crema de la torta que siempre nos regala, y que tipo de personajes. Cada frase, cada gesto, cada bala o cada irreverencia que sueltan queda impregnada en la conciencia del cinemero moderno. Y si eso no es hacer buen cine, ¿de qué diablos estamos hablando entonces?

Bastardos sin gloria es notable. Es un relato...no, no es un relato, en realidad es un collage de personajes que rozan la caricatura, pero que nos demuestran un corazón enorme para afrontar sus dilemas y travesías. Porque nos importa cada uno de ellos. Y esto porque vemos entrega en el papel, y en la realidad. Porque Tarantino escribió un personaje como el teniente Aldo Raines para que juegue al irreverente, sarcástico, pero feroz jefe de los Bastardos. Porque Brad Pitt demostró hace tiempo que no es una estrellita màs del sistema y que, si bien no es Brando o Pacino, el hombre se banca su cara bonita y se entrega al rol de cabo a rabo. Y no le importa hacer de personaje de cartón a veces, o de idiotizar la imagen del militar líder, o de simplemente hacer el ridículo en aras de acrecentar su personaje. Su acento y sus constantes gestos faciales así lo demuestran. Y porque esa escena en la que Pitt balbucea italiano debe ser de las más cómicas que Tarantino ha escrito. Por el drama interno y la venganza cotenida y entendible de Shoshana, por la prepotencia y consecutiva culpa de Zoller, por la seductiva Bridget von Hammersmark (hermosa y enigmática Diane Kruger) por la parquedad inquietante de Hugo Stiglitz, por las patéticas pero precisas caracterizaciones de Hitler y Goebbles, y por el Coronel Hans Landa.

Nunca pensé amar así a un Nazi hijo de su madre. Pero cuando un personaje está tan bien escrito y actuado, uno no tiene otra opción que someterse a su encantadora maldad. Lecter ya nos avisaba en los 90s y en este nuevo siglo Bardem en "No country for old men" y el Joker de Ledger ya nos lo ratifican: los malos son los nuevos reyes de la pantalla. En realidad siempre el malo ha sido el personaje que, si está bien hecho, se robará la película. Y el Hans Landa que crean en conjunto Tarantino y esa joya descubierta que es Cristopher Waltz (ganador del premio a mejor actor del Festival de Cannes) se temrina robando la película. Frío, metódico, asesino cerebral, elegante, encantador, seductor, preciso, inteligente, astuto, malvado, obsesivo, convenido y traidor. Landa es la quintaescencia del malo malìsimo. Porque al final vela por su propio bienestar. porque ni siquiera parece que lo mueven sus convicciones, sino que hace lo que mejor sabe hacer porque simplemente hay un sadismo secreto en él que lo motiva. Landa caza judíos por deporte (le dicen The JewHunter) y se encarga de preparar el "ambiente" antes de aniquilar a sus víctimas. La primera escena, de largos pero entendibles 20 minutos es de una genialidad y una maldad brutal. Y hasta en la escena del "Bingo" està tan genial porque nos demuestra que previo a la traición toda persona es patética. Esas escenas donde Landa trata de demostrarnos su superioridad intelectual y esa bondad falsa e hipócrita son de colección. Veremos que le depara a Waltz y sin duda este maléfico pero entrañable coronel(que curioso que suena este tándem) queda ya en la vidriera de los mejores villanos de Tarantino (con el Bill de Carradine y el Samuel L. Jackson de "Jackie Brown").

A muchos no les ha apetecido esta película. Yo la he disfrutado al máximo. Y Tarantino debe ser de los pocos (tal vez el único) que me hace salir del cine pensando que una obra maestra no tiene que ser solemne necesariamente y que puede entrener, hacerte reir y hacerte llorar. tarantino es eso: sentimientos a flor de piel. Las balas de los Bastardos, o de Travolta y Jackson, o de los "coloridos" Perros de Reserva son mensajes al corazón que nos lanza Tarantino, en el que nos advierte de la caída de los viejos valores que supuestamente mueven al mundo y nos abre las puertas de la irreverencia, el falso honor, la fraternidad interesada, la estupidez criminal, la lealtad hipotecada, la venganza furibunda y la obsesión por querer salir de un mundo sin el cual no podríamos vivir. Pero lo que al final nos abre la puerta es a su genial y tal vez enferma cabeza. El que quiere que entre y la vea. Al menos yo siempre lo iré a ver. Porque en la desfachatez está el gusto.

Nota: 18 / 20

Tarata: una explosión en la frialdad de Lima

2009-09-26T18:37:00.000-07:00

Tarata me pareciò una pelìcula muy rara. No recuerdo un sólo momento genial en la hora y media de metraje, pero no me parece una mala película; odie literalmente a un puñado de personajes, pero uno que otro me pareció interesante; siento que se desaprovechó ciertas partes de la historia, pero que a la vez se omitieron (afortunadamente) algunas otras; siento que al final se trata de una película correcta, pero fría en exceso y en ocasiones muy descolorida.

Y bueno, la historia lo amerita. A grandes rasgos, Tarata cuenta la historia de los 4 miembros de una familia limeña de clase media que, en pleno auge de ataque terrorista en Lima, se ven sacudidos por la explosión de un cochebomba en pleno centro de Miraflores. Bueno, esa es la premisa, porque lo que Tarata cuenta en realidad es la descomposición de la estructura familiar en los noventas, situación que se inició en la década anterior y alcanza puntos inimaginables en pleno siglo 21. La familia como institución fuerte ha desaparecido. El miedo y la angustia que originó (¿origina?) Sendero se refleja en la atosigante situación que a la cual ha llegado la familia Valdivia: un padre timorato y alejado de los problemas diarios en casa, una madre más preocupada en sus negocios que en la buena crianza de sus hijos, una niña-adolescente resentida y con toda la carga antisocial de la edad y finalmente el niño, mucho màs inteligente y avispado que los otros miembros, aunque algo traumadito y llegando a los peligrosos límites de los famosos "chikiviejos" del cine. La historia toma como excusa al atentado de Tarata, el cual sólo toma alrededor de 5 minutos en el recorrido del film. Son 5 minutos de muy buen cine, pero insuficiente. Y decimos ello porque creo que Fabrizio Aguilar no quiso tomar provecho de la angustia generada por el atentado. En realidad, aquellos espectadores que vayan a ver la película esperando ver 2 horas de explosiones y gritos desesperadosa saldrán decepcionados. Hace bien Aguilar en no llenar la pantalla de escenas efectistas, mas desaprovecha una gran oportunidad de mostrarnos todo el terror reflejado en la pequeña familia protagonista. Así, corta de manera atolondrada al día del entierro de la amiga de la protagonista. La llegada a casa de la madre para atender al niño y el posterior arrivo del padre para consolar a su hija debe ser la mejor escena de la película.

Otro de los momentos desaprovechados son los de la toma de las aulas por parte de Sendero. Para alguien que ha tenido la suerte de no pasar por esos momentos, despierta un gran interés en ver como hubieran sido reflejados estos momentos de libertad de expresión para unos y de represión para otros. Tomarse el riesgo de habernos mostrado estas reuniones improvisadas hubiera ayudado a no plastificar tanto la figura del terrorista-universitario y darle algo más que el título de terruco amargado (en Paloma de Papel, anterior película de Aguilar, se destaca el buen trato para con los personajes de terroristas). Y está la fiesta, lo que pudo ser un momento terrible que demostrara la frivolidad e hipocresía limeña se convierte en una escena cliché con pelea madre-hija de por medio. Y aquí entramos a otor gran problema de la película como lo es los típicos momentos clásicos, o los clichés, como el de la hija, personaje de niñita engreída y peleada con el mundo, que llega a hastiar y a ser un personaje no inservible (al fin y al cabo es causante del acto que marca el desenlace de la película) pero sí terriblemente insoportable. El niño es un chikiviejo cuyas paranoias son entendibles, pero cansinas, ya que toda la película pasa recitando consejos francamente idiotas. Son los padres los que de alguna forma salvan la película. Fuera de lo que muchos pensamos, Gisela Valcárcel hace una actuación decente. Y entendemos porqué Aguilar la esocgió: no sólo como una clara estrategia de marketing (eventualmente, la diva peruana debutaba en pantalla grande), sino que su personaje de madre bruja y desquisiada se presta para que la "señito" llene la pantalla de todo su histrionismo. Afortunadamente, Aguilar la controla y logra controlar sus arrebatos y finalmente logra este efecto raro de hacer que nostros los expectadores odiemos y sintamos pena por un mismo personaje. Pero es Miguel Iza quien está inmenso en esta película, demostrándonos que es uno de los mejores actores nacionales en la actualidad. Y esto lo demuestra con su variedad de registro, ya que a inicios de este año nos deslumbró en la obra "El Método Gronholm" en donde hacía de un personaje antónimo, patán, arrogante empedernido y odiable empresario. En esta película, Iza se destaca por sus rasgos tristes, perfil desencantado, ritmo bajo y lento, desengañado y sumiso, olvidado y a la vez curioso, demasiado curioso, con respecto a las pintas de Sendero y todo el misterio que denotan. Iza trabaja con su voz y con su cuerpo, y nos muestra un desencantado y desencajado personaje cuyo rostro en las últimas escenas de la película reslatan el tono de toda la película y de toda una década. El subplot de Iza es motor de la película, mientras que el personaje de Gisela despega un poco a partir del atentado.

Pero nada más. Tarata es una película correcta y nos demuestra que Aguilar tiene mucho, mucho oficio. Pero que tiene potencial para desarrollar y entregarnos historias apasionantes y llenas de calidez y coraje como en Paloma de Papel. Aunque Tarata cierra este díptico del terrorismo peruano, su tratamiento frío y distante es tal vez una muetsra de o que el director trató de que los espectadores pensemos. Mientras que en el interior (Paloma de Papel) se vivió la lucha interna a todo dar, con debates de palabra y pólvora que arruinaban la paz serrana y niños corrompidos por la imposición nublda de jóvenes seudolíderes y una doctrina obsoleta y absurdamente fantasiosa, acá en Lima, la lejana y ensañzada Lima, se vivía todo esto de manera diferente, distante, vista como si fuera en otro país, en otra región, en un Wonderland a millones de kilómetros de distancia. Nada más falso y tan presente como aquella bomba que asotó a toda la ciudad. No es hasta que el ruido llega a romperte los tímpanos y las ondas rompen los cristales de tu casa que el terror se apodera de ti y termina por resquebrajar lo que uno considera vida. Porque la vida de los Valdivia ya estaba rota. A partir de lo que pasa al final, parece que vuelven a nacer. Parece que las consecuencias sirven para eso: darse un fuerte abrazo y tratar de sobrevivir. Aunque sea una lucha sin sentido y que sólo podrá llega r auna victoria pírrica, a pesar de ello, eso es lo que mantiene la esperanza de la familia y del país, tanto del que está afuera como al otro lado de la celda.

Nota: 14/20

Public Enemies: lo que pudo ser y no fue

2009-08-14T07:52:00.000-07:00

Michael Mann es uno de mis directores favoritos. Dentro de la terrible crisis creativa y de talento que se vive en el mainstream actual, Mann ha sabido construir una carrera una línea marcada de historias y un estilo visual inconfundible. Y Mann ha dirigido a finales de la década pasada una de las mejores películas de los últimos tiempos: The Insider o El Informante, angustiante película sobre un soplón que despedido por una emrpesa tabacalera decide ir al reconocido programa americano 60 minutos para contar toda la verdad (aunque ya conocida por casi todo el mundo) del cigarro y cómo es manejado los niveles de adicción por los burócratas y corporativos. Pero además The Insider observa de cerca el tema del periodismo e incluso coquetea con lo legal. Una película completa, con una fotografía y un guión de otro planeta, definiendo el estilo de su director. Y muy aparte de la gran actuación de Russel Crowe y de tal vez una de las últimas inspiraciones furibundas de Pacino, el gran mérito de Mann está en darnos una película a su manera, fiel a sí mismo, y darnos 2 horas de calidad y gran tensión sin un sólo disparo. Una genialidad. Por ello es que cuando salió la noticia de que Mann preparaba una película sobre gangsters, a la antigua, inspirados en aquellos bandidos de los cuales robaban muchas cosas Cagney o Bogart, bueno, unom tenía material para ilusionarse. El día del estreno llegó y uno se encuentra con emociones encontradas.

Y es que Public Enemies no es una mala película. En realidad, y casi como toda película de época, la ambientación, vestuario y decoración son impecables. Y la historia es definitivamente cautivante: un joven y apuesto ladrón que viste bien y que con la mirada y algunas palabras conquista a las más bellas mujeres se dedica a robar bancos, la plata de los poderosos, siendo para él impensable robar a pobres o secuestrar, ya que ello es su "gancho" para esconderse entre la gente. Dillinger se consideraba una figura pública (más que un enemigo), una estrella que vestía cool y que sabía ganarse el aprecio de prensa y del desesperanzado público americano (vale recordar que vivimos en el contexto de la gran depresión). Y la película trascurre, Depp pone su cara seria pero todavía conserva algunos rasgos a lo Brando; Bale pone su cara aun más seria y una pose de guerrero implacable para gritar cuando no está disparando; Cotillard es encantadora y, bueno, hace el papel de la chica de la película. Y hay balaceras, hay elaboraciones de algún plan de captura, hay ejecuciones, hay fugas y todo lo que nos fue prometido. Y Mann lo hace con gran maestría. Mann es un técnico, un artista en su máximo nivel que siempre nos sorprende con algunas tomas, dejando espacio claro a las tomas bellas e impresionantes que acostumbra. Pero se siente que hay algo que falta. Parece como si fuera un bello, hermoso cofre, pero sin contenido, o con una que otra joya, pero sin pulir. Creo que esta ausencia de "jugo" responde a las expectativas que generó la película.

Claro, Si The Dark Knight hubiera sido hasta un poquito menos impresionante, sería uno de los mayores fracasos de el año pasado. Pero no. TDK resistió el hype y lo superó. Como Ledger, TDK superó las expectativas y nos impresionó con una demostración de clase y entrega para ser una película de superhéroes y de reflexión a la misma vez. tan descorazonada como impresionante en apariencia y en contenido. Pero a Enemies le falta esa aura mágica y legendaria que tiene toda película de mafiosos. Esos perdedores que escalan desde lo más bajo de las ciudades y llegan a la cima, o supuestamente lo que es la cima para ellos (léase dinero, poder y mujeres, como decía el gran Tony Montana). Y generalmente la ambición mata a estos seres odiados por policías pero queridos por el público (tanto el de la película como nosotros, lo espectadores, que amamos los antihéroes). Y si bien es cierto Mann hace énfasis en la tragedia contenida de Dillinger, un ser que le encanta estar en el ojo público pero que poco a poco el FBI lo empeiza a cerrar hasta encerrar a su amada, el público no llega a entregarse totalmente a la historia de Dillinger, creo que no llega a haber un momento de angustia en que nosotros luchemos por él. Dillinger es inteligente, apuesto y vamos que todos sentimos atracción por algún tipo como Robin Hood, pero esto no basta. No basta marcar a un personaje de tales características. Es como la historia de la película, delineada como gangsters contra FBI en la "Época de oro del crimen en Norteamérica", pero delinear y delimitar los rasgos de la película y moldear a un personaje toma más que desperdigar características que a priori son atractivas. Para trabajar y darle alma a un personaje tieens que hacerlo vivir, ponerlo en aprietos y trabajar lo que supuestamente lo distingue. Es hacer que se entregue y de esta manera hacer que sintamos compasión por él o que nos sintamos comprometidos por su causa. Dillinger abría bóvedas y escapa de cárceles sin causarnos mayor compromiso. Creo que el compromiso del espectador con el personaje es clave. Sino, que lo diga Michael Corleone, el hijo de su madre más querido por todos. El diablo en persona, Pacino-Corleone era tan entrañable como diabólico. Para no ir tan atrás, me parece que más profundos e impactantes resultan Hanks y Newman (Que grande Paul) en "Camino a la Perdición", que es un ejemplo de cómo una supuesta "película de gangsters" trata en realidad de relaciones complejas, de la familia y de el falso compromiso criminal y la traición. Eso es la clave, de que una película sea de tal temática pero que eventualmente nos ofrezca mucho más, un estudio o análisis de algo que va más allá de lo que a simple vista aparenta. Eso hace gran al Padrino, a Buenos Muchachos o a Camino a la Perdición. Pero Public Enemies es una película de bandidos contra agentes, y se queda ahí. No ofrece menos (es Michael Mann al fin y al cabo), pero no ofrece más, no ofrece lo que pudo ser. Que diferencia con The Insider, una genialidad que tenía tantos planos por analizar, personajes compormetedores y que lo dejaba pensando a uno horas sobre lo presentaod en pantalla. Y todo con una técnica y clase magistral. Eso es Michael Mann, y esperemos que algún día regrese con todas su luces. Claro que dentro de la paupérrima cartelera mundial, sea bienvenida la grandísima técnica de Mann.

Nota: 16/20

PD: A partir del debate generado, me parece que esta vez Mann no acierta con la cámara digital. No va con el estilo clásico de este tipo de películas. Lo clásico, clásico se ve mejor. Y una pequeña invocación: que ya pare con la "camarita epiléptica" que nos quiere dar la impresión de realismo.

Arrested Development: locura y risas tras las rejas.

2009-07-16T08:59:00.000-07:00

Es categórico decir que algo es lo mejor en cierta categoría. Y mucho menos sin haber visto muchas perlas que forman una selección de lujo. En el caso de las comedias americanas de televisión, no podría hacer un análisis globar sin haber visto desde clásicos como Happy Days hasta vacas sagradas de hoy en día como 30 Rock. Pero no tendría ningún temor en decir que, luego de haber visto sus 53 capítulos, Arrested Development (2003-2006) es tal vez la máxima expresión de un programa cómico que alguna vez haya visto o vea en la "caja chica". La premisa del show es la siguiente: Michael Bluth, un hombre viudo, con un hijo adolescente a cuestas, trata de destacar en la vida siempre teniendo ese perenne deseo de hacerlo bajo el aura de la moral y las buenas costumbres, trata de ser bueno por él mismo y por darle a su hijo un buen ejemplo, pero se ve involucrado en u dilema al tener que quedarse con su familia luego de que ellos lo rechazaron e incluso no le dieron el puesto que soñaba en la compañía familiar. ¿Y por qué se queda con ellos? pues su padre, George Sr, ha sido encarcelado por crímenes que van desde fraude hasta traición, por lo que Michael tendrá que tomar no sóo las riendas de la compañía, sino que se encargará de representar esa figura paterna que controle a su más que alocada familia. Y es que su familia debe ser de las más rayadas de la tele, tanto así que dejan la vara muy alta para lo que considerar una familia disfuncional: tenemos al tía patán y prepotente que cree que ser un mago fracasado es tener un trabajo estable; tenemos a la tía frívola y superficial, imposible de pensar en otra persona que no sea ella misma; tenemos al esposo de ésta, un doctor sin licencia que intenta ser actor y que constantemente lanza comentarios algo desafortunados que nos hacen dudar sobre su sexualidad (de más está decir que durante las 3 temporadas de la serie su matrimonio pende de un hilo); está el hermano menor, el bebé, que es un treintón con un complejo de Edipo tremendo y que vivie con su mamá en la casa de la familia; tenemos a la mamá, claro está, la matriarca de la familia, que no es otra que una tía más superficial aún que su hija, manipuladora y obsesiva, que siempre tiene una copa de martini en la mano; están los chicos, los "niños", uno (el hijo del protagonista), un chibolo timorato y algo antisocial que guarda un "crush" profundo por su prima, y esta, una chica autosuficiente y, dentro de los estándares de esa familia, la más sensata del grupo; y finalmente el patriarca, el hombre que con su encierro hace despegar la comedia, George Sr, un tía grandulón y pelado que sólo quiere su beneficio personal y aumentar sus arcas, así sea bajo sacrificando a su propia familia. Todo eso parece la descripción de un dramón de aquellos o de una película de terror, pero no es otra cosa que Arrested Development.

Esta serie tiene primero la virtud de hacer reir. Eso es lo primero que le exigimos a las comedias: risas. Y llega a ellas mediante las fórmulas ya conocidas como los chistes corporales, los "recurring jokes", los chistes sexuales o los personajes alocados. Eso casi siempre da resutlado. Pero donde se crece AD es en el chiste que está oculto, en el subtexto, en aquello por lo que tenemos que procurar ser bastante cuidadosos, detallistas para poder captarlo. Hay que repetir escenas para captar toda la riqueza de los personajes, estar atentos a lo que nos brindan los diálogos o simplemente entender la genialidad de los innumerables innuendos de ciertos personajes. Y todo esto acompañado de una narración fluida, de la mano de un Ron Howard que nos cae un poco mejor por hacer de un narrador tan preciso y gracioso como mordaz y sarcástico. Howard brinda la voz y la entonación perfecta al momento de determinada situación, convirtiéndose en el décimo personaje de esta hilarante comedia. Y claro, los personajes de AD son irrepetibles y extraordinarios. Cada uno de los actores son un descubrimiento para el medio y nos brindan todo su talento para partirnos de risa en cada escena. Will Arnett construye a GOB (George Oscar Bluth xD) como un tarado de aquellos, inaguantable e irritante, pero la maestría está en a la vez transformarlo en un personaje entrañable, por el cual no sabemos si sentimos simpatía o pena. GOB y sus fallidos intentos por hacer algún truco (ilusión¡¡¡), con su baile del pollo o su repelente muñeco ventrílocuo Frnaklin, no hace más que destruirnos de risa y pena, porque ya ver a Arnett con su cara de atorrante despiadado, pero que en el fondo sabemos que sólo es un tonto sin idea de cómo empatizar con la gente, es ya un signo de comedia impagable (sino vean 30 Rock donde es aprovechado como el rival de Baldwin). Tenemos también a Tobias, el cuñado, un hombre frustrado, perdedor, que ofrece un recurring joke genial como es el de sus comentarios que se prestan a creer que tiene tendencias homosexuales. En fin, para algunos es, para otros no, pero Tobias, siendo tal vez el personajes más gracioso y ridículo d la serie, es creado enteramente por el timing y la sutil performance de David Cross, que junto a Arnett son los mejores payasos que todo show pueda pedir. Los otros personajes son geniales a su vez. Jessica Wlater como Lucille está genial al crear la imagen de una madre perversa y fría, siendo ella la razón de tanta rareza en la familia Bluth. Jeffrey Tambor hace que un malvado como George Sr tenga momentos hilarantes, pero es como Oscar Bluth (su hermano gemelo) que verdaderamente se sale. Justamente uno de los mejores chistes de AD, desarrollado en cantidad en la 2 temporada, es cuando se insinúa que Oscar es el verdadero padre de uno de los hijos Bluth, poniendo una música de fondo tierna y Tambor cambiando a un semblante paternal-bobalicón. Chistes como esos son lo que hicieron grande a AD. Palmas finales para Portia de Rossi que hace que Lindsay, un personaje que se pudo quedar como "la chica bonita" del show o la rubia frívola tradicional, vaya más allá, siendo tan loca como los demás, y jugando con ese contraste entre su sensualidad y su ineficiencia a la hora de cazar hombres. Portia tiene una vena genial para la comedia, así como Tony Hale y ese Buster Bluth que es un hito para la comedia. Un personaje tan tonto, hijito de mamá por donde lo veas, pero que puede ser aveces tan profundo y que con sus reacciones desmedidas nos hacía reir cada vez que las situaciones pululaban por él o su garfio-mano de la última temporada. Los chibolos son tal vez los personajes menos hilarantes, pero no por ello menos interesantes. George Michael (Michael Cera) es el personaje "más normal" de toda la serie y tiene reacciones que nos hacen identificarnos con él en más de una ocasión. Y Maeby, la chica independiente de la familia, podría tener su Spin-off ya.

Al final dejamos a Michael Bluth, interpretado por ese monstruo que es Jason Bateman. A diferencia de Carrel o Baldwin, Bateman no tiene que poner cara de estreñido o de angustiaod para hacernos reir. La virtud de este actor (y de los guionistas claro) está en hacer de Michael un personaje real, bien downtoearth que sólo es el tipo promedio de persona que quiere vivir tranquilo sin hacerle daño a nadie, y que en una de esas decisiones éticas que destrozan tu vida, decide hacerse cargo de su familia. Bateman hace de Michael un ser que mira con extrañeza todas las locuras de su familia, pero que temrina acostumbrándose o entendiendo a todos, porque supuestamente, "la familia viene primero". Bateman es otro tipo de comediante, que con su sencillez de gestos y sus reacciones moderadas no sólo construye a un personaje interesantísimo, sino que se convierte, siendo el menos loco de todos, en el alma del show. Y finalmente, la gracia de Bateman está en poco a poco derrumbar el mito de Michael y mostrarlo como un Bluth al fin y al cabo, con sus ticks y frekeadas, siendo ese hombre mandón, egocéntrico y super estresado que en verdad es. Michael crece conforme pasa el programa y aprende de su familia, en una lección que nos deja a todos. Eso es finalmente lo que hace extraordinaria a AD, que no sólo nos parte de la risa sino que nos deja esa reflexión profunda sobre los lazos familiares, sobre el tomar responsabilidades, retos, y transformar la lucha diaria en el trabajo o con tu familia en una forma de vida que no tengas que resisitir, sino que tengas que conocerla bien y adaptarte a ella. AD es genial porque bajo la imagen de una comedia de una familia extremadamente chiflada nos da una mordaz crítica a los valores supuestamente institucionalizados de la familia americana. AD es la desmitificación de la institución familiar y la pone como un grupo de chiflados obligados a vivir juntos y aguantarse, pero que nos dice que aún así, en esas circunstancias, en esos escombros morales de convivencia que nos puede tocar, siempre habrá alguien que nos una y que nos enseñe, así sea por enésima vez, el verdadero concepto de familia y de hogar. Claro que si ellos fueran mi familia, hace rato hubiera matado a alguien para que me enviaran a la cana.

Oasis en Lima

2009-05-01T10:08:00.000-07:00

Hay situaciones en la vida en las que un hoyo profundo nace en tu alma y se extiende por tu cuerpo, donde las letras de una vida dan pie a la añoranza, pero tambièn al olvido. La depuración de toda una vida, la alegría de saber que tus memorias no sólo quedan en ti, sino que se ven reflejadas ante tus ojos, con colores y estruendos, con saltos y con gritos, las puertas del sueño de lo que uno creyó nunca vivir, se abren de par en par hacia lo que una vez fue grabación y esperanza, a lo que es realidad y vida, la felicidad de haberlos visto y llorar y emocionarse sin ningún parámetro, sin ninguna distancia física, sin ningún hueco emocional en ti. La emoción de gritar a viva voz y dejar, por fin, muchas cosas atrás. Gracias por los himnos, por las estrofas de juventud, por la viva voz del desamor y por el antídoto a la frustración. Porque eso fue y es Oasis, la cura de todos los males, la catarsis universal, el recuerdo hecho derrota, dejando liso el camino para un futuro de victoria. Con Oasis caímos, pero ellos nos levantaron. Cada uno de los que vibramos ayer, al menos por un par de horas, nos fuimos al cielo supersónico del sueño y la vida eterna. Porque todos, todos podemos quedar perennizados en un ritmo, en un acorde, en una letra o una línea, en una estrofa perfecta, un trozo de canción y de vida. Gracias Oasis.

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Frost/Nixon: la eternidad del fracaso y del éxito

2009-03-12T15:33:00.000-07:00

Richard M. Nixon debe ser uno de los personajes más suculentos para las creativa mentes que a partir de datos verídicos inventan sucesos que nos invitan siempre a pensar en lo que pudo ser y no fue, siempre llevados por la exageración y cierto aire al (pre)juicio. Desde ser interpretado por el gran Anthony Hopkins hasta ser una pieza importante en el mundo de la novela gráfica Watchmen, Nixon ha estado ahí, con sus lamentos y terquedades, siendo siemrpe el blanco favorito de todos para realizar juzgamientos (más que merecidos), pero a su vez como una suerte de monumento viejo a la constante expiación americana. En esta ocasión, Ron Howard toma la obra de Peter Morgan (autor de La Reina) y la adapta al cine teniendo siempre como protagonistas a Michael Sheen (en el papel de Frost) y a Frank Langhella (como Nixon). Y los resultados son sopresivos, gratificantes y contundentes.

Basado en las famosas entrevistas que dio Richard Nixon (ya como expresidente) al host de talk shows británico David Frost, la película (siempre recalcando basada en la obra de Morgan) narra los periplos por el que el carismático y hasta autosuficiente "performer" (así lo conocían por ese entonces) pasa para arreglar una entrevista con el hombre más vilipendiado de esos tiempos: el expresidente Nixon. Es así que Frost ve en Nixon, en primer lugar, una fruta seca y vieja, pero a la cual todavía le queda algo para sacar, a la que todavía no se le ha exprimido todo el jugo que conforma sus acciones ilegales sobre Watergate y su vida post exilio. Pero conforme avanzan los fallidos intentos de Frost, este va tornando su deseo en ambición, en un reto. Esta es la palabra que puede enmarcar la película: reto, confrontación, desafío (como se subtitula el film en Latinoamerica). Para Frost, la meta es llegar donde el "distante e intimidante" Richard Nixon, mientras que para este el reto está en nunca desmoronarse (al menos frente a cámaras) y seguir aparentando, sin derramar alguna gota de lamento o culpa, que todo lo que hizo fue por el "bien del país" y que fueron meros errores de juzgamiento y no con intención, delitos para ser más específicos. Cualquier parecido con la bellaca hipocresía de ciertos políticos procesados es pura coincidencia.

Pues lo que nos dan Morgan y Howard en casi 2 horas de metraje es un duelo a capa y espada entre dos caballeros que eventualmente dejan de lado toda caballerosidad y sacan las garras para obtener lo que quieren. Y la virtud del director está en darnos esta historia que pudo caer fácilmente en el cliché, pero que navega bien durante los pasajes ante y tras cámara. Toda la preparación para el "día D" es genial, mostrándonos a los investigadores sus esfuerzos para presentarse en el set, encarar a Nixon, y destrozar pieza a pieza ese castillo de naipes (al parecer intocable para las grandes cadenas) que era la culpabilidad de Nixon. Y lo que pasa ante cámara son momentos de tensión pura llevados a gran ritmo por Howard, pero sostenidos por esas dos monumentales actuaciones que nos dan Sheen y Langhella. Uno por uno. Michael Sheen está formidable como Frost, dándonos su lado díscolo y frívolo por momentos, pero llenando a este hombre apasionado con la dosis necesaria de ambición y tensión que generaría eventualmente todo este choque con el expresidente americano. Mientras tanto, Frank Langhella se apodera totalmente del papel de Nixon. Es duro, siniestro y potente, pero a la vez blando, curioso, frágil y vulnerable. Es increíble lo que hace una genial actuación, darnos todos esos toques, esos matices que sólo un gran actor puede lograr. Y eso lo hace Langhella, que alcanza picos de grandeza en las escenas de la entrevista en sí donde explica su vida presidencial, ya sea en las tontas cosas mundanas o, especialmente, cuando desesperadamente trata de justificar sus actos, hasta que cae en ese hoyo de la derrota (y victoria, aunque pírrica, de Frost) que es haber aceptado ante cámaras sus errores y, sobre todo, el haber decepcionado a la gente y el sistema de gobierno americano. El rostro y la expresión de Langhella son impagables. Bien por la Academia al haber nominado a Langhella, pero se quedaron al no tomar en cuenta a Sheen, cuya actuación está a kilómetros de la de Pitt en "Benjamin Button" (Bueno, lo mismo dijimos con las acutaciones de DiCaprio o Dev Patel).

Finalmente, "Frost/Nixon" es uan película que nos deja mucho en qué pensar, y eso siempre, siempre, hace grande a una experiencia cinematográfica. Tan sólo recordemos la escena en la que Frost es confrontado por Reston (genial Sam Rockwell) y el resto del equipo, en el que lo acusan de ser "demasiado blando" y de "estar haciendo de Nixon una figura presidenciable". Gruesas palabras, que llegan a nuestras mentes y necesariamente hacen que nos pregutnemos si los líderes políticos, vivos o muertos (como Nixon) no le deben, y mucho, a la siempre trascendental prensa, que lapida en unos casos (como en este de las entrevistas a Nixon), pero que glorifica y hasta victimiza en otros. Al menos aquí, la prensa y Frost fueron sabios para darle su condena final a Nixon. Lo bueno de la película es que en ningún momento lo juzga, y lo deja en el limbo entre criminal y figura shakespereana. Eso hace grande a "Frost/Nixon", el hacer que seámos nosotros mismos quienes le demos su sentencia al hombre marcado por Watergate.

Nota: 18/20

PD: viendo la foto de la obra de teatro, lo que daría por haber presenciado este choque de titanes en vivo y en directo.

Kubrick: el hombre mecánico

2009-03-07T19:44:00.000-08:00

Hace 10 años se fue el gran Stanley Kubrick
Hace 10 años no me gustaba el cine
Hace 10 años no veía cine
Hace 10 años justo salía al mercado Ojos Bien Cerrados, su "última película", temrminada poco antes de morir luego de un interminable rodaje que se extendió por más de 3 años.
Hace 10 años tuvo que morir el hombre para que no nazca, sino se consolide la leyenda.
Hace 10 años murió el genio que me hizo cambiar de parecer, que me entregó lo más hermoso de este mundo, que nos ha hecho reir, preocuparnos, molestarnos, frustrarnos, asustarnos y finalmente siempre, siempre reflexionar sobre la vida.
Hace 10 años murió el loco, el traumado, el psicótico empedernido, el egocéntrico ambicioso y perfeccionista.
Hace 10 años murió el hombre que dejaba loco a sus actores (incluso al mismísimo Nicholson) y que cargaba su set con más tensión que las reuniones de Alex y sus drogos, dejando a todos boquiabiertos como cada una de las intervenciones del Presidente Sellers.
Hace 10 años, hace 10 años nos dejó uno de los más grandes testamentos de la historia de la humanidad: Dr. Strangelove, The Shining, La Naranja Mecánica, Espartaco, Ojos bien cerrados, Full Metal Jacket, Barry Lyndon, 2001...2001¡¡¡

Desde el más psicodélico rincón del prometedor espacio hasta las tierras más honorables de la vieja Roma, desde las calles más violentas infestadas de leche y drogas hasta los "salones de guerra donde está prohibido pelear", desde los asfixiantes y gigantescos salones de un fantasmal hotel-laberinto hasta su propia cabeza, tan llena de aspiraciones y exactitud, nunca un ser humano nos pudo llevar tan lejos, a un lugar donde locura y perfección nos dan la imagen exacta de lo que la humanidad es...y en lo que podrá convertirse. Al fin y al cabo, el genio era humano como nosotros.

Gracias Stanley, viejo loco y sabio, espero que hayas dejado de lado la frustración eterna de no obtener la toma perfecta

Depp VS Bale

2009-03-04T17:14:00.000-08:00

Por fin, el trailer de "Public Enemies", la nueva película del gran Michael Mann (Heat, The Insider, Colateral). Esta cinta trae devuelta la adrenalina de las películas de mafiosos, la sangre y ambición de los años 30, y un duelo de dos de los más grandes actores de estos tiempos: Johnny Depp y Christian Bale. Con el permiso de Ashecliffe de Scorsese (con otros dos grandes como DiCaprio y Ruffalo), esta Public Enemies es sin duda LA película del 2009. Disfruten.

Slumdog Millionaire: El "Underdog" que nos hace felices a todos =)

2009-03-03T18:26:00.000-08:00

Slumdog Millionaire ha sido la gran ganadora del Oscar 2009 llevándose 8 estatuillas, incluyendo mejor película. La pregunta nace por sí sola ¿si se merecía tanto galardón? ¿si es merecedora de ser considerada el mejor film del año 2008? ¿cómo una cinta sin estrellas, sin uno de los "grandes tópicos del cine" puede llegar tan lejos? Pues las respuestas que uno encuentra luego de las 2 horas de metraje y el coqueto pero innecesario baile-coreografía al final es que estamos ante una correcta película, hasta me animaría a decir que una buena película, pero raspando, como si el gol que significó haber ganado tanto premio por todos los Estados Unidos hubiera sido en una posición adelantada más que dudosa. Pero sobre todo Slumdog Millionaire es un film que tiene todas las papeletas para ser considerada, al igual que Crash años atrás, una de esas engreídas de la academia que es premiada por cualquier razón menos por la energía y calidad cinematográfica que destila.

Esta cinta narra las desventuras de Jamal (Dev Patel), un joven de barrio bajo (slumdog), que de la noche a la mañana se transforma en el millonario más importante de la India gracias a ganar el tradicional concurso de "Quieres ser Millonario", mientras busca al "amor de su vida" en una ciudad de más de 19 millones de habitantes. El film va desde sus años de infancia en las barriadas bajas de Bombay hasta sus años de joven donde es interrogado con dureza por su repentina "suerte". Lo que nadie sabe es que el buen Jamal en realidad sabe todas las respuestas por eventos que ocurrieron en su infancia y su juventud, y que curiosamente se resumen en la ronda de pregutnas que enfrenta en el programa concurso. Esta es la excusa perfecta para que se nos de en un poco menos de 2 horas un platillo decorado con fresas y duraznos, donde destacan los colores vivos juntos con la basura (tanto material como espiritual), pero que tiene como objetivo ser desplazada para dejar el camino libre a la felicidad y a la eventual victoria del amor y la lucha constante por ser alguien en esta vida. Como bien lo indica ese nexo artificial que abre y cierra el film, "estaba escrito" que Jamal alcance la felicidad.

Al más puro estilo de Will Smith, quien sufrió, corrió y luchó para finalmente "Buscar y encontrar la Felicidad", Jamal pasa por un sinnúmero de aventuras en sus 18 años para llevarse lo que siempre quiso: salir de la miseria y la chica de sus sueños (bueno naide lo culpa por esperar más de 10 años por la hermosa Frieda Pinto). Danny Boyle toma estas aventuras y las conecta en forma de flashback para darnos 2/3 de la película, dejando el suspensod e que si Jamal obtendrá las dos cosas que quiere como el "gran climax", o bueno, seudo climax, ya que la respuesta era obvia, incluso antes de que empiecen los trailers de la función. Pero con todo lo obvia y previsible que es esta historia, Boyle se las ingenia y nos da un producto digerible, entretenido, en el que constantemente podemos desear con todo que el niñito huya de los policías malos o que Latika (Pinto) logra reencontrarse con su antiguo amiguito, pero que eventualmente logra desgastarnos. Y es que si bien es cierto que a cierto sector del público le puede gustar esta historia enternecedora y no apta para diabéticos, a otros como yo los puede llegas a hastiar su contenido y mensajito de que "eventualmente, querido, todo saldrá bien". Bueno es una historia de redención finalmente: Jamal obtiene lo que quiere, Latika deja el dinero y el lujo por el "amor de su vida", el hermano maloso se sacrifica y permite que la amada de su hermana escape y hasta todos bailan un buen bollywood dance mientras ruedan los créditos finales. Pero todo queda en la anécdota, tras anécdota, donde supuestamente la suma de todos esos pasajes queexplican cómo responde todas las pregutnas del concurso son el íntegro de la vida del joven y la justificación del motivo de su existencia (la superación y, sobre todo, Latika). Pero lo sentimos partido, forzado, (muy aparte de la forzada idea de que Jamal tenga la respuesta correcta a cada pregunta) y llena de clichés y episodios llenos de esas coincidencias que muchos directores tratan de poner en sus películas pensando que el público que pagamos la entrada para ver sus "obras de arte" somos estúpidos. Pues no, creo que llega un punto en que no podemos tragarnos la idea de que Jamal y su hermano caigan del tren directo al Taj Majal, en lo que claramente es la sección "Mira que también hay lugares bonitos en la India, así que ven y visítanos pronto" de la película.

Y otra cosa que podemos decir de esta cinta es lo artificial que puede resultar ser en algunos momentos. No vi Trainspoittin, la "película símbolo" de Danny Boyle (y sé que es un crimen no haber visto este clásico de los 90s), pero una de las cosas de las que se le acusa al buen Danny es de ser efectista. Pues al más puro estilo de Michael Bay o de Tony Scott, Boyle usa, recicla y llena la cinta de escenas forzadas (la muerte explícita de la mamá), cámara lenta y trágica (el escpae inicial de los niños) y de la música. Ay la música. Amante de la oscarizada música de Bollywood nunca seré, pero por más buena que sea hay que saber usarla, cuándo, y sobre todo cuánto. Ni contar las conversaicones típicas o las conforntaciones planas de personajes. A pesar de ello, Slumdog nos atrae, nos atrapa, pero seguro que si la volveríamos a ver ya desearíamos (para aquellos detractores) tener un Michael Clayton o una Juno entre las nominadas para poder dar un Oscar decente este año. Slumdog es una "peli simpaticona", bien hecha, correctas actuaciones (sobre todo Patel y el tío terrible que hace del host del programa), pero ahí nomás. Nada del otro mundo, pero que habrá sido premiada por la Academia, asumimos, por esta onda de la globalización y querer abrir fronteras, y mejor aún cuando se les abre de par en par a la otra industria poderosa de cine en la acutalidad: bollywood. Porque esta podrá ser una película anglosajona en papel, pero destila bollywood por todos lados (y su mensaje y la escena del baile final no lo podrán negar). Slumdog Millionare debe ser como aquella persona simpática, buena gente, pero nunca tan buena como para darle un beso...o al menos al buen calvito dorado que nos emociona siempre al principio del año.

Nota: 15/20

PD: Si el Oscar estaba entre esta película y "Benjamin Button"...me pregunto que maldita chuleta tenían los "académicos" en los ojos para no tomar en cuenta a "Wall-E" o a "The Dark Knight".

¿Sólo un Sueño?

2009-02-14T14:44:00.000-08:00

No, no es el título de la excelente película en la que DiCaprio y Winslet se sacan los ojos y destripan el sueño americano, sino que ante esta noticia nos preguntamos si estamos soñando: La Teta Asustada, última película de la joven realizadora Claudia Llosa se ha alzado con el máximo galardón del Festival de Berlín: el Oso de Oro. Grane, notable, triunfo del cine peruano, triunfo de Llosa y de Magaly Solier, y del resto de la producción. Un triunfo de personajes calladitos, sin mucho aspaviento, sin mucha prensa que se convirtieron en los primeros en presentar una película peruana en el Festival de Berlín y, ahora luego de una semana de competencia, ven su sueño hecho realidad. Pero este también es nuestro sueño, de cada uno de los amantes del cine que vemos como la calidad del cine nacional cae y se hunde constantemente, que vemos como hay gente con talento en este país desperdiciada, que vemos como dominan los mismos de siempre. Pues como ya muchos deben estar diciendo, esta es una cachetada para los "sospechosos comunes" del cine nacional. Yo sólo digo que esto debe marcar un hito e ir para adelante, porque es posbile hacernos un camino en la dura competencia del cien mundial (ya sea en cuestión de calidad o, peor aún, comercial). ¿Es un sueño ver a la dulce Magaly recibir el Osote de manos de la hipnótica Tilda Swinton? Pues es como las películas, sueños que parecían inalcanzables que por un momento, por un segundo, se materializan. Pues hoy se ha concretado las esperanzas y la chamba de un grupo humano que ama lo más grande de este mundo: el cine. Es un sueño y desde ahora todos nosotros debemos creérnosla y avanzar.

Imborrable: Magaly recibiendo el premio de la cautivante Tilda Swinton (por eso ahora te amamos más Tilda)

Ver más: http://www.cinencuentro.com/2009/02/14/berlinale-2009-premiacion-en-vivo/

Benjamin Button y el curioso caso de los "sentimientos encontrados" en el cine

2009-02-08T15:15:00.000-08:00

Esta película me sirve para expresar un sentimiento muy particular: las películas no sólo tienen que ser buenas-no me malinterpreten, una película es buena o no dependiendo en primer lugar de la calidad de la combinación que se da entre actuaciones, dirección, guión y demás cuestiones-sino que deben caracterizarse por ser creaciones que lleguen al corazón y mente de todos los que las disfrutamos, creando conflicto y reflexión y dejándonos algo de que hablar posteriormente. Claro, bajo esa premisa todos los films ligeros como algunas películas de comedia o de romance estarían de más, pero es virtud de una buena cinta ligera transmitir algo sin que los espectadores lo noten, para así ofrecer algo nuevo y significativo sin dejar atrás la huella de la pesadez y solemnindad de muchos "dramones" o "clásicos". Para no salirnos de la película en cuestión, "El Curioso Caso de Benjamin Button" (BB en adelante) tiene mucho de éstas señas que le dan el aire de "sentimientos encontrados". BB es una muy buena historia contada de una excelente manera. Basada en un relato corto de Scott Fitzgerald, David Fincher nos entrega una vez más una película de atmósferas, así como en la macabra y espeluznante aura de Se7en, la extrema de Fight Club o el claustrofóbico índice retro de Zodiac, esta BB tiene a unos personajes raros, extraños, rodeados de un contexto histórico que no hace nada más que resaltar sus particularidades. Ahí está Benjamin (Brad Pitt), un neonato que se gana la repulsión inmediata de su padre por haber nacido de una manera poco convencional: tiene el cuerpo de un viejo, y con los años irá rejuveneciendo.

La virtud de Fincher es contarnos la historia de toda la vida de Benjamin en el film sin que ésta nos parezca aburrida. Lenta en algunos momentos, tal vez, predecible en otros, pero tendríamos que preguntarnos que película romántica (porque BB es un drama romántico en escencia) no lo es. En casi 3 horas no perdemos interés en la historia de Benjamin porque Fincher sabe cuando quebrar la historia y ofrecernos pasajes llenos de calidez, interés y que nos invitan a más de una reflexión. Recordamos tres: el encuentro nocturno de el viejo Benjamin y la niña Daisy, el affair entre el protagonista y la nadadora (Cautivadora como siempre Tilda Swinton) y ese trágico y doloroso calvario que tiene que atravesar la vieja Daisy (Cate Blanchet) al tener que cuidar al niño-bebé Benjamin. Fincher nos puede dar una película buena, mala, o irregular, pero la virtud de contar historias siempre destaca, lo que nos reafirma la confianza con la nueva genereación de history-tellers (teniendo a Chris Nolan como el otro máximo expositor de este rubro). A lo largo de su vida, teniendo el momento que llegue a ser un bebito como límite, Benjamin es un ser callado, introspectivo y observador de cómo el mundo gira más rápido así como avanzan los años. BB puede ser de todo a lo largo que avanza el film, desde aventuras hasta drama, pasando por un romance abnegado o una tragedia marcada por el pasar (pesar) de los años, la película de Fincher se transforma en una ventana a la vida y muerte de una figura cautivante.

El problema de BB es que cuando parece que nos dará más, que nos meterá más al drama de Benjamin que se acerca a la juventud primera, que nos dará un masazo durísimo cuando vemos que Daisy va aceptando que Benajmin nunca podrá conformar una familia normal, ahí BB se queda distante, lejana, fría, sin ofrecer mayor profundidad o descripción de las situaciones y sus efectos en los personajes. Las cosas se quedan en primera instancia, sin la rudeza o crueldad que requerían las consecuencias de una vida tan marcada como la de Benjamin. La historia carece de esa fuerza que nos haga decir que bien, que mal, o que horrible que fue lo que acabamos de ver en la pantalla. Las aventuras del buen Ben pasan, nos sorprenden, pero nos dejan indiferentes o muy silenciosos cuando se pudo ver, y sobre todo transmitir más. Debe ser por eso que BB es una película con 13 nominaciones al Oscar (categorías merecidísimas como las de mejor fotografía, maquillaje o dirección de arte), pero que no goza del todo con respecto a la aprobación de crítica e incluso del mismo público (al menos Forrest Gump si era querida por todos, hasta por los que se rasgan las vestiduras al ver su victoria en los Oscares). BB es como un vacío decorado, hermoso, brillante y con trazos interesantes, algo que hace que caigamos en él y nos asombremos, que su eterna caída no se haga pesada...pero que al fin y al cabo nos demuestra que es un vacío en sí, y que eventualmente caemos y caemos. BB puede ser una obra de arte, pero a su vez puede dejar indiferentes a muchos. Eso sí, Fincher tiene talento, y lo demuestra atreviéndose a contar nuevamente (ya lo hizo con Zodiac) una historia de casi 3 horas de duración y saliendo bien parado. Pero al igual que su anterior entrega, su cine se convierte por momentos en una estilización de historias que sobresale por su impacto visual, por su buen trazo del cuento que intentan ofrecernos, pero que se queda a medio camino a la hora de llegar a lo más profundo del cinemero. Pues debe ser lo que pasa con Brad Pitt, lapidado por muchos al considerar que está en el quinteto del Oscar quitándole espacio a Benicio del Toro (Che) o Dev Patel (Slumdog Millionare), pero que es en realidad un buen actor, que dentro de sus capacidades nos ofrece un papel extraño para una estrella como él, pero que con esfuerzo y dedicación lo saca adelante transmitiéndonos esa imagen de un ser curioso ante un mundo aun más extraño que se desarrolla y envejece con el pasar de los años.

Nota: 16/20

The Wire: Más que una serie de TV

2008-12-30T15:18:00.000-08:00

Con el bajón tremendo que ha sufrido el cine a nivel de calidad (más no en cantidad, lo que puede ser una de las claves del problema), es la televisión la que congrega las mejores producciones que se dan hoy por hoy en suelo estadounidense. Así vemos como desde Los Soprano hasta la más reciente Mad Men se han dado innumerables traspasos de grandes estellas de cine a la televisión o el nacimiento de personajes, escenas o momentos memorables para la cultura moderna. Casi todos tiene una serie que no sólo siguen, sino que aman, de los más diversos tipos. Ya sean comedias irreverentes como Two and a Half Men o 30 Rock, thrillers truculentos con una mitología propia como Lost o 24, o dramas serios y fuertes como Mad Men o The Shield, todos encontramos un programa, un grupo de personajes con los que nos sentimos identificados en espíritu y somos capaces de entregarnos a sus aventuras y seguirlos semana tras semana (o como en mi caso, al no aguanatar la para semanal, toda una temporada de corrido por DVD). Pues veo que todas las series son importantes, unas más que otras, unas imprescindibles y otras olvidables, pero hay una serie que creemos que es de obligatoria visión por todos los tipos de televidentes alrededor del globo: esta serie es "The Wire".

Este 2008, The Wire ha culminado su quinta y final temporada, y luego de 60 capítulos nos ha demostrado que el mundo puede ser un poquito más cruel de lo que creemos. Es cierto, la acción se sitúa en la ciudad de Baltimore, Maryland en Estados Unidos, y siendo un retrato fiel de la parte urbana de este lugar, lo que The Wire traspira es un ánimo negro y seco de la sociedad contemporánea. Como 24 o The Shield, The Wire (2002) se estrena en una época cercana a los eventos del 11 de Septiembre y la sordidez es la palabra que la caracteriza por excelencia. En sí The Wire es un "drama policial" que trata sobre la lucha constante de todo un engranaje del lado de la ley para reestablecer el orden en la ciudad de Baltimore contra las fuerzas criminales, principalmente causadas por la plaga de la venta indiscriminada de droga. A este pequeño resumen debemos sumarle una palabra: fracaso. Y es que temporada tras temporada, en la que se abarca un caso a la vez, se ve lo impotente que muchas veces puede ser la mano dura de la ley a la hora de luchar contra el bando criminal. Toda esta lucha de bandos se ve condimentada por movidas políticas, estrategias de conveniencia y maniobras manipuladoras que no hacen otra cosa que maquillar la situación actual en las peligrosas calles de la ciudad. The Wire nos habla sobre la lucha de estos personajes que no representan la luz blanca que salvará la ciudad ni la sombra definitiva que hundirá más a Baltimore; todos, y me refiero a cada uno de los personajes, pertenecen a una zona gris, mitad buenos, mitad malos. Es cierto que unos pueden mostrar más integridad que otros, pero eventualmente algún vicio, alguna limitación resalta y les da este manto turbio que no es otra cosa que humanidad. Y es que si ya estamos en una era donde los mejores personajes de la TV son antihéroes en todas sus letras (Dr. House, Vic Mackey, Tony Soprano, Jack Bauer), los personajes de The Wire no viven, deambulan en una nebulosa que parece nunca acabar. Tomando al protagónico de la serie, el problemático detective Jimmy McNulty, quien no tiene un lugar fijo donde pueda sentirse a gusto, va de un lado para otro, caso tras caso, intentando de esa manera alcanzar la felicidad que no tiene luego de un hogar separado por divorcio; y si eso no funciona, el buen Jimmy siempre tendrá a las interminables mujeres con las que ha estado a lo largo de la serie, o sino algo aún más interminable: el licor que lo pone en unn estado deplorable cada 2 episodios aproximadamente. Pero ese es el buen Jimmy, tan eficiente policía como entrañable personaje, por el que todos sentimos que algún día merecería encontrar al menos un rayo de sol lejos de una estación de policía. En la misma situación de zona intermedia entre la total desolación y la incompleta felicidad están otros personajes: Stringer Bell y sus ansias de legitimizar sus negocios con las drogas, Kima Greggs y su deseo de salvar su relación con una compañera que la quiere lejos de su amado trabajo en campo, el joven D´Angelo que descubre el lado negativo de "estar en el juego", pero sabe que no hay otra forma de vivir para él. Y esto también es clave en The Wire, el status de cada personaje, de cada ser humano en esta sociedad. Acá es donde resaltan las dos caracterísicas principales de esta serie: el tema racial y el tema de clases sociales.

The Wire es la serie con el mayor número de personas de raza negra en un cast de una serie americana. Y decimos "personas" porque muchos de los personajes de la serie son interpretados por muchachos oriundos de Baltimore o personajes reconocidos de la ciudad. Lo cierto es que The Wire lidia con personajes de cierto tipo racial y su postura en la sociedad. Se juega con ese supuesto "rol" que deben jugar: ya sea en el papel del dealer de medio pelo, ya sea el del policía negro que calza con el perfil para infiltrarse, o ya sea de aquel comandante que por ser de determinada raza es promovido a Comisionado sólo para satisfacer el perfil racial de puestos públicos en la ciudad. Pero los escritores tienen la sapiencia de darnos muestras de que toda esta maquinaria corrupta y prejuiciosa afectan a todos. En la temporada 3 aparece el personaje de Thomas Carcceti, ambicioso y joven concejal que aspira a ser el alcalde que Baltimore necesita, pero que corre contra todos los pronósticos ya que al ser blanco, no tendría posibilidad alguna de ganar en una ciudad predominantemente negra. Ahí está, la misma figura pero invertida, de negor a blanco, de pobre a rico, la situación se mantiene: el status actual y la esperanza futura de todas las personas que más que convivir, tratan de sobrevivir superponiéndose a las fuerzas sociales que consideran más relevante el color de la piel o la forma cómo hablas que tus verdaderas habilidades o tu disposición al cambio. The Wire trata sobre todos estos personajes que tratan de superar estas supuestas taras pero que finalmente parecen quedar conformes si se mantienen en su actual situación, porque saben que no hay otra forma de vida aparte de vender drogas, porque saben que son policías y lo único que los llenará será acabar con otro caso más, porque son políticos que saben que por sobre todas las cosas debe mantenerse la estrategia política y las aspiraciones de ganar. Como dice el refrán callejero: "All in the game". Y sí, en este mundo interno de The Wire, todo (y todos) se prestan para el juego, de una manera u otra.

Lo cierto es que lo que vemos en pantalla en esta serie pasa en cualquier otro lado del mundo contemporáneo: jóvenes y niños que se entregan al vicio sin otra cosa que hacer por la vida, policías flojos que se lanzan la pelota y evitan responsabilidades a la hora de tomar un caso, políticos amorales capaces de reunirse a saco y corbata o ex convictos que parecen no tener esperanza una vez que han salido de la cárcel. Todos estos personajes y situaciones recurrentes son reflejo de las plagas que recorren la mayoría de ciudades actuales: violencia, amoralidad, peligro, destrucción, suciedad, bajeza, castigo. The Wire es perfecta para reflejar todas estas posturas y la participación de cada tipo de persona en este mundo, en este juego. Y todo parece tener un punto de partida, en realidad dos, perennes personajes del hundimiento de la todavía rescatable humanidad en una población. Nos referimos a la creciente presencia de las drogas en las calles (tema recurrente en toda la series) y el bajísimo nivel del sistema educativo (tema tratado más a fondo en la cuarta temporada). Estos dos problemas son el núcleo de la bajeza que vemos en pantalla; lo mejor es que la serie no se convierte en una hora de moralina que condena a los malos o premia a los buenos, sino que nos muestra de manera fidedigna lo que ocurre en un escenario salvaje (desde las peligrosas calles hasta los pasillos del city hall) y nos da a nosotros, los espectadores, las herramientas escenciales para analizar la situación, pero no juzgar a los personajes, ya que son pequeñas figuras de papel que se ven inmersos en toda esta espiral de malas intenciones. Lo que vemos son como un puñado de personas, con diferentes métodos de sobrevivir caen lentamente a un hoyo del cual no pueden salir porque en realidad en ningún momento se lo proponen. Los personajes de The Wire son lo más cercano a los antiguos perdedores empedernidos del clásico cine negro.

Y tampoco está demás decir que de The Wire cuenta con todos los acabados artísticos de cualquier otra serie de tal prestigioso nivel. Utilizando a la perfección las locaciones de la ciudad de Baltimore, la serie además se caracteriza por unos diálogos notables, en las que las lisuras y unas frases que a primera vista no son nada de otro mundo pero que tienen un enorme significado encima se mezclan para darnos esa atmósfera de perdición mundana. Además The Wire cuenta con un sistema de actuación que hace a la serie aún más real, lo que nos da un casting perfecto, un nivel actoral supremo, pero en el que podemos destacar por sobre los demás a Michelle Williams (Omar Little), Wood Harris (Avon Barksdale) o André Royo (Bubbles), pero destacamos a 2 por sobre todo: Dominic West (Jimmy McNulty) y el gran Idris Elba (Stringer Bell). Pero gran parte de lo que vemos en pantalla se lo debemos a los dos hombres detrás de este monstruo llamado The Wire: David Simon y Ed Burns. Ambos son los que mueven los hilos en la serie y se lo deben a años de experiencia en el rudo campo laboral de Baltimore (Simon es un periodista/escritor mientras que Burns trabajó como detective y posteriormente como profesor en una escuela pública). La realidad se ve entonces reflejada como en un espejo, pero un espejo que nos permite no juzgar, sino criticar y entender por sobre todas las cosas las motivaciones y el accionar de cada uno de los personajes. Eso es lo que consiste el juego y The Wire. No es un policial más. Es un retrato social de lo que pasa en Baltimore y en sí en cualquier hueco urbano del mundo. Al fin y al cabo, podemos encotnrar a cualquiera de estas caras conocidas a la vuelta de la esquina. The Wire no es un drama policial, es una serie de terror, por lo cercano y fiel que es a nuestra realidad.

Con los pies en la tierra: Dioses, de Josué Mendez

2008-08-15T13:29:00.000-07:00

Josué Méndez es uno de los directores con más futuro en nuestro medio y que muchos han catalogado como el "salvador" del cine nacional. Cansados de los Lombardi o los Tamayo, la generación de Méndez, Claudia Llosa, Fabricio Aguilar, Aldo Salvini o Eduardo Mendoza es la que, para bien o para mal, se sitúa como la que tomará la posta en los próximos años de lo que es (o al menos se cree que es) la "cinematografía peruana". Méndez nos deslumbró con una historia impactante llamada "Días de Santiago", en la que narraba los intentos de un excombatiene (Santiago) para reinsertarse en la sociedad convencional. Este film está cargado de excelentes momentos, planos o secuencias que nos transmiten una fuerza poca veces vista en el cien peruano, pero que no se queda en lo inmediato o material, sino que traspasa esa barrera y nos lleva a la propia mente del soldado, para de esta forma comprometernos con él y su viaje externo e interno. Todas estas características hacen de "Días..." una ópera prima prometedora y un muy buen film nacional. Pero es la falta de todas estas características las que hacen de Dioses una decepción.

La historia gira en torno a 4 personajes: Diego (Sergio Gjurinovic) es un chico de la "high society" que vendría a ser el incomprendido, el outsider, el incómodo y triste personaje que detesta vivir donde lo hace y con quienes lo hace. Bueno odia a todos excepto a su hermana Andrea (Anahí de Cárdenas), a quien ama y no precisamente como nos imaginamos, a pesar de sus constantes arranques y "descuidos", por no decir más. Agustín (Edgar Saba) es la imagen fiel del hombre emprendedor que le ha dado todo a su familia (y también se ha servido él para decirlo claro), pero a quien le devuelven poco o nada, y en el hoyo de la soledad se consigue una amante, la cual noe s precisamente el "tipo" de chica que podría encajar en su esfera social. Con un background y características emocionales y físicas totalmente diferentes llega Elisa (Maricielo Effio), la amante que se topará con las mil y un características con las que su nuevo "círculo" la sorprenderá. Estos son los 4 protagonistas que se enfrentarán a ciertos problemas propios de la edad o de los convencionalismos sociales: obsesión por el físico, la soledad, el mundo de las apariencias, descuido emocional, futuro incierto, vacíos sentimentales, lazos familiares rotos, deseos reprimidos y hasta embarazos no deseados. Todo esto es lo que hacen que la vida de estos "Dioses" no sea tan divina. Esto es lo que nos presenta la película de Méndez...y en eso nos quedamos. Es innegable que Méndez describe muy bien la vida de este tipo de personas mediante la caracterización de los 4 personajes, pero se queda ahí, no avanza, no arriesga. Y es que Méndez demostró en "Días..." que es un director con talento que asume riesgos con gran fuerza y decisión, pues acá parece que Méndez se olvidó de estas carácterísticas. El talento de Méndez se aprecia en "Dioses" con ciertos planos interesantísimos y secuencias que logran sacar ciertas risas al público a la vez que llena de crítica y comentarios ácidos los momentos vividos por los protagonistas. Pero lo hace de una manera fría, casi de exposición, sin involucrar a los personajes más con su propio drama, y por ende, sin involucrarnos a nosotros, el público, que tiene que ser el que se sienta atrapado por esta historia. Pues acá no tenemos de donde agarrarnos para que nos enganchemos con la película. Ni de la historia ni de los personajes. En sí la historia nos traspasa la serie de anécdotas que sufren los personajes, sin llegar a un punto concreto donde podamos ver que estos acontecimientos hayan afectado realmente a los personajes o donde se nos muestre una etapa que garantize que todo lo que vimos en uan hora y media de cinta haya hecho efecto en nosotros (tanto personajes como espectador). Porque eso es lo que hace grande a un film: el grado de compromiso con el espectador, que lo haga debatir, al finalizar la cinta, sobre lo que les dejó el film, sobre como pudieron sentirse involucrados con el cuento que vivía tal o cual personaje, así sea el desgraciado más grande de la historia. Pûes a este nivel, "Dioses" me parece una película totalmente gélida que no compromete al espectador ya que no le da más de lo que el espera (muchas de las "anécdotas" son previsibles), cayéndose muchas veces en lo "cliché" o ya sabido. Y es que el hecho que las tías gasten todo su tiempo hablando sobre plantitas o que el padre le escoja la carrera al hijo son datos ya conocidos hasta el hartazgo, y de los cuales Méndez no saca nada nuevo, nada más de lo que él pudo habernos dado. En el cine ya no hay temas nuevo, pero la maestría del director está en exprimir ese tema y sacar cosas nuevas que nos sorprendan. Pero si la historia no nos ofrece mucho, los personajes tampoco aportan mucho más.

Son sobre todo Agustín y Andrea aquellos personajes que se quedan a medio camino. Agustín es solo un receptor, que le dice al hijo que estudiar, que manda a la hija al extranjero cuando salen los problemas y que trata de mantenerse con su nueva amante a pesar de las exigencias tanto de estas como de sus amigos. No hay una mayor evolución del personaje, el cual aveces da la sensación de ser una estatua que está ahí solo para darle las respuestas que el guión requiere a ciertos personajes. Andrea se perfila como un buen personaje, pero es "cortado" de una manera increíble. El abrupto final de la desinhibida joven es como Méndez termina de solucionar de la manera más fácil todos los conflictos que ella se ha creado y que afectan también a otros personajes. Como el mismo final de la película, el viaje de Andrea es una salida (para el nivel de Méndez) demasiado fácil para las situaicones que se presentan y no hacen otra cosa que ratificar que una película se cae a partir de su guión. En sí ni Edgar Saba ni Anahí de Cárdenas hacen un mal trabajo, es más, ambos se desarrollan con naturalidad y hasta cierto carisma, pero poco pueden hacer cuando es su mismo guionista quien los traiciona mediante una fallida caracterización y un desarrollo de personajes deficiente.

Y también tenemos a Elisa y Diego, los dos personajes "receptores" que quieren no estar donde están, pero que finalmente, uno más que otro, deciden quedarse, porque descubren que "no hay otra". Elisa es una joven envuelta en un romance con Agustín que se hace oficial, por lo que ya acude a las fiestas de la high society y al club de ocio de las ricas señoras. Elisa hace muecas, se le ve forzada, es sarcástica, se burla cuando puede de todo lo que tiene que pasar para encajar, incluso trata de alejar a su propia familia al no entrar ésta en los parñametros de su nuevo estatus. Es así que Elisa aprende el oficio de ser de una nueva "casta", por lo que llega hasta a manipular a su esposo para lograr lo que desea: no solo encajar, sino que sacar ventaja cada vez más y más de su situación. Es un conflcito serio el de Elisa, el de querer quedarse y pedir más mientras que sabe que cada día que pasa junto a sus nuevas amistades la enajenan de su propio ser original (recordemos la escena donde, ya mareada, se pone a bailar unos pasitos de salsa al estilo "achorado", cotrario a los refinados y ridículos pasos de los demás). Effio está muy correcta, y trabaja hasta donde su personaje le ofrece oportunidades para jugar con sus estados de ánimo. Diego es el que toma (o deberñia tomar) el lead en la película, al convertirse en el ojo reflexivo de sus propios conflictos y de los ajenos. En sí, como muchos otros protagonistas niños-jóvenes de la historia del cine, lo que se ve es el desarrollo de Diego y su alcanzar de madurez, o en su defecto, entregarse a los vicios y aceptar su realidad. La relación con su hermana, su malestar con el padre, la cercanía que siente con las empleadas (tal vez a las únicas personas que él considera como honestas y transparentes) y toda la repulsión que sietne con cada hábito o costumbre de las personas que, en teoría, son sus semejantes. Es por todo esto que Diego se escapa, pero no puede termianr de huir. Es la historia del asco, del sentir qeu debe escapar de todos esos círculos frívolos que frecuenta, así como de esa relación prohibida que el tiene (o al menos cree tener) con su hermana, pero fracasa en el intento, porque Diego puede escapar a la entrada del balneario en medio de la noche, y puede llegar al cerro en el centro, como un polo opuesto de su condición social y hasta moral, pero al final temrian regresando, cediendo, porque se da cuenta que por más que los odie, vive de ellos, y por ellos, que es su "olimpo", y en otro lugar no podría sobrevivir. Es así que también falla al contener sus deseos por Andrea, y se entrega, para que finalmente sea la propia hermana la que termine con esta situación incómoda. Pero parece que el personaje se quedara ahí, a punto de darnos una personificación muy buena de la incomodidad y la perturbación, del desconsuelo y la angustia mental, pero que no puede porque la mayor parte dle tiempo se queda en gestos, en meros gestos ya clásicos de determinados tipos de ánimo. Claro que la actuación no es la falla en el personaje, Sergio Gjurinovic es la revelación y el mejor actor de esta película, representando una grata aparición a ser tenido en cuenta en el futuro. Pero lo hace en las opciones que el guión le permite, porque una vez es este el principal problema para el desarrollo de los personajes, convirtiendo a un protagonista con potencial en un ser humano cuadrado y de reacciones previsibles.

Es la previsibilidad la que también se termian transformando en el principal enemigo de "Dioses", lo que deja un saldo negativo para con Méndez en cuestión de guión. Pero que quede claro que este reto era dificilícimo de tomar, tomando en cuenta toda la presión con la que fue cargado este novel director, que venía presidido de una película que dio mucho que hablar como "Días de Santiago" y que, como pusimos al principio de esta nota, lo pusieron como una de las "máximas promesas" cienmatográficas. Méndez debe ser el más talentoso de su generación, y como director demuestra que tiene características, disposiciones y toma de riesgos notables. Pero da la sensación que no arriesgó del todo y muchas veces se dejó llevar por lo técnico (tomas, ambientación, "perfección estética") para dejar de lado lo fundamental de todo film: el guión. Y es que da la impresión que la película (y el mismo Méndez) se perdieron en el intento de buscar la perfección en el celuloide, sin darse cuenta que el primer paso para alcanzar la nota A (tanto en crítica como en público) radica en la búsqueda de la perfección al escribir y jugar, como amo y señor del proyecto, con tus personajes y sus historias, haciéndolos nacer, crecer y si es necesario morir, pero siempre de una manera sólida y atrapante. Eso es lo fascinante de contar historias. Eso diferencia al cine de las fotos o los cuadros.

Nota: 13/20

The Dark Knight: una noche muy, muy oscura

2008-07-18T15:20:00.000-07:00

Es difícil comentar de manera tranquila y sobre todo imparcial sobre el que para mí ha sido el film que he esperado con más expectativas. Pues no sólo teníamos a un Batman que "renació" en "Batman Begins" (2005) luego de que por ella pasara la nefasta mano de Joel Schumacher, sino sabemos que en el coche estaban dos personajes que con estas últimas entregas del Caballero de la Noche han confirmado toda su calidad: el director Christopher Nolan y el protagonista Christian Bale. Bueno, Nolan ya nos había demostrado su ingenio y habilidad a la hora de plasmar un buen relato en la pantalla grande y con resultados tan atrapantes como enigmáticos. Y muestra de ellos son sus 4 primeros films: "Following", "Memento", "Insomnia" y "The Prestige" (esta última realizada entre las dos entregas de Batman. Y Christian Bale, aquel niño que podemos presenciar en la película de Spielberg "El Imperio del Sol", ha crecido y retomado su carrera con papeles secundarios (como en "Shaft" donde hacía del engreído villano) hasta protagónicos (veamos su extrema transformación en "El Maquinista), pero es su transformación en el Batman de Nolan que lo ha devuelto al primer plano cinematográfico, no solo regalándonos un (anti)héroe muy completo, sino realzando sus bonos en el medio (para el próximo año se espera "Public Enemies", película de gangsters del también genial Michael Mann y donde será la contraparte de otro talentoso: Johnny Depp).

A todo ello, es inevitable mencionar de toda esta expectativa mediática generada por un evento realmente penoso: la temprana muerte de Heath Ledger, actor australiano que da vida al Joker. Este hecho producido en Enero de este año levantó las expectativas por el ver el film, es decir, que las ganas y el casi ya deber de ver esta cinta estaban por las nubes. Pues Indiana Jones decepcionó a muchos (dentro de los cuales no me incluyo), pero este "Dark Knight" creo que no lo ha hecho. Las críticas (y seguro también la taquilla) se han rendido a sus pies, un fenómeno por demás extraño debido a todo ese cansino torrente de Spidermans, xmens, hulks y demás. Los superhéroes, gracias a las demandas de la mayoría del público cinéfilo (claro, que solo puede "gozar" de taquillazos americanos debido a las "precisas" carteleras que nos ofrecen los distribuidores), han copado la pantalla grande. Y a priori, "The Dark Knight" es una película sobre un superhéroe (Batman) que combate el crimen y al malo malísimo (Joker). Pero esto es solo su premisa, porque Nolan y compañía nos dan un producto que se aprovecha de estos personajes populares y crean una historia digna del mejor film criminal o del más potente drama humano. Nolan respeta los elementos del cómic y de la cultura "Batman", pero parte de ahí para darnos en el celuloide 2 horas y media del más perverso, cruel y negro porvenir humano: el bien contra el mal y todos los desastres que genera esta confrontación.

El film atrapa de principio a fin. Abre con un escena brillantemente trabajada por la inteligencia de los hermanos Nolan. Un atraco perfecto es la escena perfecta para dar el puntapié inicial a esta cinta. Y nos marca una tendencia de las 2 horas y media de "Dark Knight": el Joker siempre, siempre está en control. Una mente maestra, un brillante sociópata está suelto y cada cosa que ocurre está ideada por su malvada inteligencia. Como lo menciona en una parte de la cinta, siempre tiene un "as bajo la manga". Y los gangsters de turno no tienen otra que acudir a él ante el plan de contingencia preparado por Batman, el comisionado Gordon y el fiscal Harvey Dent. Pero vemos como el Joker toma todos sus movimientos y atracos como una simple experiencia placentera. Y no nos centramos en que para él todo es un juego y para riéndose, no, sino que en todo momento, el Joker disfruta la destrucción y solo aspira a una cosa: más. Pues no hay nada mejor para el Joker que contar sus traumáticas experiencias de niño antes de desgarrarle la boca a cada una de sus víctimas. Es un sadomasoquista, un psicótico, un enfermo, y todo lo hace con la única intención de provocar caos y más caos, estableciendo un mundo (en sus propias palabras) "sin reglas" y en estado de "anarquía". Y por el otro lado está el héroe de turno, o mejor dicho, el antihéroe. Porque a diferencia del simpático Spiderman o el dorado Superman, Batman es un personaje tan negro y lúgubre como su traje. Y es que Batman es visto con desconfianza por muchos (y obviamente aborrecido por los malechores), mientras que su alter-ego, el multimillonario Bruce Wayne, es un playboy con la imagen de niño engreído y descuidado, a los que acuden los personajes de las altas esferas sólo por interés o por guardar la apariencia. Pero en sí, Bruce es visto de mala manera por la sociedad de ciudad Gótica, y el drama es que él mismo ha construido esa negativa imagen y carga con ella día tras día. Muy por el contrario está la tercera parte en cuestión, y el que es en sí no sólo el tercer protagonista del film, sino podemos decir que es sobre quien recae la mayor carga moral y dramática del mismo: el flamante fiscal de distrito, la "esperanza" de un mañana mejor, el "caballero blanco" de ciudad Gótica, el D.A. Harvey Dent. Pues es este personaje el que trata de poner a los malos en su sitio, siempre bajo su forma de combatir el crimen, no con máscaras como Batman, sino con un plan establecido, que no solo acabe con el mal, sino que saque a relucir todo el esplendor de la justicia, paso que de continuación a la pequeña pero todavía existente esperanza de un "amanecer" en ciudad Gótica. Dent expone sus triunfos y los comparte con el pueblo (como buen político), mientras que Batman siempre trabaja desde la oscuridad, bajo las sombras, entregando sin recibir nada a cambio. Y Dent sufre el mayor drama al cambiar totalmente de persona, de identidad, y pasar de ser el caballero en búsqueda de justicia a ser la representación pura de la venganza y el odio contra el sistema, una lección que le fue impartida por el anárquico Joker.

Es en este trío de personajes en los que se basa la película y todo el ventarrón de posiciones morales, conflictos éticos y principios destruidos junto con la esperanza del "mañana mejor". Batman, Joker y Dent-2 Caras son paradigmas de diferentes posturas que podemos encontrar hoy en día, desde el héroe resignado hasta el terrorista imparable, pasando por el idealista traicionado o el loco entregado a su labor. Podrán partir de un cómic, pero la maestría de Nolan está en haberlos transformados en personajes que generen una gran reflexión en nosotros, llenos de humanidad, derrota y perdición. Todo queda resumida en las escenas donde se encuentran estos tres personajes: veamos la escena donde un Joker entregado dispuesto a morir se pone la pistola en la cabeza mientras llena de ideas al desesperanzado fiscal Dent y, técnicamnete, da origen al malvado 2 Caras. Es casi un reflejo de un idealista extremo tomando un pedazo de alma desgarrada y moldeándola a su gusto, un pequeño guiño al terrorismo sin ninguna duda. O sino toquemos la que a mi gusto es la mejor escena del film, el interrogatorio de Batman al Joker, en el que este, una vez más, está con la sartén por el mango y controla no solo la situación, sino a nuestro mismo héroe, logrando finalmente que el encapuchado rompa sus propios límites y lo muela a golpes. El Joker le dice que no busca matarlo porque sino no tendría nada que hacer. Pues así es, son polos opuestos, pero que se necesitan. Y la vida y el drama humano está hecho de estos personajes, porque sin Joker, ¿a quién perseguiría Batman?, y sin Harvey Dent, ¿quién asumiría los honores que representa ser un héroe?, y sin Batman, ¿quién se embarraría las manos como debe de ser para acabar con el mal? Las puntas del tridente están bien marcadas, cada uno con sus conflictos, y nos demuestran lo bidimencionales que podemos ser los seres humanos, intentando hacer una cosa, pero resultando realizar otra. Batman, Dent y hasta el Joker (que termina por fracasar en la parte de los botes por ejemplo) son fieles ejemplos de lo que Nolan trata de transmitir con esta película: desesperanza, tristeza y una gran impotencia, todo esto envuelto en una gran máscara conocido, comúnmente, como hipocresía y desidia civil.

Claro que Nolan, con toda su maestría, nunca hubiera sido capaza de transmitir todas estas sensaciones sin el gran trabajo del elenco, y véanlo, un tremendo elenco. Christian Bale nos confirma su talento y nos crea esa interrogante entre determinar quien es el mejor Batman de la historia, si él o Michael Keaton (lo siento por los hinchas de George Clooney, pero el buen Giorgio estuvo perdido como el caballero de la noche). Es cierto que Bale no tiene tanto tiempo de pantalla como en "Batman Begins" por lo que podríamos considerarlo a nivel de un secundario. Es en sí toda la amalgama de personajes los que dan vida al fin, siendo la oscuridad la verdadera protagonista. Y está también Aaron Eckhart, quien nos deslumbró con su atractiva performance en la ingeniosa "Gracias por fumar". Pues ahora lo hace bien en la piel del idealista y joven fiscal de distrito, dándonos esas dosis exactas de heroismo cívico mezclado con ambición personal, porque antes de líder de la ciudad, Dent es ante todo un buen político. El personaje como 2 caras pudo haber dado para más, pero la película (y el Joker en sí) no podían dejar que hubiera otro villano de peso en la palestra. Pero el fiscal Dent que crean Nolan y Eckhart está muy bien.

Y está el Joker de Heath Ledger...

El finado actor australiano toma la posta de César Romero o el gran Jack Nicholson como el némesis de Batman: el Joker o Guasón. Al enterarme de la noticia que Ledger lo interpretaría, salió a relucir cierto grado de escepticismo, y creo que no fui el único. Y es que el australiano era conocido por esa mirada trsite y apariencia taciturna, tranquilo y entrañable en roles como el de Ennis del Mar en la notable "Brokeback Mountain". Pues bien, Ledger asumió el rol y sobre todo asumió la carga psicológica de interpretar a este Joker no como el payaso lunático y chiflado de Romero o de Nicholson, sino como un verdadero psycho, un demente con ansias de matar y hasta de morir por su causa, un verdadero terrorista de estos tiempos como lo han catalogado las críticas. Obviamente el diseño del personaje ayuda mucho: ese pelo verde desordenado, esas tenebrosas y gigantes sombras en los ojos, el formidable detalle de la sonrisa extendida que cubre las cicatrices en sus mejillas. Todo está genial en el diseño de este diabólico Joker, pero Ledger se funda en el traje y lo llena no solo de crueldad, sino de matices, tantos que en algún momento nos hace sentir cierta simpatía que en alguna ocasión genera risas entre los espectadores. veamos la espectacular escena en la que el Joker se presenta ante el grupo de mafiosos. Estos hablan de cómo salirse de la estrategia creada por Batman, Dent y Gordon, cuando entra este "payaso" con un caminar peculiar, gestos intranquilos, y que rápidamente toma el control de la situación con su accionar (y con el "truco del lápiz" claro está). Pero lo acusan de raro, de fenómeno, de freak, a lo que el responde que no lo es, que no es un fenómeno. Porque el Joker es un ser marcado, por cicatrices en su piel, y en su alma. Trata de proliferar el terror y el caos siempre con sus propias estrategias y su agenda, pero todo esto teniendo en el fondo un sentir triste y apesadumbrado. Como Batman, el Joker trata de combatir sus demonios y los expresa, a más no poder, con una malvada desfachatez llena de muertos y explosiones, en los que sus cuchillos y risas al ver la sangre llenan su espacio, su corazón porqué no. El Joker se ríe mientras Batman técnicamnete lo tortura o mientras nuestro antihéroe lo ha derrotado finalmente y lo deja colgado del edificio. Y todo esto porque el Joker sabe de antemano que ya ganó, porque el caos ya está sembrado en ciudad Gótica. Veamos nomás como acaban los personajes: Batman convertido en un villano más, cargando las fechorías de sus rivales sobre sus hombros; Harvey Dent, muerto en vida, destrozado por la muerte de su amada, sin esperanzas él y por ende dejando sin esperanzas a ciudad Gótica; Gordon viendo como tiene que acusar injustamente a Batman para mantener la esperanza, y como con esto se pierde a un aliado importante, un amigo; o sino veamos a los personajes menores, ya que la resignación y la pena embargan tanto al mayordomo Alfred (al quemar la carta de Rachel y llevarse su confesión a la tumba) o de Lucius Fox (al renunciar y dejar para siempre su incondicional y secreto apoyo a Wayne/Batman). Todos, absolutamente todos terminan con ese horrible nudo en la garganta generada por la derrota y que solo tienen por delante un mañana aún más negro.

En estos tiempos de remakes y películas de balas o animalitos animados, que bueno es saber que podremos gozar del trabajo de gente joven y con un talento tremendo como el de Christopher Nolan. Y es que en este rincón reconocemos la magia de Steven Spielberg, pero creo que este ya encontró su match como story-teller: Nolan nos demuestra y ratifica que es un grande a la hroa de contar un cuento. Maestro de la distorsión narrativa y los twists (Following o Memento), de los dilemas éticos y callejones sin salida (Insomnia) o de los choques antagónicos, la competencia y ambición humana (The Prestige), el británico se perfila como uno de los grandes de la industria. Su talento y su visión para, y lo afirmamos una vez más, tomar una historia de cómic, un héroe como Batman y una base usada un millón de veces en el cine como lo es la lucha entre el bien y el mal, para darnos una fábula de 2 horas y media en la que vemos como las emociones humanas nos marcan el ritmo de vida y nos corroen, hasta volvernos en personajes, no importa si somos héroes o villanos, que nos movemos creyendo hacer algo, pero obteniendo resultados muy diversos. Es desesperanzador al máximo, triste y negativo, pero es su visión de esta era y razones no le faltan. Y es que si bien es cierto ciudad Gótica, Batman o el Joker son elementos de la más fantasiosa imaginación, pues lo que recrean es perfectamente ubicable en estos tiempos. Pues el Joker ganó, y esperemos que no lo haga en esta vida, aunque va por el camino. Debates de lado, una gran película, un clásico del cine de superheroes (la mejor sin lugar a dudas), pero también ya se ganó un lugar entre las grandes cintas de crimen, pero sobre todo, de aquellas cintas que nos dan una cachetada sobre lo podrido que puede llegar a ser en ocasiones el accionar humano.

PD: Y si le quieren dar el Oscar a Ledger por su Joker, sería lo más sabio que haya hecho la Academia en años. Y no sólo por el sentimentalismo, sino porque en realidad es un villano que representa tantas cosas, y todo gracias a la transformación total del australiano, irreconocible en la película. Sólo lo notamos en esta escena:

...QEPD maestro Heath.

24 razones

2008-05-03T07:55:00.000-07:00

Hace poco se transmitió (como esteno en el Perú) la 5 temporada de 24. Y para mi esta es la mejor de la serie, y en consecuencia, como yo la llamo (a lo Bret Hart), "lo mejor que hubo, lo mejor que hay, y lo mejor que habrá...en la TV claro". Entonces me puse a pensar en las 24 raoznes (haicendo honor al nombre del show) por las cuales la 5 temporada de 24 es sencillamente insuperable:

1.- Tiene la mejor "amenaza" que recae sobre la siempre en peligro Los Angeles: la idea de 20 latas de gas mortífero en toda la ciudad es espeluznante.
2.- Tenemos el mejor inicio de toda la serie: porque hay que tener "balls" para matar a dos perosnaje tan queridos como el Presidente David Palmer y Michelle Dessler en los primeros 15 minutos.
3.- Y luego del inicio, tenemos el subplot del aeropuerto: simplemente atrapante
4.- Jack Bauer es inmortal¡: A pesar de haber sido declarado muero la temporada anterior, Jack nos demuestra que nunca morirá.
5.- Chloe, Chloe, Chloe: esta es LA temporada de la siempre "dulce" Chloe O`Brian, un personaje que se ha convertido en la imagen femenina de 24 (que Kim Bauer se quede en su otro programa) y la favorita de muchos cada vez que suelta una de sus frases llenas de "ternura".
6.- Buchanan is the boss: el buen Bill, ya convertido en uno de los estandartes de la serie, asume el liderazgo (aunque entrecortado durante todo el día) de CTU. A veces nos hace dudar sobre quien es el mejor jefe de CTU...¿Tony? ¿Mason?...seguro nos erá Driscoll, o Nadia, Dios nos libre.
7.- Los "relegados" toman el poder: Esta temporada tenemos mucha más acción por parte de 2 de los personajes secundarios más queridos de 24: Mike Novick (maldito pelado traidor) y Aaron Pierce (que literalmente tuvo "acción" y hablo por todos los sentidos).
8.- Un hobbit como jefe de CTU: Sean Astin, recordado compañero de aventuras de Frodo en LOTR, llega como estrella invitada interpretando al prepotente Lyn McGill, y vale decir que si bien es cierto nos cae super pesado
9.- La temporada letal: esta entrega de 24 se cobró muchas vidas de personajes importantes la serie, a los ya mencionados Palmer y Michelle, tenemos la triste muerte del buen Edgar Styles, en la que debe ser el momento lagrimilla de la temporada, un reloj silencioso muy bien trabajado, pero hay una más...
10.- "She`s gone, Jack": Tony Almeida, que salió muy poco esta temporada (más Tony la hubiera hecho más grande), tiene en sus manos al hombre que asesinó a su esposa, pero su gran lado humano no le permite asesinar a sangre fría...y es él quien termina siendo asesinado. Antes de morir en los brazos de un Jack que parte en llanto, menciona la perdida de su amada. Claro, si hablamos de la "muerte" de Tony Almeida (vean el trailer de la 7 temporada).
11.- Peligro en múltiples lugares: nunca habíamos visto un mejor uso de exteriores en 24, esta vez cambiamos los desiertos o las bases secretas por centros coemrciales, hospitales o plantas de refinería, donde en verdad se siente el terror cotidiano que nos puede afectar en cualquier momento.
12.- Robocop es el bad guy: que bueno fue ver a Peter Weller, más conocido como Robocop, haicendo del ambiguo Cristopher Henderson, ex jefe y mentor de Jack, con su falsa idea de patriotismo y parte de toda la gran conspiración. Un malo muy bien realizado.
13.- ¿Y el ruso?: un malo más hermético, pero el gran arquetipo de malo muy bien llevado y que daba miedo. Vladimir Bierko fue un digno villano para la temporada.
14.- Los "accesorios" de Jack: como olvidar sus espectaculares lentes rojos, pero sobre todo su bolsa ya clásica, donde no paraba de tener mil y un objetos de inteligencia (y eso que ya no trabaja en CTU).
15.- Curtis en acción: que bueno es ver en toda su forma a un personaje cmo Curtis, el cual nunca fue tan desarrollado como Tony o Chloe, pero que con su presencia y actitud se convirtió en favoritos de muchos en su ya segunda temporada. Muchos ya lo extrañan, aunque su partida nos dio al menos El momento memorable de la irregular temporada 6.
16.- ¿Lost en 24?: Henry Ian Cusick, el notable actor PERUANO (nacido en trujillo, pero criado en diferentes partes del mundo), tiene un breve papel como Theo Stoller, un agente encubierto alemán. Con tan solo 2 capítulos, el recordado Desmond de Lost nos da dotes de su gran talento.
17.- "You are gonna tell me what I wanna know, is only a question of how much you want it to hurt": la mejor frase de 24, que guarda toda la escencia de Jack Bauer old school.
18.- CTU es atacada: que gran jugada por parte de los guionistas, aprovechando la amenaza latente de las latas de gas mortal. CTU había sido comprometida antes, incluso una bomba había estallado en la temporada 2, pero la idea de acabar con casi todo su personal con el gas te pone lo pelos de punta, por el miedo, y por la emoción, porque hasta el final no sabemos como Jack y los demás podrán salir de ahí con vida. La trampa y el suspenso en grados efervescentes.
19.- El submarino: totalmente agobiante y con gran dosis de suspenso, porque vamos, tenemos un submarino lleno d egas venenoso, a punto de lanzar misiles nucleares sobre la ciudad, y adentro a Jack Bauer haciendo equipo con su pérfido ex jefe contra los rusos. Suena loco, pero es 24 en su máxima expresión
20.- La pareja del año: el nuevo Presidente Charles Logan y la Primera Dama Martha Logan, peleándose, "queriéndose", uno le dice loca, la otra le dice traidor. Muy bien llevados por todo el día, con sus conflcitos y demostrándonos que no todo es lo que pasa ante cámaras. Además, llevados por dos actorazos como Gregory Itzin y Jean Smart.
21.- Itzin es Dios: ¿Ya mencionamos lo grande que es Gregory Itzin? Porque su actuación ha sido, sin contar a las de Kiefer, la mejor en la historia de 24. Y nos trae a Charles Logan, un inseguro, prepotente, ambicioso, intranquilo, hipócrita y pérfido Presidente de los Estados Unidos. Luego de tener al íntegro y honesto David Palmer por 3 temporadas, Logan entra en la cuarta y ya nos dábamos cuenta de su nivel como mandatario. Pero su imagen de pusilánime Jefe de Estado se convirtió en una de ser curel, malvado, que es capaz de sacrificar a muchos, con la intención de asegurar (que casualidad cone stos tiempos) la "seguridad nacional". Charles Logan es el mejor villano de la historia de 24, y el 3 mejor personaje de la serie (lueog de Jack y Tony claro)
22.- El "standoff" final: Jack VS Logan, ese encuentro es LA escena de la 5 temporada. El encuentro final, marcado por un Logan lleno de miedo (la expresión de Itzin ya bien le valía el Emmy y todos los premios) y por un Jack lleno de ira e impotencia, que había luchado 23 horas y, como siempre, nuestro héroe seguía de pie, buscando la salida a esta nueva situación. Pero esta vez no se trataba de encontrar la bomba o atrapar al terrorista, esta vez se trataba del Presidente de los Estados Unidos. Y que encuentro actoral, Kiefer VS Itzin, mejor nivel interpretativo difícil de encotnrar en la pantalla chica. Sin balas o bombas, esta fue una de las escenas más explosivas de 24.
23.- El giro final: que gran "final twist", cuando todo parecía que saldría muy bien y veríamos por fin un día acabar a Jack sonriendo y con su amada, entran a escena los chinos y el maldito de Cheng Zhi (como te odiamos) para secuestrar a Jack y condenarlo a 18 meses de tortura en tierras asiáticas, hasta que el Día 6 empezara. Como diría un despistado: "I didn`t see that coming".
24.- Finalmente, que grande es Kiefer Sutherland. Un Emmy merecido a Él y a la temporada. Kiefer es un monstruo como Jack Bauer, pero esa temporada nos dio lo mejor de su talento. En el Día 5 vimos todas las caras de Jack. Sin 24 y sin Bauer, todos estaríamos muertos del aburrimiento.

...faltan 8 meses para el Día 7.

PD: se vendrá luego: "24 razones por las que el Día 6 fue el más flojito de todos".

Cuando la ley no basta

2008-03-29T06:12:00.000-07:00

Es decir, siempre. Y es que la ley es una de esas cosas llena de buenas intenciones, pero que generalmente se muestra insuficiente para detener las acciones que van contra la tan mellada armonía social. ¿Quièn no ha tenido alguna vez alguna queja contra la policía? Pues bien, si quieren entender cómo una nueva forma de enfrentar el crimen puede resultar eficiente, The Shield es un show más que interesante. Llamado en español "El Escudo", esta serie cuenta las luchas constantes que mantiene una unidad especial de combate contra el crimen y que cuenta con carácter experimental. Situada en Los Ángeles y teniendo a una iglesia como centro de operaciones, este equipo mantiene una posición de detener cuanto drug dealer o gangster se les cruce. Es así que tienen un equipo que se encarga de combatir directamente a estos agentes negativos, y para lo cual se basan de las más "pintorescas" técnicas, siempre liderados por el rudo detective Vic Mackey (Michael Chiklis), quien pertenece a esta ola de personajes carismáticos pero que en verdad son unos verdaderos villanos (aquí también encontramos a Jack Bauer o Tony Soprano).

Siempre es bueno separar las series en planos. Yo lo hago generalmente en dos: la parte audiovisual (siempre la más importante) y la parte que transmite (no un mensaje de moralina, sino más bien esa coyuntura que trata y que nos hace pensar). The Shield es una serie innovadora en cuestión audiovisual. Grabada en 16mm, le da ese aspecto "gris" de realidad. Ese era uno de los objetivos originales del creador Shawn Ryan: darle un apsecto real, casi de de documental, a la serie. El tamaño pequeño de la cámara permite un manejo que le da gran movilidad a la escena y agilidad a la serie. Una cámara que de un momento a otro realiza un zoom o un enfoque exacto en determinado detalle de la escena, algo que lo convierte en un personaje más de la serie. Además cuenta con recreación muy real de tanto las situaciones policiales como del pandillaje de Los Ángeles. Aquí no hay policías bonachones o fervientes seguidores de la ética. Plagado por un ambiente racista y sexista, la unidad alcanza un nivel eficiente a pesar de las ambiciones secretas y luchas entre los miembros de sus equipos. Y cómo no Vic Mackey está por encime de todo a la hora de hablar de las "perlitas" de este equipo. Pero el tipo puede ser un corrupto, violento, inmoral, prepotente o malhumorado, pero nos cae bien. Y es que el buen Vic necesita de todas esas cualidades para combatir el crimen. No es que yo de una excusa más (como las que atañan a 24 también) de que el fin justifica los medios. Pero para Vic funciona así, y viendo los índices y excesos que alcanzan los diversos agentes de actividades ilegales, las tácticas de el Escudo no solo funcionan, sino que finalmente resultan las únicas rentables.

Esto es lo que nos transmite la serie, que los mecanismos utilizados para combatir el crimen tienen que necesariamnete ser de la misma "clase". Basura se combate con basura es la presente coyuntura y Vic Mackey la entiende muy bien, a pesar de la desaprobación de muchos de sus compañeros, incluso de sus amgios. Pero una desaprobación de la boca para afuera, porque todos saben (incluidos los siempre "correctos" Aceveda, Claudette y Dutch) que sin Mackey y su equipo, todavía estarían debatiendo si es legal arrestar a tal sujeto por esto, o si está permitido mantener a alguien en una celda por determinadas horas. Mackey combate el crimen, y la siempre pesada burocracia legal. En sí, es una de las series más polémicas de la actualidad y ya se va por su 7 y última temporada. Pero The Shield ha marcado hito por su innovador tratamiento visual y su valentía al mostrar un retrato tan deplorable como real del mundo policiaco. Vic Mackey es uno más de esos antihéroes modernos, pero uno de los más fuertes como personaje y como presencia. El líder del escudo absorbe todas nuestras dudas y conflictos morales que nos rodean en estos tiempos en los que no sabemos como combatir el crimen (si es que no nos entregamos a él). Nota aparte para Michael Chiklis, quien está soberbio como el rudo Vic, dándonos ese retrato de un hombre dispuesto a traer devuelta la justicia, así sea por los medios más nauseabundos que existan. Un hombre destruido por su lucha, separado de su familia y sin amigos, pero que no duda en traficar droga o matar testigos para logar lo que muchas veces el papeleo y el debido proceso no pueden: dejar que la ciudad respire, aunque sea por un minuto, de manera tranquila.

Daniel y toda la sangre: el monstruo que no podía ser humano

2008-03-02T17:38:00.000-08:00

El camino hacia el Oscar 2008 ha concluido, y "No Country For Old Men", aclamado film de los hermanos Coen, se ha coronado como la mejor cinta del 2007. Y consideré que el premio fue justo, a pesar de que fueron otras películas las que me entusiasmaron (Michael Clayton) o las que me parecieron unas obras maestras (Atonement). Pero esto se debe a que no había visto a la que es LA obra maestra, el film cautivador, poderoso, rotundo, emblemático y cuya fuerza empalma con esa belleza artística que logra llegar a lo más profundo de nosotros: esa es "There will be blood", o "Petróleo Sangriento" o "Pozos de ambición" (otra vez con los "correctos" títulos traducidos). Estamos simplemente ante la mejor película del año, y ante la mejor cinta americana de los últimos tiempos.

La historia narra la lucha constante de Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) por salir adelante. Como un humlide minero, va contra la corriente por surgir en un mundo en el que está aparentemente solo: sin hijos, sin mujer y con una familia distanciada. Es así que Daniel encuentra por casualidad ese elemento que marcará toda la película: el petróleo. Todo lo que acarrea este material se vive hasta nuestros días, en el que el progreso y la riqueza se conjugan con la avaricia y las envidias. De esta maneta, Daniel, en la compañía de su (hasta entonces) fiel hijo (y compañero) H.W. busca tierras donde el petróleo aflore y lo convierta en lo que el siempre ha soñado: un hombre de progreso, duro y áspero, pero que sale adelante por sobre su ´precaria situación inicial. Lo que vemos entonces es la historia del progreso de un hombre, que ejemplificará a su vez el desarrollo de una nación. Es así que este film de largo aliento nos entrega en primer plano todo lo que aocntece en la vida de Plainview, sus caídas y aciertos, aunque ambas marcadas por una cosa: la sangre. Y es que aquí radica tambíen el título de la cinta (que está basada en una novela titulada Oil¡), en la que decida lo que decida, triunfe o llore, lo que produzca Daniel y su tan ansiado petróleo, traerá cosas positivas y negativas, peor serán estas las que finalmente marquen el rumbo de su existir. Porque si bien podemos apreciar a Daniel como un monstruo sin corazón, es en el fondo uns er humano, que decide dar esa impresión de impenetrable y poderoso para no ser condicionado por los siempre traicioneros avatares humanos de la vida. Lo que hace cruel y desalmado a Daniel es su miedo a sentirse humano. Y es que todo progreso va con sus cotnras, en este caso, el desarrollo material (beneficio económico) conlleva el deterioro emocional (derrotas en el campo social y familiar). Y esto lo podemos ver en todos los aspectos de Daniel: en su gastada relación con su hijo a partir del accidente, en su disputa contra el predicador (Paul Dano) en cualquier actividad pública que se presente, en su deseo de ser el "nuevo jefe" de este pueblito subdesarrollado, y por ende ser el "salvador", el que traiga los trenes y el pan, el que traiga el progreso. El retrato de Daniel no es otro que el de aquel personaje con ambición pura, esa de querer abarcar todo, y que termina dándose cuenta que el todo es imposible de alcanzar, en las películas, y en la vida misma. Daniel termina siendo un perdedor, luchador es cierto, pero que cae (y no puede salir) de aquel pozo más negro que su petróleo que es la infelicidad y, sobretodo, la insatisfacción. Daniel sabe que es un monstruo, y lo peor es que sabe que tiene que seguir siendo de esa manera, porque sino todo lo que habrá lograod se irá al tacho.

Está claro que casi toda la película se centra en Daniel Plainview, y como tenía que ser, este es retratado por un actor con la fuerza necesaria para cargarse con las casi 3 horas de film. Y el responsable es Daniel Day-Lewis, quien nos da una actuación formidable. Él es Daniel Plaiview, desde la voz hasta la mirada triste, desde la violencia con la que abofetea al predicador hasta la disfrazada tristeza con la que recibe (y despide) a su hijo. El Oscar para Day-Lewis es justísimo, a pesar de que muchos no les gustó su sobreactuación. Es cierto, Daniel Day-Lewis sobreactúa, pero esa es la escencia de estos personajes. Grandes hombres siempre vienen con grandes defectos. Plainview es un luchador, un perro ambicioso, que busca más y más sin importar que se deterioren al mismo tiempo sus relaciones afectivas o su imagen. Y así es como tienen que ser representados, porque así son. Estos megalómanos son la representación pura del personalismo, el egocentrismo y la lucha por traslucir ante una población opaca. Ellos saben que pueden hacerlo, saben que tienen las condiciones para lograr sus metas, y saben que con eso son los más grandes. La actuación de Day-Lewis es exagerada porque representa a un personaje exagerado. Y lo hace con todo, la fuerza del film es dada por el motor Day-Lewis. Esto lo podemos ver en la escena final, una tremenda escena que cierra el confrontamiento entre Plainview y el predicador, teniendo como fondo un salón de bolos (contraste con todo el desierto qeu había servido de escenario a lo largo del film) y frases como: "Me tomaré tu milshake". Algo que pudo terminar siendo ridículo temrina siendo una de las escenas más significativas (y seguramente históricas) del cine norteamericano de principios del siglo 21. La ridiculez y el histrionismo son las banderas por excelencia para representar a estos personajes que se ahogan en sus exacerbados personalismos e impulsivos deseos.

Y el gran artífice de toda esta genialidad es el director Paul Thomas Anderson. Logra darle un toque de todo al film: grandeza, tristeza, melancolía, insatisfacción, delirio, locura, ira, poder, codicia, frustración, traición, dolor y un perenne sentir de fatalidad. PTA logra darle personalidad a este film, juntando su talento y su mano sensible y artística con los otros recursos técnicos: espectacular fotografía (ganadora del Oscar), una banda sonora desconcertante como el film mismo, y una ambientación adecuada. Todo se combina en la antológica escena del accidente que traerá consecuencias sobre el el hijo de Plainview. Es ahí donde la tensión se mezcla con la locura, y el fuego de las explosiones nos dan en el alma al ver como el rostro de Plainview, manchado por el petróleo, es cada vez más monstruoso. PTA logra transmitirnos las emociones y las sensaciones del film y de los personajes, y a pesar de su duración, nunca nos despegamos de las vivencias de todas estas personas que, como reza un dicho y una canción, son solo soldados del destino, piezas de esta gran mapa mundo. Y Plainview solo es la más grande de todas, pero pieza al fin. La lucha por sobresalir (y sorbevivir) en este mundo salvaje lo hace como es. En sí, no solo se levanta una crítica a loo inicios de la formación de la sociedad americana, sino a la coyuntura mundial actual a su vez.

PTA y Day-Lewis son los pilares del film, aunque acompañados de aspectos técnicos notables y actuaciones secundarias correctas, pero es necesario rescatar a Paul Dano, el joven de Little Miss Sunshine nos deleita nuevamente con una actuación sorprendente, como el cínico y falso predicador Sunday, siendo sutil cuando hay que serlo, y sobreactuado (como el personaje de Day-Lewis) cuando hay que serlo, al fin y al cabo, como Plainview, es otro loco poderoso qeu cree tener la sartén por el mango. Si no tenía opciones de ganar (Bardem era la ficha asegurada), una nominación no estaba de más. "There will be blood" es un clásico instantáneo, una gran película que quedará marcada en todos las que la hemos visto por lo que transmite, por lo que nos provoca, en el sentir y en el pensar, pero sobre todo, por mostrarnos en la exageración, la locura y el delirio todos los hábitos (y males) de nuestra alicaída sociedad.

Puntuación: 19/20

Mis favoritos

2008-02-24T06:54:00.000-08:00

Y acá la clásica predicción de los ganadores del Oscar para esta noche. Veamos en cuantos acertamos:

Mejor película: Atonement
Mejor Director: Joel y Ethan Coen
Mejor actor: Daniel Day-Lewis
Mejor actriz: Julie Christie
Mejor actor de reparto: Javier Bardem
Mejor actriz de reparto: Saoirse Ronan
Mejor guión original: Michael Clayton
Mejor guión adaptado: Atonement
Mejor película animada: Ratatouille

Solo queda esperar hasta esta noche para saber los que salga triunfadores de la no siempre justa (sino que lo digan Hitchcock o Kubrick) pero innegablemente glamorosa ceremonia de los Oscars.

El camino al Oscar 2008: Atonement

2008-02-15T16:26:00.000-08:00

"Atonement", o Expiación: deseo y pecado (cuando no los "deliciosos" agregados a los títulos originales) es la que podríamos llamar "potencial sorpresa" en la entrega de los Oscars este domingo 24. Las ampliamente favoritas son "No Country for old men" y "There will be blood", mientras que "Juno" o "Michael Clayton" son de esos films que siempre completan la lista y que con su mera nominación ya han tocado el cielo. Pero Atonement es la que podría dar el batacazo, y es que de las 5 cintas nominadas es la que toca el tema que la Academia encuentra más atractivo: los avatares de un amor que parece imposible en medio de las penas y destrozos que conllevan las guerras. Sino recordemos películas premiadas como la ya clásica "El Paciente Inglés" o porqué no otro amor imposible épico, no en medio de una guerra, pero sí con una catástrofe de la vida real como contexto, en "Titanic". Y si la Academia tiende a preferir estas historias, nosotros los expectadores no podemos quedarnos atrás a la hora de seguir, reir, sufrir y hasta interiorizar todo lo que acarrea la concepción, consumación y posible frustración que el "buen amor" (léase amor que valga la pena vivir) provoca tanto en los amantes como en nosotros los empedernidos voyeurs.

Atonement narra a primera vista la difícil relación entre la acomodada joven Cecilia (Keira Knightley) y Robbie (James McAvoy), el hijo de la ama de llaves de la casa que de alguna manera ha sido acogido en el seno de la familia para la cual trabaja. las siempre presentes distancias sociales y prejuicios son las trabas para este amor juvenil en el que la pasión triunfa finalmente sobre la represión. Pero el film nos otorga otra perspectiva, una tercera persona que no llega a ser lo suficientemente presente (o adulta) para hacer de esta relacion un triángulo. Y es que esta tercera persona es la pequeña Briony (interpretada de niña por Saoirse Ronan). Esta es una niña prodigio, que a la edad de trece años ya ha escrito una obra de teatro y tiene una percepción de las cosas algo más madura que los demás niños de su edad. Pero como toda niña, tiene "debilidades", y esta es esa admiración-ilusión (crush en otras palabras) por el joven Robbie. A su corta edad, la pequeña Briony ya sabe lo que es la obsesión...y también lo que es la decepción. Y es que al ver a Cecilia y Robbie en una pelea llena de coqueteos al costado de esa pileta que "desnuda" el deseo que los envuelve, la niña se percata de la realidad, que sus sentimientos pesan igual que una pluma, y la no correspondencia de su amor es una realidad tan dura como el sonar de las teclas de su máquina de escribir. A ritmo de ellas, Briony corre, escapa, porque sabe que los sueños de niña raramente se cumplen. Es así que ella, en su faceta más dura, aprovecha la coyuntura y logra que el joven Robbie sea apresado bajo cargos de violación. De esta forma, la niña a distanciado a la pareja, y ese "logro" se convertirá en su culpa desde ese momento.

Es así que la película no solo nos narra las penas, los reencuentros y calvarios de la pareja a través d ela Segunda Guerra Mundial, sino que se enfoca en la posición de la ya crecida Briony (interpretada ahora por Romola Garai), quien años después sigue cargando la culpa de esa acusación falsa que lanzó cotra Robbie para así impedir el juvenil amor que tenñia con su hermana Cecilia. Los celos de una Briony niña se convirtieron en mentira, en delito, y ahora es culpa en la Briony adulta, ahroa es su cargo de conciencia, su pecado que marcará un tiempo de expiación sin fin. Y todo este peso moral se ve reflejado en el rostro de Briony, que a fin de cuentas, termina siendo la protagonista de esta historia. Y es que se nos muestra finalmente a una Briony entrada en años (Vanessa Redgrave), que en vísperas de su muerte publica lo que será su última novela, que lleva el título de la pélicula. Ella nos indica que se trata de una novela autobiográfica, en la que no ha cambiado ningún detalle, ni siquiera los nombres, pero cuyo final si fue modificado, con la intención de darles a los trágicos amantes lo que no se les dio (o les quitó la niña Briony) en la vida real: felicidad.

Debo decir que "Atonement" es de las pélículas más hermosas y sensibles que he visto últimamente. En gran parte a la habilidad de su director Joe Wright quien nos da una narracíón intrépida, que a pesar del tema o el contexto no se hace lenta, sino más bien atrapante y con ribetes de originalidad. Lo de los mismos momentos con diferentes perspectivas nos permite profundizar en el tema de esta película. Y es que el amor puede ser cosa de dos, pero todos los demñas tenemos perspectivas de este tema. Así, lo que pudo ser un lazo irrompible para Cecilia y Robbie, se convierte en una pesadilla marcada por la mentira debido a los sueños rotos y celos incontenibles de la niña Briony, quien al ser relegada por los amantes, usó las situaciones para convertir un amor de ensueño en una pesadilla con dimensiones bélicas. Wright nos muestra con pulso, estilo y personalidad las desventuras de Robbie en eld esarrollo de la guerra. Para destacar esa espléndida toma contínua que nos muestra a Robbie y sus compañeros viendo los resutlados del enfrentamiento y el posterior embarque en la playa de Dunkerque. En esa simple toma sin edición, se nos muestra la totalidad de la guerra, sus resutlados y consecuencias, que vand esde la total destrucción hasta la falta de esperanzas, pasando por el desgarramiento humano y la feliz locura aumentada por los litros de licor. Muy lejos de ello, el joven Robbie, con un beso cinematográficod e fondo, añora regresar con su amada Cecilia. La maestría de Wright está en mostrarnos una cara de "Atonement" en estas secuencias, que finalizan con la trsiteza del joven protagonista en la pequeña salita de cine. Es de resaltar entonces la sorpresiva y sobreslaiente performance de James McCavoy como en un principio encantador Robbie, para terminar como un soldado sin esperanzas, enfermo de amor. Mccavoy demuestra que no oslo tiene lo necesario para ser un galancito inglés más, sino que tiene la fuerza y el porte para darle vida a este héroe marcaod por el desamor y la tragedia. Es así que creo que hubo una gran omisión a la hora de no concederle alguna nominación a este prometedor actor. Claro que si de omisiones hablamos, la principal es la de Joe Wright como mejor director. Totalmente inexplicable.

Pero la que se roba la película por sobre los amantes protagonistas o la espectacularidad de la guerra, es Briony, uno de los personajes más desconcertantes e interesantes que he visto en el cine. A la ya descrita carga que tiene en su cabeza, esa culpa que la consume y no la deja respirar o sonreir, y que finalmente la lleva a elegir un trabajo (de enfermera en plena guerra) que la mantenga ocupada para así no pensar en toda la desdicha que causó. En gran parte, el dolor de este personaje y el interé que nos causa se lo debe a las actrices que la interpretan a lo largo del film. Con toda la experiencia de su magnífica carrera, la veterana Vanessa Redgrave nos da en 5 minutos de aparición una lección de como actuar como una vieja enferma terminal con dignidad y desprecio hacia lo que hizo al mismo tiempo. Esa expresión y la voz narrando el porqué del final de su libro son impagables. Muy bien también Romola Garai como la joven Briony, con esa mirada impenetrable y que, muy consiente de lo que hizo, parece que no estuviera en este mundo, y que en realidad pasaba todo el tiempo en su cabeza, tratandod e liberarse de la culpa de sus pecados. Finalemente, prefiere escapar a través de sus escritos en lugar de encarar la realidad del dolor causado en la pareja. Pero la joya de este film, la sorpresa total es la niña Saorse Ronan, y si bien es cierto que en el post anterior me quedé rendido a los pies de Tilda Swinton por su actuación en "Michael Clayton", creo que la niña Saorse es la grata revelación del año y la de mejor actuacón en su rubro (sin ver todavía a las grandes favoritas Cate Blanchet y Amy Ryan). La niña nos da una actuación poderosa, conmovedora, y en la que entendemos las decisiones de esta niña, que por más llenas de caprichos y hasta de mala intención estén, podemos entenderla y de alguan manera compadecerla. Que alegría cuando una infante de estas ligas aparece (no a lo Dakota Fanning, la niñita insufrible de la Guerra de los Mundos, sino a lo Abigail Breslin y su encantadora Little Miss Sunshine). Ese "Yo lo vi" de la pequeña Briony es lo que marca a "Atonement", una decisión que se conveirte en culpa, que se convierte en remordimiento y sacrificio (que hubiera sido un subtítulo más acorde que deseo y pecado...por dios).

Estamos ante una gran película, que si la Academia regresa a sus andanzas y ve su tema, la premiaría sin dudas. Gran diseño de producción, fotografías, vestuarios, y sobre todo una múscia perfecta (inolvidables y profundos acompañamientos con las teclas de la máquina de escribir) son las pequeñas gemas que junto a la notable dirección de Wright, las grandes actuaciones de McCavoy, Knightley, Garai y Redgrave, pero sobre todo de la niña Ronan, conforman una joya cinematográfica, sensibles como ninguan otra película de estos tiempos, que en lugar de rellenarnos con los ya cansinos efectos especiales o regresos de héroes ochentero que bordean los 60, nos devuelven lo que parecía perdido en el cine: fibra sensible, no fresa, sino de las raíces mismas de la vida, de la escencia de este motor que hace que nos movamos y vivamos, esta película que nos devuelve las ganas de obtener ( y porqué no perderlo para ganarlo de nuevo con más esplendor) eso que marcaba a Cecilia y Robbie: el amor.

Puntuación 19/20

El camino al Oscar 2008: Michael Clayton

2008-02-07T14:10:00.000-08:00

La película más criticada de esta edición 80 de los Academy Awards. "Michael Clayton" ha sido acusada de sobrevalorada, políticamente correcta hasta la saciedad, o de basar todo su éxito en la persona de George Clooney. Pero este film tiene muchos acietos para ser atacada de esta forma, y su lugar entre las "5 grandes" está bien ganado. "Michael Clayton" narra la historia de su homónimo protagonista (Clooney) el cual es el responsable de solucionar todos esos problemillas que incomodan al estudio de abogados en donde trabaja. Puede ser un buen litigante, un competente abogado, pero es el MEJOR en lo que hace: un conserje, como él mismo se describe, que soluciona todos los messy problems. A lo largod e la película vemos como Clayton lucha contra todos y todo por descubir la verdad que se esconde tras el extraño comportamiento de su hasta entonces correcto compañero (Tom Wikilson) en medio de una disputa jurídica en la que se ve envuelta una compañía (de las grandes) que como siempre da un bonito discruso pero de lo que se encarga en realidad es de matar el medio ambiente (tema tan de moda para algunos hoy en día).

La película está bien narrada, manteniedo ese (al menos para mí) delicioso suspenso que nos pueden otorgar estos films de problemas judiciales e intriga cuando son explotados de la manera correcta. Se me viene inmediatamente el ejemplo del magnífico film de Michael Mann "El Informante" (The Insider) el cual derrocha gran cantidad de suspenso al enfocar desde las amenazas al protagonista hasta la toma de sus decisiones. Michael Clayton es una película que cumple la misión principal de toda cinta: mantiene su interés a lo largo de su duración. Y se lo debe en gran parte a la muy buena performance de George Clooney. No sabemos que fue más criticado, si la nominación de la película o la nominación de Clooney como Mejor Actor. No será el mejor interprete de la historia o de su generación, es más, como director demuestra más cualidades que como actor, pero el personaje que construye se carga la película y no desentona. Clooney tiene momentos para actuar como Clooney, pero trata de salirse de esa persona (cosa que lo ha marcado a lo largo de su carrera) para decirnos que lo que estamos viendo en pantalla es la historia de Michael Clayton, un hombre cuarentón con problemas familaires y que no duerme y come por casi 48 horas con la única misión de salvar el honor de su amigo y sacar a relucir la verdad. Clayton es un antihéroe, porque si bien es cierto que se pone como el baluarte de la lucha de la verdad contra las tapaderas llenas de mentiras y encubrimientos de las grandes emrpesas, no pasa de ser un padre deficiente, ludópata y que aprovecha muy bien sus cualidades para arrastrarse (como toda serpiente) y bajar al submundo donde siempre sabe que golpe acertar para lograr sus objetivos. Pero Clayton está marcado por la frustración, por el siempre salir airoso pero nunca con recompenza (o por derrochar o malgastar la poca que obtiene), por lo que la situación con su compañera y la gran empresa es una ventana abierta hacia la reivindicación, el poder comprobarnos (y comprobarse a sí mismo) que siempre hay una oportunidad para seguir haciendo lo que haces pero con otros objetivos, unos un poco más admirables. Clooney y su Clayton nos transmiten simpàtía, nos podemos identificar con él, y todo gracias a su limpia performance, alejada (aunque nunca totalmente desapegada...eso es imposible en el buen George) del Clooney persona.

Los secundarios también destacan. Wikilson cumple una gran actuación como el desestabilizado Arthur, pero veo casi imposible que le pueda arrebatar el Oscar a un monumental Javier Bardem en "No Country for old men". Sydney Pollack correcto como siempre, pero es Tidla Swinton la que me cautivó por completo. Como esa fría, metódica y presionada mujer emprendedora de las grandes corporativas, Swinton nos da en su frialdad una gran perfromance como la cara gélida de las empresas. La presión y la duda corre por la mente de su personaje, pero a la hora de las decisiones, siempre tiene una determinación que desconoce los más netos instintos humanos. Una actuación perfecta, y creo que sus bonos como mejor actriz de reparto pueden subir. Gran música, guión por supuesto, y buena labor de Tony Gilroy, quien demuetsra tener nivel tanto para escribir guiones como para situarse detrás de cámaras.

Tal vez mi única queja contra la película sería la innecesaria explicación de la escena de la bomba en el carro, porque no solo juega mal con un suspenso falso, sino que deja como unos incompetentes totales a los matones de la empresa (y eos que ni siquiera menciono a los caballos milagrosos). Pero "Michael Clayton" es una cinta con nivel, bien estructurada, que nos deja pensando, pero sin darnos sermones o dilemas a la fuerza, sino basando su fuerza tanto narrativa como reflexiva en el guión, las buenas actuaciones, y la acertada dirección, las 3 torres que hacen un buen film. Nada más ofrece Michael Clayton, no se compromete, y eso es suficiente. Entretenimiento, calidad, y reflexión, tres cosas que nos da y con esas, siempre, somos felices tras salir del cine.

Puntuación: 18/20

El camino hacia el Oscar 2008: Juno

2008-02-02T10:51:00.000-08:00

Llegamos a la segunda película de las 5 que aspiran al Oscar; se trata de "Juno", film que narra las (des)venturas de una joven de 16 años (Ellen Page) que descubre que está embarazada, y todo lo que ello acarrea. La trama parece simple, y en sí el tratamiento lo es, pero esta "comedia" contiene un espíritu que la diferencia de esos repetitivos prototipos de comedia de adolescentes. Con un guión notable (con excepcion de una u otra incongruencia) y actuaciones sólidas, "Juno" se convierte en la sorpresa del Oscar, y en verdad es muy merecido, pero el baluarte fundamental de esta cinta tiene nombre propio: Ellen Page.

El film dura apenas una hora y media que la pasamos muy bien, viendo todo lo que conlleva estar encinta a la temprana edad de 16 años, y lo que pudo caer en cualquier bache lastimero, la película mantiene siempre en alto a su protagonista, quien con una madurez sorprendente (de las que muchos niños y niñas necesitan), pero sin perder ese pensamiento impulsivo y tierno de todo joven, contiene sus problemas y las presiones externas para simplemente dar respuetsa a todo de la manera más simple. Los grandes pueden criticar esto, que el mundo no es tan simple, pero la novel e inteligente Juno es práctica y va a la acción ante cualquier situación que la incomode, sea para regalar a su bebe el cual sabe que no podrá cuidar mientras que sufre los desbalances amorosos propios de su edad. Ya sea en su relación con sus padres o con la pareja que adoptará al bebé o con el promiscuo padre de su hijo, Juno resuelve todo son ese dulce temple que la caracteriza de principio a ¿fin? Bueno, y es que Juno falla notoriamente en sus últimas secuencias. Sobre todo, me refiero a la resolución de la relación entre Juno y su novio-compañero. Después que la decidida Juno supera las dificultades e indecisiones producto de los frágiles comportamientos de los adultos, se encuentra con un joven (que más parece niño traumado) padre de su hijo que se había despreocupado del tema, no queriendo ni ver al niño. Bueno, los que seguimos toda la película el movimiento de nuestra exquisita protagonista, sin duda nos decepcionamos con su decisión de reconciliarse. En fin, por más madura y suelta de huesos, todo joven guarda un poco de estupidez (léase "supuestamente" amor) en su cerebro.

Finalmente, destacar a Ellen Page por este magnífico personaje y estupenda actuación que nos regaló. Nominada al Oscar como mejor actriz, difícilmente ganará, teniendo veteranas favoritas (como Julie Christie) o actrices favoritas de muchos (Cate Blanchet, y me incluyo en sus hinchas), pero Ellen o "Juno" ya se ganó nuestros corazones con esta comedia (dramita) lleno de vida, alegría, y que deja moraleja con la mejor (tal vez única) manera de hacer esto posible: sin tratar de dejar enseñanza. Todo en Juno llega directo al corazón, arrancando risas y conclusiones, para nosotros los jóvenes, pero también para todos los que nos rodean. Para chicos y sobre todo grandes.

Puntuación: 17/20

El camino hacia el Oscar 2008: No Country for old men

2008-01-28T18:22:00.000-08:00

Empezamos la lista de reseñas de aquellas películas que espero este 2007 y además de las favoritas en la época de premios esta temporada. Y la cinta que inaugura esta sección no es otra que "No Country for old men", la que para muchos es la candidata para llevarse el Oscar a mejor película. Esta no es otra que el tan hablado film de los hermanos Coen, quienes tienen una interesante filmografía y que parece que por fin han conseguido la tan ansiada consagración. Debo decir que me dispuse a ver esta película con altas expectativas, pero terminé con sentimientos encontrados.

La historia juega con los géneros de suspenso, drama, algo de comedia negra y hasta el western. Siguiendo la línea de los Coen, se presenta un mundo lleno de apesadumbrados antihéroes que luchan con aquellos dilemas morales que ponen a uno en más de un apuro. Tenemos tres personajes clave por así decirlo. Está Moss (Josh Brolin) quien una tarde cazando se encuentra con los "resultados" de una matanza entre traficantes, a lo que se suma un maletín con gran cantidad de dinero. Un primer conflicto de los muchos que perseguirán a nuestro "supuesto" protagonista es el hecho de tomar o no un dinero que está sucio (producto del tráfico de drogas), tomando a la vez el riesgo de que los verdaderos dueños de ese dinero vuelvan a buscarlo. Pero Moss decide tomarlo y así empezará la cacería en su contra, en gran parte teniendo al sicario Anton Chigurh (Javier Bardem) atrás de él, paso a paso, con la única intención de asesinarlo, pero también estará el Sheriff Bell (Tommy Lee Jones) quien como autoridad del pueblo tratará de develar el misteiro alrededor de los cadáveres de los traficantes mejicanos. Empieza así una película que trata de mostrarnos que nadie está a salvo, que en verdad todos son vulnerables, desde el señor del carro que es intempestivamente asesinado con un balón de oxígeno (marca registrada del asesino) hasta el mismo sicario. Como lo dice el título en español, en realidad este es un condenado mundo peligroso, en el que no hay lugar para los débiles. Es así que los Coen juegan con el destino y los caprichos del mismo, en el que el tiempo y espacio pueden derrumbar (herir o matar) a cualquiera de nosotros (personajes) como simples piezas de ajedrez. El mayor ejemplo de ello es el juego de cara-sello de la moneda con el que Anton le agrega más morbo a sus terribles actos. El film ilustra bien sus temas, es fiel a sí mismo en toda su duración, y mantiene siempre una estructura narrativa compacta, sólida, pero no por eso con algunas fallas, propias más de la misma historia que de su narración (en la cual los Coen son muy eficientes, sino revisemos la magistral "El hombre que nunca estuvo").

Es la misma historia la que hace que decaiga "No country for old men". Esta parte de la crítica contiene más spoilers todavía, así que cuidado. Tengo la impresión que la trama nos traiciona, o nos "jala la alfombra" para dejarnos sin piso. El supuesto "protagonista", Moss, es asesinado de la manera más imprevista y hasta desconcertante. Esto no es un recurso negativo para nada. Recordemos Psicosis del maestro Hitchcock, en la que la "protagonista" es asesinada (magnífica y recordada escena en la ducha) a los cuarentaitantos minutos del film. Recurso sorprendente con resultados chocantes. Pero, ¿porqué esto no es adecuado en el film de los Coen? Primero por el tiempo, ya que Moss muere a la hora y media de avanzada la película. Para ese entonces, ya nos habíamos metido de lleno con Moss y esperando cual será su siguiente pericia para librarse del asesino Anton, pero este es asesinado así de la nada, ni siquiera mostrándonos la secuencia o la acción que provocó su muerte (un tiroteo contra los mejicanos). Simplemente sale el plano del Sheriff Bell llegando a la habitación para encontrar su cuerpo. No fue lo adecuado porque con Moss fuera del universo de la película, tenemos que apoyarnos en el que vendría a ser el otro "héroe" del film, el Sheriff Bell, quien durante todo el film había sido, sino olvidado, dejado en un tercer y hasta cuarto plano. Tommy Lee Jones no tiene la culpa (es más, su actuación es tan correcta como siempre), sino que la historia no lo trata bien, lo relega, perdiendo la oportunidad de explotar al máximo a este personaje marcado por el aburguesamiento de una prolongada carrera y que se encuentra el el dilema clásico de todo lo que produjo en su vida. No sabemos si era intención de los Coen o termina siendo un error de tratamiento, pero el film nos deja sin base firme en la cual apoyarnos, aunque afrotunadamente está ese otro personaje, el cual se ha convirtido en uno de mis preferidos: el mercenario Anton, interpretado de manera magnífica, notable, sobresaliente por el español Javier Bardem, el cual se ha llevado un sinúmero de premios y el Oscar sería la cereza en este pastel que lo temrina consagrando. La expresión de su rostro, su ritmo pausado y metódico, su mirada y hablar temerario, su movimiento total como asesino, como un loco de remate en busca de sangre y todo lo demás son sencillamente geniales para componer a este personaje. Vale sino recordar la escena, de las primeras, en la que estrangula a un policía. ese rostro quedará marcado para siempre. Y en sí, el personaje de Bardem es el más interesante del film, y el que finalmente nos temrina despertándo más emociones y por el cual nos interesamos más. Personaje clásico de los Coen, no está exento de situaciones cotidianas y "rarezas" psicológicas propias de todo ser humano.

Técnicamente, No Country for old men es impecable, especialmente con esa bellísima fotografía y el buen accionar del reparto. Tendré que esperar por There Will Be Blood (con la que competirá el Oscar a mejor película seguramente) para juzgar cual es mejor, pero este film de los Coen me deja con esa conclusión ya clásica en mí: hay películas buenas, notables, pero que a veces no llegan allenar el ojo de uno. No Country for old men es una de estas, largometraje muy bueno, fuerte, pero que por ciertos desatinos con los personajes y con la historia no me atrapó del todo. Eso sí, los hermanos Coen demuestran oficio, en la dirección, en la narración, en la dirección de actores. Tiene su lugar en el quinteto de nominados a mejor film para el Oscar bien ganado, pero pensé que me cautivaría un poco más. Para el recuerdo eso sí, Bardem y ese pedazo de personaje.

Puntaje: 16/20

Q.E.P.D Heath Ledger

2008-01-22T15:57:00.000-08:00

Navegando uno encuentra noticias que lo sorprenden. En este caso, he encontrado una que me ha causado tanto impacto como un dolor terrible: Heath Ledger ha fallecido. Nefasto hecho que le trunca la carrera y la vida a este notable actor que ofreció una de las mejores interpretaciones que he visto en mi corta vida cinéfila: la de Ennis Del Mar en la bella Brokeback Mountain. Y justo viene este baldazo de agua fría cuando este año se estará estrenando "The Dark Knight", la segunda película del Batman de Nolan. Y por lo que pudimos ver en el trailer, este Joker hará historia. Y más aun con la perdida de Heath, este personaje sin duda nos emocionará más cuando lo veamos en pantalla grande. Siempre voy a recordar que mi primer post en este blog fue sobre los 10 actores que marcarán pauta en los próximos años, y situé a Ledger en el puesto 4. Lamentablemente, este puesto 4 quedará vacante, pero Ledger, como toda leyenda, muere para transformarse ya en ícono de la buena actuación. Q.E.P.D. Heath, y te vemos en el cine cuandon luches contra Batman.

Como Ennis del Mar, en un papel memorable

Una nota más, solo decir que las malditas drogas y pastillas (al parecer causa posible de su deceso) siguen invadiendo y truncando carreras y vidas llenas de esperanza.

El Òscar 2008

2008-01-22T09:29:00.000-08:00

Los Academy Awards o mejor conocidos como Los Oscars se han dado a conocer esta mañana y, como era de esperarse, no se han hecho esperar los coemntarios en distintos sitios sobre sus aciertos y olvidos, predominando como siempre las quejas. En fin, siempre una premiación causará polémica, y más una como los Oscars, que no son ni los más acertados ni los más justos a la hora de dar la estatuilla del hombrecillo calvo, pero son los más prestigiosos, eso sin duda.

He aquí la lista de las nominaciones más importantes:

MEJOR PELÍCULA
Expiación
Juno
Michael Clayton
No es país para viejos
Pozos de ambición

MEJOR DIRECTOR
Julian Schnabel - La escafandra y la mariposa
Jason Reitman - Juno
Tony Gilroy - Michael Clayton
Joel Coen/Ethan Coen - No es país para viejos
Paul Thomas Anderson - Pozos de ambición

MEJOR ACTOR
George Clooney - Michael Clayton
Daniel Day-Lewis - Pozos de ambición
Johnny Depp - Sweeney Todd
Tommy Lee Jones - El valle de Elah
Viggo Mortensen - Promesas del Este

MEJOR ACTRIZ
Cate Blanchett - Elizabeth: La edad dorada
Julie Christie - Lejos de ella
Marion Cotillard - La Vie en Rose
Laura Linney - The Savages
Ellen Page - Juno

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Casey Affleck - El asesinato de Jesse James
Javier Bardem - No es país para viejos
Philip Seymour Hoffman - Charlie Wilson's war
Hal Holbrook - Into the Wild
Tom Wilkinson - Michael Clayton

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Cate Blanchett - I'm not there
Ruby Dee - American Gangster
Saoirse Ronan - Expiación
Amy Ryan - Gone Baby Gone
Tilda Swinton - Michael Clayton

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
Expiación
Lejos de ella
La escafandra y la mariposa
No es país para viejos
Pozos de ambición

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Juno
Lars and the Real Girl
Michael Clayton
Ratatouille
The Savages

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Persepolis
Ratatouille
Surf's Up

Para consultar las nominaciones en su plenitud podemos revisar desde la página oficial de la siempre magnánima y fastuosa academia hasta la siempre servicial wikipedia, pasando por un sinúmero de blogs. Al revisar la lista general rescataremos que las películas "líderes" de esta contienda son las esperadas: "No Country for old men" (o "Sin lugar para los débiles" como se titulará por estos lares) de los hermanos Coen, y "There will be blood" (o "Pozos de ambición") de Paul Thomas Anderson. Con 8 nominaciones, ambas son las claras favoritas a disputarse palmo a palmo el tan ansiado premio de Mejor Película. En sí creo que las otras 3 nominaciones no tienen chance alguna. "Juno" viene a ser una especie de Little Miss Sunshine (magnífica película) del 2007. Independiente y del género de la comedia aunque con toques dramáticos, esta cinta se convierte en la sorpresa de esta categoría, confirmando que la Academia también puede suavizarse al parecer estar tomando este rumbo de nominar una tragicomedia independiente por año. Esta medida es acertada porque aleja los fantasmas (aunque no del todo) que indican que el Oscar es sinónimo de películas grandes y magníficas. Esperemos que Juno (a la cual ahora esperamos ver pronto) este a la altura de Little Miss Sunshine, o al menos que acapare la mitad de su calidad. Atonement fue la ganadora de los Globos de Oro, y tiene 7 nominaciones, aunque pocas de gran importancia. La tendencia ahora es que la Academia no premie a aquellas que se llevaron el Globo (gracias a Dios así pasó con la insufrible Babel, pero desafortunadamente se cumplió cuando la vieja tendencia conservadora le negó el premio a la entrañable Brokeback Mountain para dárselo a la "tierna" y "condescendiente" Crash), y lo más probable es que esto ocurra con Atonement.

Párrafo aparte merece "Michael Clayton", película de abogados como puede ser vista a simple vista, pero que guarda más dentro de su trama al tocar temas desde la lealtad y ética hasta las grandes corporaciones y manipulaciones omnipresentes. Esta ha sido la que ha acaparado la mayor cantidad de críticas. Muchos dicen que se le ha sobredimensionado, otros que los premios a las cual aspira son producto de su protagonista, George Clooney, quien es uno de los intermediarios para que finalize la huelga. Yo quiero verla primero, ahora más que nunca. A muchos no les gusta Clooney, ya sea porque es un chico bonito o porque tiene carisma. Eso tiene Clooney, es cierto, pero también talento. Como actor se basa mucho en su encanto, pero también demuestra que tiene dotes, y si alguien tiene dudas puede revisar su carrera corta pero fructífera como director. "Confesiones de una mente peligrosa" es un buen debut, para luego dar el salto con la notable "Buenas noches y buena suerte". Para gusto de sus admiradoras (y admiradores también) y para irritación de sus detractores, Clooney puede ser considerado ya la estrella del Hollywood actual, aunque claro, como una estrella, esto siempre es fugaz.

El buen George está nominado a mejor actor, y puede dar el golpe si es que Michael Clayton da el golpe y se lleva todo. Pero yo lo veo con pocas chances ante el ultra-hiperfavorito Daniel Day-Lewis, que por "There will be Blood" puede llevarse su segunda estatuilla. Este actor no aparece mucho en los cines (muy diferente al estilo de Matt "estoy en todos lados" Damon), pero cuando lo hace nos da clases de actuación, siendo la última la que realizó con la dirección de Scorsese en la regular "Pandillas de Nueva York" como ese carnicero sangriento, patrón de New York que atemorizaba a todos y opacaba incluso al mismo DiCaprio. Johnny Depp es el único representante importante de Sweeney Todd, pero no creo que tenga mayores chances (eso sí, el Oscar para Johnny llegara y pronto). Sorpresas en este rubro son Tommy Lee Jones (actorazo que vuelve a estar en el primer plano de los premios) y sorbe todo Viggo Mortensen, quien no sorprende que haya sido nominado por su performance, ya que es de altísimo nivel, sino que esto demuestra que la Academia sí hizo hincapié en "Promesas del este", pero por algún "motivo" o "circunstancia" hizo caso omiso de la labor del director David Cronenberg (que para estas alturas del partido ya debe estar acostumbrado) o de la misma película.

Lo de Crononberg conecta con lo que son las grandes ausencias de esta mañana, y esas están sobre todo en el rubro de dirección. Ridley Scott y Tim Burton son los grandes olvidados del Oscar esta ocasión (bueno, Burton parece que será siempre olvidado). Asímismo, sus películas que eran casi fijas como American Gangster y Sweeney Todd están ausentes en el rubro más importante. Bien por Schnabel, Reitman y Gilroy, pero la lucha fuerte, al igual que en la categoría de mejor película, será entre Paul Thomas Anderson y los Coen. Estos dos (o mejor dicho, estos dos contra uno) también compiten por Guión adaptado.

Casi seguros para llevarse la estatuilla dorada son Javier Bardem y Cate Blanchet en las categorías de actores de reparto, aunque sorpresas pueden dar Tom Wikilson (una vez más, si es que Michael Clayton da el gran golpe) y Amy Ryan. Finalmente, gran sorpresa y satisfacción que Ratatouille, una película animada, haya logrado 5 nominaciones. Solo faltó que le den el rubro de Mejor Película. En fin, esperemos a Los Oscars, siempre tan controversiales como majestuosos, pero sobre todo tengo un mayor deseo: que se solucione la huelga de guionistas. Ya muchas pérdidas se han originado como producto del paro, y es hora que en sí se sienten a negociar, y que las corporaciones y los estudios cedan. Sin ellos, los guionistas, no habría lo más hermosos que tenemos para ver, lo que alimenta nuestros sueños y nuestro insaciable deseo voyeurista: las películas. Un buen film es un buen guión primero. Y por más aburrida y lenta que sea la ceremonia, el Oscar es el Oscar, y tiene que celebrarse, por el bien de todos y el nombre del cine en primer lugar.

2 más...

2008-01-13T19:10:00.000-08:00

Creo que hay dos películas más que debo agregar a la lista de las "10 pelis". Una es Atonement (o Expiación), que estuvo a punto de entrar gracias más a la...como decirlo...belleza, genialidad visual, la espectacular dulzura de rostro y gracia que destila Keira Knightley que ha sus logros cinematográficos. Pero tras leer más comentarios y ante la sorpresa que marcó esta noche en la deslucida ceremonia (solo una mínima conferencia de prensa) de los Globos de Oro al llevarse el premio a mejor película dramática, derrotando a favoritas como Gangster Americano o Sin lugar para los débiles (u originalmente titulada No Country for old men), es más que necesario detenerse en esta cinta que seguro tomará fuerza para el premio mayor (aquella pequeña pero poderosa estatuilla dorada de un hombre calvo). Y la otra que creo debo incluir es la que ya muchos consideran un clásico moderno como es There will be Blood, por la que Daniel Day-Lewis probablemente se lleve un nuevo Oscar como mejor actor (por el momento acaba de ganar el Globo). A esperar entonces estas dos películas.

10 películas que espero este 2008

2008-01-08T19:21:00.000-08:00

Como siempre, en nuestro querido país, las mejores películas y las de los premios (uy, no habrá Globos de Oro, cuidado con el Oscar) llegan recién en los primeros meses del año. Pero esperemos que el retraso valga la pena. Unas premiadas, otras superproducciones, aquí está la lista:

1.- The Dark Knight
2.- Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal
3.- American Gangster
4.- Cloverfield
5.- La Señal
6.- Sweeney Todd
7.- No Country for old men
8.- Michael Clayton
9.- La guerra de Charlie Wilson
10.- Promesas del este

Perdido en mi adicción

2008-01-05T19:43:00.000-08:00

Quería empezar el 2008 con una entrada sobre La Gran Sangre, una de las series que más emociones me han despertado, y justamente porque ayer tuvo su último episodio de lo que (supuestamente) es su última temporada. Pero no puedo contener mis ganas de escribir (y expresar) mi súbito (re)interés por LOST, una de las series del momento y de las cuales me volví un seguidor más a mitades del 2007.

Pero no me malinterpreten, LOST no es para mí lo mejor de la TV. Ahí está Los Sopranos, el producto audiovisual mejor hecho para televisión que he visto hatsa el momento; o ahí está 24, que pase lo que pase, siempre será lo mejor que vea en todo sentido en la pantalla chica (y es que marcó mi vida, pero eso para otro post). Pero, ¿qué pasa con LOST entonces? Sencillamente, LOST es la droga televisiva. Bueno, en sí la TV (que nos entretiene tanto como nos perjudica) es un avance adictivo entre sus muchas características, pero en lo concerniente a LOST, podemos decir que el nivel atrayente que muestra solo incremente con el paos del tiempo. Puede sonar extraño, ya que generalmente las expectativas disminuyen con el correr de los días, pero con esta serie pasa lo contrario. LOST va por su cuarta temporada y la expectativa es enorme. No voy a hablar ni del nivel estrictamente narrativo o lineal de la serie (que en algunos momentos, fanatismos aparte, deja mucho que desear) ni tampoco de su construcción y desarrollo de personajes, sino que simplemente me enmarco en lo que concierne a las características que nos obligan semana a semana (o a otros que no aguantamos y las compramos cada temporada para vernos 5 capítulos de un tirón) a no perdernos esta serie.

Claro, todas las series (las buenas) te "obligan" a volver a sintonizarlas, pero con LOST llega al extremo por lo que creo 2 cosas en particular: su tratamiento y su publicidad. En lo que respecta al primer punto, este queda marcado desde el priemer episodio: lo que parecía un relato sobre un grupo de personas tratando de sobrevivir en una isla desierta (ni tanto claro está) luego de un aparatoso accidente de avión se convierte en una entrada a lo sobrenatural. Y es que esto es LOST, un acercamiento a lo extraño, a lo inesperado, que generlamente, es el núcleo de todo temor humano. Para los que han seguido la serie en sus 3 temporadas (la primera magnífica simplemente, la segunda mal trabajada, y la tercera con picos tanto de monotonía como de emoción) ya no es raro preguntarse que diablos (por decirlo de la manera más "suave" posible) hacen un grupo de osos polares en una isla, de donde salen esos susurros misteriosos, que hace posible que el llegar a la isla te cure de ciertos males, o que tienen que ver un conjunto de números misteriosos, algunas escotillas-estaciones o una constante humareda negra que parece no tener otra misión que arrasar con todo (y todos) lo que se cruce en su camino con los sorbevivientes del vuelo 815 y la isla. En sí, esta serie tiene la palabra misterio escrita por todos lados. Y como buen misterio, te da pistas. Y para eso, la serie te obliga a quedarte pegado a tu asiento los cuarenta minutos de cada capítulo (DVD claro, sin los fastidiosos comerciales) para que averigues hasta el más mínimo detalle. Y es que no solo la isla y las aventuras de los protagonistas en ella nos ofrecen indicaciones de lo que podemos estar viviendo, sino que también los flashbacks, el recuento de sus vidas en un tiempo anterior, están llenos de detalles que (cuando nos percatamos de ellos claro) no hacen sino poner una o dos palabras en nuestras mentes (generalmente lisuras que denotan incredulidad). No hay opción de adelantar o skip algo en LOST, todo importa, "todo pasa por algo" como decía uno de sus taglines. LOST es un torbellino que desde el momento en que el buen DR. Jack depierta en shock en medio de la isla hasta el memorable cierre de temporada, el cual no lo mencionaré para no dañar suceptibilidades de spoilers (al diablo, es un flashforward, es el futuro en el que Jack y Kate se encuentran fuera de la isla...lo dije). La serie te atrapa y con cada detalle, cada nueva pista que sale (una estatua de cuatro dedos, una escotilla nueva, un personaje del pasado que regresa, etc), con cada rareza que nos presentan, nos hacen decir: "Tengo que ver LOST", en el cual no hay otra cosa en la cabeza.

Y el otro punto que hace a LOST tan atrapante es su gran publicidad. Sobretodo la llevada a cabo (con mucho tino por los productores) en internet en lo que se conoce como "The Lost experience". Este es una especia de expansión de la serie, en la que los fanáticos cibernautas (es decir, televidente average del siglo 21) van descubriendo nuevas pistas e indicaciones de la trama enmarañada de LOST mediante juegos interactivos o videos. Contando con sus propios protagonistas de ficción, la serie gana en fanaticada y la expectativa aumenta por estos portales. Me remito a la última iniciativa de The Lost Experience, la página http://www.find815.com/ que es lo que me ha mantenido con las ganas de ver LOST estos días y celebrar cada día que pasa para que ese 31 de enero esté aquí y me entere de lo que ocurre en la premier (esperar unos días a que el capítulo pueda ser visto recién). En este nuevo paso, el protagonista es el novio de una de las aeromozas del Oceanic 815 (el trágico vuelo) que decide seguir con la búsqueda de los potenciales sobrevivientes, los cuales están apunto de ser declarados fallecidos. Y así tu juegas y acompañas al protagonista, encontrando en el camino videos o detalles que generan en ti la expectativa de que pronto te enterará de algo nuevo, aunque generalmente esto no pasa. LOST es un mundo extraño, y The Lost Experience no es la excepción, presentándonos misteriosas páginas web que estarán disponibles recién lueog de la premier o dando pinceladas de imágenes dentro de los videos que pueden ser tanto personajes que serán presentados en el futuro como también pueden representar pistas falsas o clues inventadas más por el fanatismo de los seguidores. Incluso hay guiños a Cloverfield (http://en.wikipedia.org/wiki/Cloverfield), proyecto cinematográfico de JJ Abrams (uno de los hombres detrás de LOST) el cual ha generado tanta expectativa por el misterio que rodea su producción y proyección.
En fin, LOST es esperada por muchos que seguiremos jugando en find815 hasta que llegue el estreno, o mientras tanto revisaremos las 3 temproadas anteriores por si algún detalle se nos escapó. Pero es innegable ya el impacto cultural que ha tenido este serie, catalogada ya como fenómeno. Fuera de lo extramundano y hasta fantástico, LOST trata sobre personas tratando de corregirse y enmendar su destino, encontrando su segunda chance, su reivindicación con el mundo y con ellos mismos. Ahí, en esa isla de la que mueren por salir (excepto Locke claro) han encontrado un rol, una familia, y hasta una misión por la cual vivir, o definitivamente morir. Como todo lo bueno en la vida, LOST trata de encontrarse (paradójicamente je), de buscar respuestas, las cuales, para nosotros comunes televidentes, todavía nos son ajenas. Para estar tranquilos, faltan 3 años, 48 capítulos y quien sabe cuantas escotillas más. LOST ha logrado eso, que sea más fácil que los losties salgan de la isla que nosotros dejemos de ver el programa. Sin darnos cuenta, hemos caído en nuetsra propia isla. Y se ve que ninguno quiere salir.

Top 20 The Office (2da parte)

2007-12-28T17:14:00.000-08:00

Luego de una para obligada por problemas con la computadora y compromisos con mi proyecto personal (el cuál explicaré en el siguiente post), esta es la segunda parte de mis episodios favoritos de The Office:

10) Conflict Resolution
El capítulo que de todas maneras tenía que tener esta serie en la que sus personajes trabajan y conviven, pero que tienen más de un problema a la hora de relacionarse. En él, Michael (como no) trata de tomar la función de jefe-conciliador y, bueno, da los resultados que podìamos esperar del buen Michael: los conflictos ampliados y toda esa ridícula fórmula del win-win-win. Memorable las reacciones de Dwight al ver como todas sus quejas contra Jim (imagínese cuantas) eran simplemente almacenadas mas no reportadas y como demanda a Michael (en un momento en el que el leal Dwight increíblemente antepone sus intereses personales a la labord e Michael) a que solucione todo este problema, llevando así al buen manager a una reunión conciliadora a la que el describe como "lucha en celda" (memorable cage match). Momento highlight es el de los fallidos intentos por tomar una foto grupal, a iniciativa de Michael, lo que nos demuestra una vez más el lado tierno de nuestro más querido jefe.

9) Christmas Party
La oficina en Navidad. Y bueno, las festividades no son excusa para que no hayan desastres en el espacio laboral. Época de paz y tranquilidad que es alterado por, quien más, Michael Scott. Primero, comprando un regalo para el Secret Santa (amigo secreto) que excede el límite acrodado (compra un IPod que obviamente traspasa el límite de 20$), luego proponiendo el "Yankee Swap", que es una especia de intercambio de regalos a la mala, y finalmente trayendo grandes cantidades de alcohol a la oficina. Y es que Michael, en su afán de hacer más felices a sus empelados (y por ende ser él más feliz, al todos supuestamente quererle por su esfuerzo), rompe algunas reglas y antepone sus gustos y plan organizativo sobre los demás (recordemos su disgusto tan obvio como inapropiado por el regalo que le hace Phillis). La escena final en el que Meredith (cuando no llevada por el alcohol) se "entrega" (por así decirlo) a Michael, quien con un gesto entre la sorpresa y el espanto solo atina a tomarle una foto. Ese es un momento The Office, y es un momento en el que Carrel demuestra que es grando. (lo digo, MICHAEL SCOTT IS GOD).

8) Booze Cruise
Gran capítulo que sucede casi enteramente fuera de la oficina. Pero nos pone a todos en un crucero donde lo que sobra es la juerga. Es decir, Michael en un crucero loco, ¿qué podemos esperar? Bueno, esperen ver a Michael bailando (ridículamente, una de mis escenas favoritas), tratando de llamar la atención a toda costa (incluso provocando el terror entre las personas al alarmar sobre un falso hundimiento), o aconsejando a Jim (en lo que debe ser su momento más lúcido en toda la serie). Capítulo clave en la relación Jim-Pam, en la que se nota claramente que el buenón de Jim se muere por Pam y no puede estar con otra (les tomó 4 freaking temporadas para estar juntos, hasta el lenteja de Booth de Bones le podría haber ganado...no, exagero). Y Pam, la buena (en todos los sentidos) de Pam, que no sabemos porqué diablos seguía templada del tarado de Roy (menos mña que ya se fue, no como Darryl que si la rompe). Highlight: Dwight más inocente (estúpido) que nunca creyendo que él controlaba el barco (cuando lo que tenía era un timón falso).

7) Sexual Harrasment
Este es el capìtulo que marcará historia para mí con esa frase tan inadecuada, tan inoportuna, tan obscena, tan michaelscottiana como es "That`s what she said". En fin, para los que entienden el chiste (yo no lo entendí a la primera) bien, para los que no, hay un clip en el artículo que escribí sobre Michael Scott hace unas semanas en el que les quedará claro (espero). Del cuarteto principal, Jim es el que menos simpatía me provoca, pero tengo que reconocer que el tipo es inteligente y astuto (demasiado, debe ser por eso) y la manera como "cava" el surco para que Michael Scott simplemente no se resista lanze su frase tan tabú. Y todo el capítulo gira en torno ante esas sitauciones, porblemas de acoso sexual o índice sexual tan comunes en una oficina y a la vez tan serios. Pero en The Office, se sigue demostrando que todo no es enteramente aburrido o prohibido.

6) Product recall
Este es lo que llamo "tesoro escondido". Un episodio de The Office no tan reconocido pero que es sencillamente genial, de un humor imparable, con un par de escenas memorables. De principio a fin. Empezando con esa imitación ingeniosa que Jim hace de Dwight, hasta el cierre en el que Dwight le "devuelve el favor" a Jim tratando de imitarlo, aunque claor, todo un desastre, bien al estilo Diwght. Vemos como toda la oficina es puesta de cabeza por un "imprevisto" que hubo con el papel (una marcadeagua en la que aparecían dos animalitos de caricatura teniendo sexo). Es uno de esos capítulos en el que todos están geniales. El gran Andy averiguando que su "noviecita" estaba en secundaria todavía, Angela sin poder aguantar a una Kelly que encaja por fin en este capítulo, Kevin y Oscar gastándole una broma a Angela, el gran Creed adueñándose casi de todo el capítulo, Dwight en su labor de escudero (patero) eterno de Michael, y como no el gran Mr Scott, y ese discurso que graba a manera de disculpas (aunque al final se trasnforma en amenaza) y todo el rollo de "...remember, it wasn`t me..." simplemente genial. Nuevamente, Carrel nos demuestra lo grande que es en este papel.

5) The Job
El mejor cierre para la tercera temporada. Es cómico como todos, pero le encuentro un alto grado de humanidad. Con tontería e irreverencia incrustada como todo capítulo de The Office, pero con esa cuota necesaria para decirnos que The Office trata de esto, de un jefe solitario que se cree gracioso y solo quiere que todos los demás lo quieran, de un hombre maniático y perfeccionista (en su estilo claro) que tiene su propio concepto del mundo, de un tipo buena gente que puede conseguir a cualquier chica que quiera pero que en realidad se muere por su amiga pero no sabe como lidiar con eso, y de una chica tranquila y sencilla que parece capaz de sacrificar sus sueños y creatividas para mantener lo que ella cree es su status actual, una condición estable como recepcionista y comprometida (por 3 largos años). Michael hace lo que todo hombre hace: le dice no en primera instancia a Jan cuando ella le propone regresar, pero luego, ve "grandes razones" para regresar con ella, diciéndonos: "no soy superficial, sino que es de adultos dar segudnas oportunidades". Si claro, yo también dije eso. Dwight creyéndose el más grande del mundo cuando (cree él) tiene el control total de la oficina, y, en uno de los momentos en la que la parejita más me conmueve, Jim dándose cuenta que el amor que le tiene a Pam es más grande que cualquier oportunidad de trabajo y regresa (como el mejor héroe romántico) a su vieja oficina a reecontrarse con el "amor de su vida" y de una buena vez invitarla a salir. Es el capítulo del sinceramiento, de las decisiones. Highlight: el gran Dwight y su estupenda frase (además haciendo alusión a mi personaje y serie favorita de la TV:

"Once I'm officially Regional Manager, my first order of business will be to demote Jim Halpert. So I will need a new number two. My ideal choice? Jack Bauer. But he is unavailable. Fictional. And overqualified."

4) Casino Night
Para muchos el mejor episodio de The Office, y si bien lo pongo en el número 4, no tengo duda que es un excelente capítulo, con un climax tremendo y que debe contar con el mejor guión que ha tenido la serie. Se realiza una noche de casino en la oficina para caridad. Michael contrapone todo consejo del cuidadoso Toby o de los hombres del Almacén y trae alcohol y espectáculo todo con el fin que sea lo más parecido a Las Vegas. Es Michael scott, y para él todo debe ser lo más grande. Y en la actividad, se da todo tipo de eventos: Dwight como "wing man" de Michael protegiéndolo de dos citas a la vez (una con Jan y otra con Carol), Kevin mostrándonos su faceta de constante pero terrible jugador de poker, Creed robando fichas (Creed es grande), Jim por su lado, Pam por el otro. Pero compartiendo eso que habían estado compartiendo 2 temporadas y comparten hasta ahora. esas miradas, ese trato, esa relación de mejores super amigos con ese plus. Pam y Jim son el uno para el otro, y el climax llega con la sorpresiva decisión que toma Jim en el estacionamineto: le confiesa su amor a Pam y esta, en unareacción natural, lo rechaza para terminar los dos uniéndose en un beso que a cualquiera (que hubiera seguido la serie) conmovería. Yo no soy gran hincha de este storyline de Jim-Pam, pero no niego que sus frustrados intentos (ellos mismos se cierran las puertas en ese paso tan difícil que se les presenta) me conmueven, y más aun en este capítulo. El cierre perfecto y más enigmático para la 2 temporada, la que a mi gusto es la mejor.

3) Diversity Day
Este fue el capítulo que me hizo pensar: esta serie es lo máximo. Lo más hilarante, genial y agudo que he visto en algo cómico. Michael en uno de sus muchos seminarios decide "integrar" a todos sus empleados y demostrarles que no pueden haber diferencias y alusiones sobre las razas en la oficina. Imagínense, un tema tan tocado en esta serie en su máxima expresión. Todos los empelados con un cartelito en sus frentes actuando como personas de determinadas razas. Simplemente genial, la parodia de este mundo tan racista y que siempre actúa a la defensiva. Michael se cree el gran integrador, el defensor, el "Martin Luhter King Jr". El tiene un sueño, y desde ese día en The Office, nos puso a todos en sintonía con sus ocurrencias. Esta es una joya audiovisual.

2) The Dundies
El capítulo con el que me permitió descubrir que Michael Scott vive de alguna manera en mí. Muchas de sus cualidades las tengo (pero eso ya sera tema de otro post, o tal vez no). Michael trata de "incentivar" las vidas aburridas de todos los oficinistas mediante la entrega de unso premios a cualquier cosa valgan verdades (snickers más blancos a Pam, chico más hot de la, oficina para Ryan, en fin). Y lo hace en el Chilis, restaurante (junto con Hooters) clásico de The Office, donde Michael "destroza" en todo els entido de la palabra. Haciendo gala de sus "mejores chistes" y "mejores caracterizaciones", el gerente trata de entretener a todos sus empelados (con el fiel Dwight como un DJ que nadie quisiera tener), pero lo que causa es un roche en sus mñas grandes proporciones. Una verguenza total. Y la gente se da cuenta de eso, y algunos le lanzan cosas e improperios. Es la caída de un héroe, y es que desde ahí Michael Scott pasó de ser un personaje gracioso y lastimero a un héroe contemporáneo para mí. Es la persona que busca que lo veaqn, que lo quieran, pero que tiene corazón, que se preocupa por los demñas, en su ambiente, sin importarle las críticas que le puedan hacer, Michael es un héroe porque mantiene su originalidad, es fiel a sí mismo, y eso es muy difícil de encontrar. Podrá ser un montón de cosas, pero alguien que siempre "muere en la suya" como se dice es muy difícil de encontrar. Michael nos revela su sentir en cada chiste estúpido que hace. Es altamente tonto, pero honesto.

1) A Benihana Christmas
No es considerado como uno de los top de The Office, pero para mí es EL capítulo. De versión extendida, junta 2 de mis cosas preferidas: Navidad y The Office. Y con varias aristas itneresantes. Dos rivales como Pam y Karen uniéndose, Dwight y Angela compartiendo "tiernos" (en su particular visión), el karaoke con Kevin y Creed cantando, los múltiples intentos de Andy por compenetrarse con Michael, la reunión aburrida de Angela, los "celos" y melancolía de Jim y Pam, pero acá lo clave del episodio es Michael Scott en su máxima expresión. El gerente nos da todo de sí en este capítulo y, como ya probablemente se habrán dado cuetna, es una delicia para mí cuando mi personaje favorito captura la pantalla. Primero se muestra jubiloso planeando sus vacaciones con su novia Carol, pero esta llega y temrina con él. Momento en el que me siento conectado con Michael y el que creo que es el mejor y más hilarante que recuerdo de The Office (o al menos comparte el podio con el "That`s what she said" de Sexual Harrasment y la entrega de dundies en Chilis) cuando con toda la cara de tristeza escucha (solo un fragmento jajaja) de "Goodbye my lover" de James Blunt (siempre el buen James con sus cortavenas). Es Michael Scott con todos sus sentimientos a flor de piel. Y no hay mejor solución que salir. No a Hooters, sino a un "lugar con más clase" (en palabras de Andy) como es Benihana (el Hooters asiático en palabras de Michael). Y va junto con Andy, que se esfuerza por levantarle el ánimo, Jim, como siempre tranquilo y con esa cara de "que diablos hago aquí", y Dwight, el bien Dwight, sentado lejos de su querido jefe señalando: "siempre deboe star ahí para atender a Michael. ¿Como puedo estar ahí para Michael, si estoy aquí (estaba en el otro extremo de la mesa) para Michael? Simplemente genial. Michael regresa con una "amiga" asiática y posteriormente, con tragos encima, confunde a las dos muchachas asiáticas (Andy había llevado a otra). Es hilarante ver como el buen Michael pinta un brazo de una de ellas para así marcarla e identificarla. Y al final queda solo, pero llama a Jan para irse a Jamaica y pasarla bien. La reivindicación del héroe, su corazón roto es recompeusto al final del día en Navidad, junto con toda su oficina, que festeja la juerga navideña, y todo ese lugar en sí, uan oficina, un lugar de trabajo, una familia. La ternura, la comicidad, la estupidez, todo unido, o mejor dicho, licuado y servido para degustarlo. Y en como cereza al pastel, la mejor broma que le hicierona Dwight: convencerlo que era contacto de la CIA y que "tire" su teléfono porque había sido "comprometido". En fin, para llorar de risa.

Mi top20 "The Office"

2007-12-25T12:37:00.000-08:00

The Office (versión americana) es uan de las cosas más graciosas y a la vez relajantes que he visto. Graciosas porque goza con muy buenos guiones, con humor inteligente, no estúpidos. Claro, nos demuestra la estupidez humana muchas veces, pero no por eso es una serie sin sentido, sino que más bien nos demuestra como riéndonos nos damos cuenta de nuestros más profundos defectos. Ya hablé en un post anterior sobre Michael Scott (Steve Carell) y el porqué es uno de mis personajes favoritos en la TV actual.

Justo ahora he acabo de ver los 59 episodios transmitidos hasta el momento de "The Office". Vi los 6 capítulos de la primera temporada gracias q que me prestaron la serie. La seugnda fue un bonito regalo que poseo ahí en mi estante de DVDs y, gracias a la "magia" de las computadoras y las descargas, pude ver la tercera temporada completa y los 8 capìtulos transmitidos de la cuarta temporada (recientemente cortada abrùptamente por la huelga de guionistas). Luego de verlos todos y de morir de risa en varias ocasiones he querido preparar un ranking de los que, a mi parecer obviamente, son los mejores, más graciosos e ingeniosos episodios de esta gran serie. Son 20 en total:

20) Business school
Michael Scott en su "máximo esplendor" por decirlo de esa manera, hablando sobre negocios y ventas a la clase de Ryan. Como nos imaginamos, derrochando "calidad" y "tino" durante la exposición. este capítulo es un buen ejemplo de las múltiples y risibles metidas de pata del buen Michael. Pero también nos ofrece otras dos características del peculiar manager de Dunder Mifflin: es un hombre que cuando es herido, siente y contraataca, en esta ocasión casatigando a Ryan por criticarlo (y con justa razón) ante su fallida exposición más temprano. Y además es un hombre que se siente amigo, que se preocupa por los que los rodea y trata de estar bien con ellos para que lo sigan considerando, en este caso, siendo el único de la oficina en ir a la exposición de arte de Pam, sellando esta gran escnea (una de mis favoritas) con un tierno abrazo entre los dos.

19) Branch Closing
La escena final de celebración entre Michael y Dwight al enterarse que Scranton no sería clausurado habla simplemente por toda la serie. Dos perdedores que se sustentan en lo que simplemente ellos creen (Dwight y su lealtad hacia Michael, y este último con sus poses de salvador y amigo del resto de sus subordinados). Son dos loosers entrañables, que creen en ellos mismos, pero sorbe todo, se la creen. Algo tan tonto como tierno es difícil de encontrar.

18) Diwali
Capítulo con escenas características d elo que podemos llamar el "racismo involuntario" de Michael Scott. Este personaje no es racista ni mucho menos, pero con el característico "tino" que posee, generalmente temrina lanzando comentarios inapropiados sobre los demás. Siendo en este caso Kelly y la cultura india losa fectados, vemos como de principio a fin, desde que presenta a los "indùes famosos" hasta que regresa con Pam luego de su faliido (e hilarante) intento de besarla, trata de aparentar ser el gran expositor de cultura y caerles bien a los anfitriones de la celebración (Diwali), para finalmente terminar siendo Michael Scott, el inoportuno jefe que por querer aparentar ser abierto y buscar la integración, queda como un total ignorante. Un intento de nobleza tonto pero gracioso.

17) Survivor man
El único capítulo de la cuarta temporada (que me parece algo baja) es este en el que a pesar de todo se da uno de los plots más hilarantes de la serie: Michael Scott, molesto por no ser invitado a un campamento, va solo al bosque con la misión de sorbevivir y encotnrarse a sí mismo. Ya se imaginan al buen Michael, solo (aunque con el leal Dwigth cuidándolo desde atrás de los arbustos) y sin cosas, tratando de superar el calor (y luego el frìo), el hambra y la comodidad. Dos escenas memorables: Dwight tratando de salvar a Michael de comer unos hongos venenosos, y la escena final en la que Jim se da cuenta que puede, a pesar de todo, convertirse en un "Michael Scott" o cualquier otro trabajador promedio en cuestión de tiempo, y quedarse para siempre en Scranton (su peor miedo).

16) Michael`s Birthday
Michale Scott es un ser necesitado de afecto, quiere que lo quieran, y eso queda demostrado claramente en este capìtulo. Kevin (el gran Kevin) está preocupado, y a su vez altera a toda la oficina, porque espera los resultaods que le confirmen o nieguen su cáncer a la piel. Pero a Michael parece importarle poco, y todavía se altera al ver que sus trabajadores no dan ni unbledo por su cumpleaños (ni con foto gigante para que la firmen jaja). Los útimos minutos en la pista de patinaje son geniales, con el "negativo" en términos médicos y el regalo de Dwight.

15) Phillis`Wedding
Michael Scott hablando (o intentanto hablar) 40 minutos de discurso en la boda de Phillis. Es la pura escencia de Michael cuando trata de ser el centro de atención en plena ceremonia y no se lo permiten. Highlights además son el "regalo" de Creed (otro secundario de los grandes) y el contraste en las relaciones de Jim y Pam y como ambos sufren a la distancia. Ayayay chicos, si se querían, ¿porquè maldita sea esperar 3 temporadas? Bueno...

14) Take your daughter to work
En la loca oficina deciden llevar a los hijos al trabajo, desatando situaicones graciosas como enternecedoras: desde la "cuadrada" que Stanley le da a Ryan hasta la relación que surge entre Michael y la pequeña hija de Toby. Contraste curiso ya que Toby vendría a ser el enemigo número uno de Michael. Además nos presentan otra de las grandes escenas que hacen de The Office una gran comedia fuera de los parámetros de los sitcom tradicionales: Michael les muetsra a los niños un video de él de pequeño en un show infantil en el que dice que su máximo sueño es crecer y tener 100 hijos para así tener 100 amigos y que ya nadie nunca más le diga que no quiere ser su amigo (una muestra más de lo solitario que es Michael). No es graciosa, sino es una escena totalmente triste y conmovedora.

13) Gay witch hunt
Premier de la tercera temporada, Michael (con lo "oportuno" que es) revela la homosexualidad de Oscar a toda la oficina. Otra muetsra de la "tolerancia" de Michael frente a otras formas de ser o pensar. Punto culminante: el beso, la decisión de michael de besar a Oscar para así "sellar" su actitud de supuesta tolerancia y repseto hacia los que poseen otra opción sexual. Higlights: los guiños de Dwight ante la sugerencia de Michael de que Angela pudiera ser lesbiana, y las diferentes reacciones de la oficina ante el tema de la homosexualidad.

12) The Fight
Michael VS Dwigth. Esta pelea inimaginable se da en este episodio (gracias a la siempre precisa astucia de Jim). La pelea en sí es tan tonta como magnífica, uno de los mejores momentos de la serie. Pero luego viene otra casi tan hilarante: Michael diciéndole a Diwght que lo había estado probando todo el día y que ahora que ha pasado lo eleva (finalmente) del cargo de assistant to the regional manager al tan ansiado pero ficticio puesto de assistant regional manager, a lo que el buen Dwight responde: "gracias, sensei". Simplemente genial. Además, se da una escena que nos marca muy bien la relación tan complicada (aparentemente tranquila pero no es así) entre Pam y Jim.

11) Dwight`s speech
Otra muestra de la sorbevaloración que se tiene Michael. Es cierto que es un vendedor ejemplar y hasta cierto punto un manager estable, pero él multiplica sus atribuciones y también se cree un gran orador. Esto cuando intenta aconsejar a Dwight a la hora de que este pronuncie su discruso en la ceremonia de premiación de la compañía. Sencillamente genial el momento en que Dwight se para a hablar usando frases de un discruso de Mussolini (que le dio, como no, Jim) y como la gente reacciona a sus palabras (demostrando que solo se trata de ser mediático a la hora de dar un discurso). Además, patético pero risibles los intentos de Michael de caerle bien a la audiencia y a la hora de su paralelo al creerse grande ya que entretuvo al hombre (Dwight) que entretuvo a muchos. Simplemente genial.

continuará...

Felices fiestas

2007-12-24T06:22:00.000-08:00

Navidad ya está aquí y es el preciso momento para mandar un mensaje de amor y amistad en el que todos podamos sentarnos bajo el mismo árbol y compartir...pero No, ya hay muchos blogs, artículos y uno que otro posero que ya les deseó eso y mucho más. Pero nunca está demás porque amamos la Navidad. Al menos para mí es la mejor fecha del año (soy indiferente al año nuevo, pero Navidad es Navidad). Y solo espero que todos los que lean este u otros mensajes de verdad los interiorizen y busquen lo mejor de cada uno, siendo siempre sinceros y sobre todo confiando en sus corazones y sentimientos para expresar lo que sienten por aquellas personas que los rodean y los quieren. Pasarla con persoans que dan todo por estar ahí y hacerlos felices no tiene precio, para eso si tu querida VISA no sirve en estas fechas. Unas felices fiestas y ya veremos que pasa el 2008, ¿será mejor? eso esperamos, de lo que sí estamos seguros es que será totalmente nueva e interesante. Como cualquier serie, una nueva temporada...

It`s a wonderful life, la mejor película navideña que he visto, una historia sobre segundas oportunidades y la importancia del amor de la familia.

El Grinch, el mejor personaje navideño posible, a veces me identifico.

Why so serious?

2007-12-17T15:44:00.000-08:00

Como muchos otras webs y batiblogs (asumo) me tengo que sumar a la fiebre de la que para mí es la película más esperada del 2008. No es American Gangster o No country for old men (que también muero por verlas) sino hablo de "The Dark Knight", la última entrega del Batman de Christopher Nolan (uno de mis directores favoritos de la actualidad). Y Nolan es una de las razones por las cuales quiero verla. También por su extraordinario cast secundario (Morgan Freeman, Gary Oldman, Michael Caine), un muy buen actor que da la talla como el hombre muerciélago como lo es Christian Bale, pero sobre todo, por Heath Ledger como el Joker.

Como muchos, me puse escèptico cuando se anunció a Ledger como Joker, pero con el pasar del tiempo, algunos teasers y sobre todo los trailers, le he puesto todas mis fichas a este personaje. Es cierto que será muy difícil espantar al fantasma (y que fantasma) de Jack Nicholson como el Joker en la primera de las 2 películas geniales que hizo Tim Burton (otro maestro) del "caballero de la noche". Pero tengo fe en que Ledger podrá con el desafío. Ya demostró la calidad de actor que es en su genial papel (ya lo he comentado) de Ennis del Mar en Brokeback Mountain, pero ahora se le presenta un reto casi a la altura del cual tuvo que afrontar en Brokeback: el de interpretar al casi tan maligno como maniático villano, pérdon, archirrival y némesis de Batman: el Joker, o Guasón como se le conoce también.

Debo corregirme y decir que hay una película que espero tanto como esta nueva entrega de Batman. Y es la nueva cinta de Indiana Jones, la cuarta titulada "Indiana Jones and the Kingdom of the crystal skull", pero luego de ver a Ledger en el traje y con esa mirada de diablo que se hace el inocente, debo confesar que ya no puedo esperar a que llgue Batman (y Joker claro). Ese maquillaje delínea no solo las facciones de un payaso malévolo como el de Nicholson, sino de un payaso enfermo, perdido, extremo y psicótico. El Joker de Nicholson (que le robó la cinta al Batman de Michael Keaton) colindaba casi con lo cómico y la parodia, aunque no por eso Nicholson dejó de regalarnos una gran actuación y un inolvidable villano; pero este Joker de Ledger apunta a ser más sombrío, maléfico y simplemente aterrador. Muchas promesas y expectativas y esperamos que se cumplan. Por el momento, esperar con ansias y, bueno sonreir, al fin y al cabo, Why so serious? ... si el trailer ya salió.

Michael Scott...un jefe con corazón

2007-12-15T16:22:00.000-08:00

Hace poco más de un año no veía series americanas, hasta que mis mejores amigos me dieron uno de los mejores regalos de toda mi vida: la priemra temporada de lo que para mí (y esto lo converitré en una frase personal desde ahora) "fue, es y será lo más grande de la televisión mundial: 24. Pero ya habrá tiempo para hablar de esta mi serie favorita. Y si hace poco más de un año ni me imaginaba entrar a todo este absorvente mundo de las series americanas, hace poco más de 5 meses no me imaginaba caer también en el gusto por las comedias americanas. Muchos de ustedes deben compartir mi opinión, las comedias americanas, en el cine por ejemplo, son en su mayoría estúpidas, sin sentido del humor y muchas veces llevadas más por los clichés o el mal gusto. Ya no son las comedias de antes en las que las estrellas hacían relucir la pantalla llevadas también por excelentes y precisos guiones. Y tenía la misma impresión de las comedias americanas en la televisión. Hay que ser honestos, amamos la televisión, tal vez no podría vivir sin algunos programas, pero también es de hidalgos reconocer que es un medio que muchas veces (casi siempre) presenta material vacío, que no hace otra cosa que "entretenernos" o "enbobarnos". Es decir, aveces me engancho a Friends, pero lo pienso y me doy cuenta lo estúpido tanto de sus situaciones como de sus personajes. Pero es TV, y todo eso ews permoitido y nos gusta. NO quiero caer en ese hoyo tan ácido que es el del crítico medio y darle con palo a cuanta producción haya tenga éxito. Los programas de televisión son como son y con sus situaciones y personajes por tontos o irreales que sean, nos tocan muy en el fondo para engancharnos semana tras semana (o capítulo tras capítulo en DVD como lo prefiero yo).

Como mencioné, hace 5 meses descubrí a la coemdia americana de TV. En este caso, un remake: The Office. Serie que en forma de mockumentary presenta la vida de un disfuncional y variopinto grupo de personas que trabajan (y por ende conviven) en una oficina. Como toda serie (o vida en sí misma) tienen personajes entrañables, queridos, odiados, parecidos a las perosnas que nos rodean. La serie rápidamente me enganchó y una de las razones (tal vez la principal) sea la presencia de uno de mis personajes favoritos de la televisión: Michael Scott (interpretado de manera notable por Steve Carrel), el jefe, el "líder" del grupo, el "guía", el "comediante". Y todo entre comillas porque esos adjetivos son los que Michael cree que es. Él, por su propia posición de cabeza de la rama Scranton de la compañía de papel Dunder Mifflin, se cree que está en la responsabilidad de intervenir en los aspectos tanto laborales como personales de sus subordinados. Y creo que todo jefe debería hacerlo, aunque no de la manera tan "peculiar" que lo hace Michael. Peculiar porque Michael es una persona que busca constantemente el cariño de las otras personas. y lo pero de todo es qué él cree que en verdad todos lo quieren. Muetsra de esto es una escena en el capítulo "Branch Closing" de la tercera temporada, en la que luego de enterarse (erróneamente) que su oficina será clausurada, se hecha a llorar exclamando: "Todos me odian, hice que todos pierdan su trabajo...Ya nadie me quiere". Esa es la escencia de Michael Scott.

Es una persona solitaria, sin muchas habilidades sociales (pocos amigos y sin compromiso ya pasados los 40). Y tal vez por eso se refugia en la comedia, o en su seudo intento de hacer comedia. Michael se refiere a sí mismo como comediante, contando siempre chistes que en la mayoría de veces son tontos o inapropiados. Totalmente fuera de lugar. Michael en el fondo no es un ser hostil o racista, pero con sus chistes o comentarios siempre insulta de alguna manera u otra, sea por la raza o por el sexo. Croe que nadie quisiera un jefe tan inoportuno, ignorante y descuidado como Michael, pero sí rescatamos esa sensiblidad y gran cariño que tiene Michael por los demás. Por todo lo dicho, Michael puede sonar como una persona egocéntrica y que siempre quiere cer el centor de todo. Pero en sí, Michael quiere llamar la atención porque quiere el cariño de los demás y cree que lo obtiene haciendo lo que hace: hacer reir, hacer que todos "lo vean". Michael es es un ser noble e inocente por momentos, en las que trata de ver todo a través de "los ojos de Michael". Más que tratar de ser el punto original de todo lo que acontece, Michael se comporta siempre al estilo del "Michael`s way" solo por amor, el que recibe (o mejor dicho cree recibir) y el que le da (o cree dar) a sus trabajadores. Es la inocencia pura y la preocupación por el bienestar de sus "co-workers" o, como el dice, sus amigos. Y tiene sentido, un jefe preocupado porque no todo sea aburrido en un ambiente tan "propicio" para el aburguesamiento como lo es una oficina. Con seminarios que generalmente parodian y denigran más a las personas, con orientaciones que en lugar de guiar confunden y con iniciativas de conciliación que terminan dividiendo más al grupo, Michael trata de incentivar la compenetración y la convivencia en un grupo que con las justas pueden soportarse entre ellos y que les cuesta más aun soportar a su curioso jefe. Pero Michael, como todo lo que hace, le pone el mayor corazón y una dedicación y entrega que todo empresario "formal y serio" envidiaría.

Es así que se maneja Michael Scott, que con todas las tonterías que puede realizar, con todo lo inapropiado de sus intervenciones y con todas las malinterpretaciones que sus acciones acarrean, es, al final del día, un ser especial, que hace todo finalmente con la intención de obtener cariño (que todos necesitamos) y de manifestarlo. Al fin y al cabo, trata de ser el mejor jefe del mundo, y un buen amigo. Y esperemos que las desventuras de Michael y su clan sigan en esta oficina, y se extienda por una larga y duradera estancia...como dice, That`s what she said*

*Frase famosa de Michael...Video para entenderlo

Los 10 de ahora y de mañana

2007-12-09T15:53:00.000-08:00

Este es el primer de los muchos rankings que propondré en este blog. Como todo ranking, la polémica se instaurará de manera irremediable, pero sabemos que a la hora de las elecciones y preferencias, cada uno tiene sus opciones. En esta ocasión, y como primer post "informativo" (por llamarlo de esa manera), presento a los que para mí son los 10 actores que si bien es cierto ya marcan pauta en estos días, no dudo que por su talento e imagen se convertirán en los futuros "hombres fuertes" de la industria cinematográfica americana. Algunos más consolidados que otros, unos más conocidos que otros, esta es la lista:

10.- Peter Sarsgaard

De apariencia tranquila y mirada soñolienta, Peter Sarsgaard juega mucho con su imagen para darle un giro total a sus perosnajes, generalmente personajes oscuros que se revelan villanos a lo largo del film. Su modo de hablar calmado contrasta con la fuerte personalidad que le inserta a cada uno de sus personajes. Se ha manejado en papeles secundarios muy interesnates, como los que interpretó en películas como K 19: The Widowmaker, Flightplan o Jarhead, pero sin duda su mejor interpretación es la que nos ofrece en el film de periodistas "Shattered Glass", en la que interpreta a un cronista que asciende a editor y se convierte en jefe y rival directo del exitoso periodista que interpreta Hayden Christensen (que como Anakin Skywalker...bueeeno...). Incluso muchos reclamaron una nominación al Oscar por esta actuación. Pero seguro que ya le vendrán a este actor que apunta a ser un gran secundario de la talla de los especialistas de este rubro como lo son Ed Harris o William Hurt.

9.- Ewan McGregor

Uno de los actores más interesantes de esta camada británica que empieza a "invadir" Hollywood. Lo tiene todo: la apriencia, el codiciado acento, el status, los roles que marcan una carrera (haga lo que haga ya tiene un lugar guardado en la historia de Star Wars como el joven Obi-Wan), pero sobre todo y más importante, sabe actuar. Ya lo demostró en Trainspotting, donde impactó con su caracterización de un adicto extremo. Nos otorgó dotes de cantante en Moulin Rouge, de encanto en Down with Love y mostró cuanto puede conmovernos en lo que creo es su mejor actuación hasta la fecha en el Gran Pez de Tim Burton. Esperamos con ansias su próxima película, Cassandra´s dream, dirigido nada más ni nada menos que por el maestro Woody Allen.

8.- Cillian Murphy

Sus ojos lo dicen todo. Ambiguedad en su máxima expresión, este actor irlandés se proyecta como uno de los principales villanos del futuro de la industria. Basta ver su actuación en el thriller Red Eye, donde encarna a un frío asesino a sueldo que hace que un apasible vuelo se transforme en una total pesadilla. Su mirada y forma de hablar lo califican como el perfecto malvado que seguro (y espero que no pase esto) lo encasillarán en esos perosnajes megalómanos y engreídos que harán la vida imposible a los siempre pesados héroes perfectos hollywoodenses. Para salir de esa esquemática visión basta ver su magnífica interpretación de un transexual en la película de Neil Jordan "Desayuno en Pluto", la cual le valió una nominación al Globo de Oro.

7.- Christian Bale
De niño destacó en la película de Steven Spielberg "El Imperio del sol", y desde ahí siguió la línea común de todos los niños actores que se pierden en sus propios sueños de estrellato. Parecía que perdíamos a un importnate valor, hasta que ahora ha resucitado y se coloca como uno de los mejroes actores de su generación. Esto gracias a dos cosas: Buenas interpretaciones como en la arriesgada "El Maquinista" (donde puso a prueba su propio físico bajando muchos kilos para hacer realista su rol) o en "El gran truco", donde nos demuestra toda su calma y manejo de emociones como actor. Pero lo que también ha traído a Bale a la palestra es su interpretación del nuevo Batman de Christopher Nolan. Y lo hace muy bien, dándole ese lado oscuro que necesita el héroe nocturno. Ahora parece que no para con películas como Rescue Dawn o el remake 3:10 to Yuma. Acá esperamos con anisas ese duelo con Heath Ledger (Joker¡¡¡¡¡¡¡¡) en la nueva entrgea de Batman: The Dark Knight.

6.- Ryan Gosling

Debo decir que desde que lo vi en Half Nelson (papel que le valió su primera nominación al Oscar) quedé enganchado con este actor. Su interpretación de profesor adicto a las drogas que tiene que lidiar con la antipatía que causa en sus furstrados alumnos el pobre sistema educativo estatal americano (para que vean que en todos lados se cuecen habas) es simplemente conmovedora. Gosling nos demustra que no solo es una "cara bonita" con ese "aire cool" de toda estrella juvenil, sino que a todos esos atributos le agrega talento puro, marcado en fuerza interpretativa que con el dominio de voz y gestos (en algún lado leí que les recordaba a un joven Al Pacino) llena la pantalla de principio a fin. En el film Fracture, demuestra que puede llevar bien ese modo de interpretación clásica a films que tienen marcados todo el sello de blockbusters. Sea en papeles independientes, serios o transformándose en algún superhéroe o estrella mediática (que no dudamos que le pasará en algún momento, pero esperemos que lo sepa manejar), Gosling, en sus pocos años en la industria, ya demostró que lo tiene todo para ser uno de los grandes.

5.- Jake Gyllenhaal

De una familia ligada a la industria, Jake a madurado a lo largo de toda su carrera en la industria. Desde aquel simple muchacho en el film de culto Donnie Darko hasta ese entregado y frágil personaje que nos ofrece en Brokeback Mountain (nominado al Oscar, debió ganar en lugar de Clooney). Gyllenhaal juega con esa cara de inocencia y pasividad para darnos papeles que aparentan tranquilidad, pero que por dentro llevan una gran pasión, como el otorgado en Brokeback, o más recientemente en Zodiac, papel que demuestra que puede ser tan buen protagonista como secundario. Actualmente le llueven los papeles al buen Jake, que además es uno de los niños mimados de la industria.

4.- Mark Ruffalo

Es también uno de mis favoritos. Desde esa magnífica interpretcaión como el hermano de la también brillante Laura Linney en el film "Cuenta conmigo" (por el que fue nominado al Oscar), Ruffalo se metió de lleno a la crítica y al público, llegando incluso a límites (casi herejes para algunos) de ser llamado "el nuevo Marlon Brando". Pero Mark ha sabido ganarse su propia reputación a base de esfuerzo entregándonos todo su talento en films "serios" como Zodiac o Reservation Road (y por el cual lo proponen no solo como nominado sino como gran favorito para el Oscar 2008 en la categoría de mejor actor secundario), o films más ligeros como Just like Heaven o Rumor has it. Este actor apunta a ser todo un clásico, dotando de temperamento y energía a cada uno de sus personajes. Junto con el ya mencionado Gyllenhaal y el gran Robert Downey Jr. formó uno de los últimos grandes tríos actorales vistos en la pantalla grande en el film Zodiac.

3.- Heath Ledger
La contraparte de Gyllenhaal en Brokebakc Mountain, Ledger empieza como un galán juvenil, pasando por roles menores (como el hijo de Mel Gibson en El Patriota), hasta llegar a roles estelares como el de Brokeback o el que de seguro lo marcará (le tengo gran fe en este rol) como el gran villano de la industria: nos referimos al Joker que dará vida en The Dark Knight, nueva entrega del Batman de Nolan. Ya salieron algunas imágenes y audios y el Joker ha causado gran expectativa, así como polémica, sobre todo para aquellos que creen que el Joker es el de Jack Nicholson y se acabó. Pero Ledger, lejos de esos roles extrovertidos como el del loco payaso de Batman, nos demostró en Brokeback que puede entregarnos performances enternecedoras y potentes. Su Ennis del Mar es un tipo duro por fuera, pero lleno de pasión y dolor por dentro. Su interpretación se desarrolla a lo largo de todo el film, y desemboca en aquella gran escena donde arrulla la chaqueta del amor que perdió. Sencillamente impactante. Ledger subió de peldaño, y al igual que Gyllenhaal, ese riesgo valió la pena.

2.- Edward Norton

Puedo decir abierta y arbitrariamente que Norton es mi actor favorito de la actualidad. Tiene el talento, el porte, las expresiones y el manejo de un actor clásico, de esos de carácter que escasean actualmente. Ya en su primera aparición como contraparte de Richard Gere en el film Primer Fear nos marcaba la pauta de lo camaleónico y maleable que puede ser. Ahi interpreta a un joven acusado de asesinato que sufre de doble perosnalidad, siendo un santo en ocasiones, pero un despiadado psicópata en otras. La dualidad de su personaje (el cual le valió su primera nominación al Oscar) encaja perfectamente con todas las caras que este actor nos ha dado en cada una de sus películas: el lado de la maldad, el odio, pero a la vez del sentir de no pertenencia a su viejo grupo que nos da en Historia americana X (en donde su caracterización de radical neonazi es una de las mejores actuaciones de finales del siglo 20), el lado de confusión y frustración en El Club de la Pelea, el lado noble e inocente en Death to Smoochy (donde interpreta a un artista que hace de un muñeco infantil, algo así como un Timoteo gringo), el lado de personaje de acción en Red Dragon (precuela del Silencio de los Inocentes), nuevamente el lado ambiguo en The Score (último film de Marlon Brando, donde además comparte escena con Robert de Niro), el lado sereno y metódico en El Ilusionista, y el lado que simplemente combina todo, en la espectacular caracterización de un hombre que vive sus últimas horas en libertad en la notable "La hora 25" (Recuerden la escena del espejo y la línea “No. Fuck you, Montgomery Brogan, you had it all and you threw it away, you dumb fuck!”) Sencillamnte genial. Norton tienen todo para ser el máximo exponente de su generación.

1.- Leonardo DiCaprio

Pudo quedarse en Titanic, y muchos lo considerábamos una estrellita más, pero el tiempo y sobre todo El mismo nos taparon la boca. Leonardo DiCaprio no es solo la estrella del presente (futuro), sino que es un gran actor. No puedo deicr que es un intèrprete notable como Norton, pero su talento ya demostrado y sus dotes de estrella que a nadie debe generarle dudas, nos han dado un actor que ha sabido manejarse en la industria hasta llegar al lugar donde se encuentra ahora mismo, con un gran estatus, hinchas por doquier y premios que le llegan y le seguirán llegando. Recordemos que ya DiCaprio había destacado como actor infantil, logrando incluso una nominaciñon al Oscar con su performance en la película ¿A quién ama Gilbert Grape? Pero DiCapiro cae en un pozo después del suceso de Titanic, hasta que es "rescatado" por dos de los más grnades de la historia del cine: Spielberg lo elige para que interprete al joven estafador Frank Abagnale Jr. en la cinta "Atrápame si puedes", en donde hace uso de su encanto propio de joven apeusto, pero bien llevado junto con sus dotes de actor, en los que destaca la tranquilidad y a la vez la fuerza que le da a sus personajes, dándonos la impresión que siempre tenáa el control de la situación. Pero también es rescatado por Martin Scorsese, quien lo elige para "Pandillas de Nueva York", una alianza que refleja la que tuvo el mismo Scorsese allá por los 70`s con un joven Robert de Niro. Scorsese ha sacado dos de las mejores interpretacioens de DiCaprio con "El Aviador", donde da vida al maniático multimillonario Howard Hughes, y en "Los Infiltrados", notable film ganador del Oscar en la que da vida a un agente encubierto al cual su posición secreta lo carcome cada día más. Podemos decir que el éxito de este actor está dado por una adecuada mezcla de talento e imagen., algo totalmente válido en el ámbito del cine, y en el que sin él, nadie sería nada en este negocio.

El Outsider

Más que outsider, un insider. No lo puse en el Ranking, y si bien es cierto no es de mis favoritos, este chico lo tiene todo: Apariencia, talento, tanto actoral como de guionista (ganó un Oscar por ello), una carrera sólida, papeles importantes, ha trabajado con los mejroes directores y rodeado siempre de un grupo de amigos poderoso, siempre dispuestos a cualquier pequeña estafa. ¿Ya adivinaron? Se trata de Matt Damon, el niño prodigio de Boston que actualmente parece estar en todos lados, siendo padre de familia, actor, productor y guionista, se da maña para salir en cuanto proyecto le pongan enfrente. Es la celebridad más ávida del momento, y parece que seguirá así.

Veremos en un futuro, no tan lejano, si estos 10 (11) se confirman como los principales rostros del cine, o se quedaron en meras promesas truncas, ya sea por ellos o por el manejo, muchas veces erróneo, que la industria le da a sus propios talentos.

Mi Blog

2007-12-08T06:18:00.000-08:00

Entro por segunda vez a este innovador ámbito de los blogs, y espero que esta represente mi inserción definitiva al mismo. Considero que esta es una ventana para darme a conocer mediante lo que escribo, sea de cine, televisión, fútbol, temas de actualidad y demás. No espero escribir artículos largos y pesados porque no quiero aburrirlos ni aburrirme. Esperen encontrar artículos simples, pero con mucho contenido y sobre todo mi opinión por delante, ya que trataré que cada uno de los post tenga mi visión, con todo lo particular que ello conlleva. Espero que se forme un buen ambiente de comunicación y expresión de ideas, para así empezar un camino por el cual intentemos llegar a la plenitud, no de la vida, pero sí de la comunicación.